24 de dezembro de 2010

A Última Flor**

Este é o último post do Sete Doses em 2010. Entro em férias agora e volto a postar textos novos a partir da segunda semana de janeiro-11.
Torçamos para que o amor seja sentimento dominante em 2011!!!


Como todo mundo sabe a 12ª Guerra Mundial trouxe um novo colapso não só na civilização humana, mas em todos os seres vivos do planeta terra.

Mais uma vez o homem mostrou que sua capacidade de evolução é limitada. Mostrou que ainda é vaidoso e que isso não o deixa aprender com o erro. O ego e a vaidade imperam. Quanto mais gente, mais individuais ficamos. Afinal porque o homem insiste em usar a violência? Quem disse que ele é melhor que seu semelhante?

Casas, prédios, ruas, quarteirões, bairros, cidades, estados, países e continentes, tudo mais uma vez fora devastado pela ganância dos homens, que lutam por nada. Os senhores da guerra não pegam em armas. Soldados mal sabem por que lutam contra seu irmão.

Os empresários sem dinheiro com suas fábricas destruídas deixaram de produzir. O homem voltou a ser um selvagem. Não existia mais traços de sua arquitetura, obras de arte viraram pó, livros e documentos queimados, de máquinas a material de higiene, nada sobrou.

A vergonha foi tanta que o homem passou a se sentir inferior ao mais ínfimo dos animais. Cachorros, gatos e todos os animais de estimação abandonaram seus donos pela falta de confiança, falta de ânimo, falta de tudo.

Tudo ficou em ruínas e o homem sem uma morada certa caminhava pela natureza morta, pois as árvores, a grama, as flores e plantas também sucumbiram à guerra do homem. Tudo era cinza, triste. O homem perdeu a vontade de cantar, de sorrir e festejar. As cores também haviam sumido. Não havia motivo para se alegrar.

Anos se passaram e os poucos seres humanos que restaram na terra continuaram prostrados, sem razão para ter fé e acreditar em um novo futuro. Muitas das conquistas do ser humano foram esquecidas, e mesmo os velhos generais já não lembravam das últimas decisões de guerra. Anos se passaram e as crianças de antes se tornaram jovens sem ânimo. O amor fora banido da terra.

A vergonha e o desânimo foram resultado do egoísmo do homem, que sempre luta por dinheiro, por poder, por colocação social, por bens materiais e se esquece de que a vida é mais que isso, muito mais. O homem esquece que o amor é mais importante que tudo. Pior, o homem não sabe mais o que é o amor.

Amor é doação, compreensão. Amor é saber dividir, olhar para o próximo. Amor é saber que não está só. Amor é saber ceder, dividir. Amor é ficar feliz em ver o próximo feliz. É saber perdoar e não perder a razão. Amor é não julgar e saber que estamos no mesmo barco. Afinal somos todos imperfeitos.

Os seres da terra não tinham mais nada, para eles só restava esperar o fim. Mas eis que uma jovem, em sua caminhada sem fim, encontrou uma flor – ela nunca tinha visto uma flor. Era a última flor que havia na terra, ainda estava viva, mas fraca. A jovem correu para avisar a todos sobre seu achado, mas ninguém lhe dava atenção, ninguém acreditava nela e tinha gente que nem se lembrava de como era uma flor. Finalmente um jovem parou para lhe ouvir e os dois foram ver o grande achado!

Animados com a flor de poucas pétalas, passaram a cuidar dela com muito carinho e a cada dia ela retomava sua força. O amarelo de suas pétalas que estava quase preto e manchado voltou a brilhar em seu tom natural. A força que a flor readquiriu fez com que uma abelha a procurasse, assim como colibris.

Não demorou muito e surgiram mais duas flores, depois mais quatro, e mais oito até o campo inteiro estar florido. As florestas voltaram a ter vida e a jovem que havia achado a última flor agora procurava cuidar de sua aparência. As crianças, os jovens, os adultos e os animais voltaram a sorrir em meio à natureza revivida. A beleza cuidada reacendeu o amor, e os jovens voltaram a namorar. Tiveram seus filhos que foram crescendo em um mundo melhor. Os animais voltaram alegres para seus donos que logo reaprenderam a construir um abrigo com as próprias mãos e usado pedra sobre pedra.

Ao construírem os abrigos, logo estavam fazendo casas, vilas, aldeias e até cidades. A música voltou a ser cantada e as pedras rabiscadas com pinturas positivas. Os poetas voltaram a escrever, os alfaiates voltaram a costurar, e todos voltaram a comer pão.

As cidades foram crescendo, viraram estado, depois viraram país. As famílias se separaram e foram morar em regiões diferentes. Territórios foram delimitados e os grandes líderes refizeram seus exércitos com soldados, sargentos, capitães, coronéis e generais.

Em um piscar de olhos os novos líderes com seus novos exércitos entraram em guerra. Destruição total. Tudo o que havia sido construído agora não existia mais.

A destruição foi tão completa que mais uma vez não sobrou nada sobre a terra. A não ser um homem, uma mulher e uma flor.


Que a paz, o amor e a compreensão reinem em 2011!!!
Saúde a você, seus familiares e amigos!

 


** Este texto é 100% inspirado no maravilhoso livro ‘A Última Flor: Uma parábola em imagens’, de James Thurber, com tradução de Carlos Eduardo Novaes, 1979, editora Expressão e Cultura. Livro que me fez, aos 9 anos, ver o mundo de outra forma.
(The Last Flower: a parable in pictures)

17 de dezembro de 2010

Série Anos 1990 SP: 10 - Um Rolé Pela Noite

Aeroanta
A São Paulo dos anos 1990 já tinha um trânsito bastante chato, mas não se compara a hoje. Já falei em algum texto dessa série que ainda era possível você sair de casa e dar uma volta tranqüila pela cidade, pelos principais points.

Lá pelas 23h passava-se pelo Aeroanta e também rapidamente pelo Dama Xoc para ver qual show teria e, mesmo com o boteco ao lado, ali no Dama não era o lugar certo para se tomar uma cerva, a não ser que você fosse entrar. Os botecos que ficavam ao lado e em frente ao Aeroanta já eram diferentes, porque lá dava para parar o carro, tomar uma, ver o movimento e também encontrar gente com mais facilidade. A rua em frente ao Aeroanta te possibilitava passar por lá de carro devagar e até mesmo fazer uma rápida fila dupla para falar com alguém. Principalmente nos dias de mais movimento.

Rua onde ficava o New York e o Sampa
Entre 1991 e 1993 ocorreu uma expansão de bares e casas noturnas na Vila Madalena. Na virada da década, entre 1988-90, tinha o Sushiban que ficava na Rua Teodoro Sampaio e muita gente ia lá no início da noite. Nesse mesmo período tiveram os bares New York e Sampa que ficavam em uma minúscula rua de apenas um quarteirão no Jardins, paralela a Rua Estados Unidos.

Inclusive onde exatamente ficava o New York, hoje é o Hotel Fasano (o nome da pequena rua hoje é Rua Vitorio Fasano).

Entre 1989 e 1993 eles reinaram ali. A rua ficava entupida de gente e carros mal conseguiam andar (via estreita de mão única). O ápice de lá foi quando a polícia fechou os dois lados da rua e deu baculejo em todo mundo. Um por um. Garotos e garotas. Nesse dia, por sorte, não estava lá.

Aliás, costumava ir lá no início, quando ninguém conhecia, o Sampa ainda nem existia e o New York era um bar vazio (uma casa antiga de andar térreo) e íamos lá em, no máximo, seis para beber e fumar maconha. Sim, lá dava pra fumar um baseado tranqüilo, mesmo sendo no miolo do Jardins, era só pegar uma mesa nos fundos da casa, no pequeno quintal. Quase que no mesmo quarteirão, mais atrás, na Estados Unidos,  tinha o Columbia, mas os frequentadores eram outros. Durante muito tempo o New York e Sampa eram bares frequentados por roqueiros que depois agregou skatistas e surfistas e até os playboys. O Columbia era pra quem gostava de música eletrônica (era início de uma nova cena, primeiras raves, ecstasy...). O começo do New York e Sampa era tranqüilo, depois o movimento aumentou, muita gente na rua, barulho, cheiro de xixi na rua, e tudo isso passou a incomodar os moradores.

Empanadas Bar durante o dia
Na Vila Madalena eu costumava ir ao Empanadas e em um boteco que ficava ao lado dele. Um na Rua Wizard e outro na Wizard esquina com Mourato Coelho. Poucos anos depois, principalmente na segunda metade da década, já era outra história, com a Vila lotada de gente na rua e pencas de bares surgindo a cada milésimo de segundo.

Também por volta de 1992 surgiu o The Jungle do meu amigo Cello, bar que ficava na Rua Virgílio de Carvalho Pinto, ao lado do cemitério. Lá era maravilhoso e eu era assíduo. Muitas noites começavam e terminavam no Jungle. Cello tocou guitarra na banda Las Ticas Tienen Fuego.

Quando não havia algum bom show ou uma boa festa no Aeroanta, ficava no Jungle noite adentro, mesmo que jogado no balcão, tipo Rê Bordosa. Este primeiro Jungle tinha um clima mais intimista, era em uma casa pequena, poucas mesas, ótimo balcão (onde eu jogava intermináveis partidas de gamão) e bons amigos. Lá chegou a ter alguns shows acústicos. Depois Cello abriu o Jungle em outro endereço, mais no miolo da Vila Madalena (não lembro a rua), que apesar de sempre lotado, já não tinha o mesmo clima do primeiro, e pouco frequentei esse segundo.

Também havia o Superbacana, bar que ficava na Rua Girassol esquina com uma dessas ruas pequenas que cortam um quarteirão no meio. Lá também havia uma mesa de bilhar, mas o barato era pegar a bebida e ficar na rua, em frente ao bar.

Der Temple
O Der Temple era outra casa noturna que eu freqüentava bastante, até por morar muito perto na época. Ele ficava na Rua Augusta já no centro, bem perto da Igreja da Consolação, no quarteirão onde hoje (2013) fica o Astronete. Um pouco mais abaixo do quarteirão tinha um boteco com uma mesa vagabunda de bilhar e ficávamos ali bebendo e jogando até mais ou menos 1h da manhã e aí sim entrávamos para o Der Temple. O palco era pequeno, mas os shows sempre muito bons. Além dos shows e do ambiente, a pista que ficava no fundo era muito boa. Tocava de Ramones e Stooges a Nirvana e Happy Mondays. Tive várias câimbras nessa pista. Kurt Cobain, quando veio tocar no Hollywood Rock, foi no Der Temple.

O Cais foi outro lugar que teve três momentos. Era uma casa noturna que ficava mais no centro, um pouco mais abaixo do Der Temple, bem na Praça Roosevelt. O lugar era grande, tinha três andares, e lembro que bem no final dos 1980 era uma casa Black, tocava muito funk e soul music, depois mudou para uma coisa mais alternativa e, por fim, virou algo bem ao estilo gótico. Tudo era preto: chão, paredes e teto. A pista era ótima para quem gostava do gênero. Tinha um bom palco e ambientes diferentes. Também tinham algumas máquinas de fliperama. O Cais, assim como o Der Temple e o Aeroanta, era um lugar que também dava pra ir, se encostar no balcão do boteco ao lado e encontrar algumas pessoas antes de entrar. Mas a Roosevelt era bem diferente de hoje. Era abandonada, escura e não dava pra frequentá-la como hoje. No quarteirão havia apenas o Cais e dois botecos.

Nem sempre dava para entrar direto no primeiro lugar que se ia, só se fosse uma coisa certa já marcada. Caso contrário, era preciso pegar informações de como estava o ambiente, se valeria a pena pagar entrada + consumação, era arriscado gastar dinheiro, entrar e o lugar estar ruim.

Fachada do Espaço Retrô*
O Espaço Retrô, que ficava no Largo de Santa Cecília, era outro bom lugar para ir assistir show e aproveitar a pista. Não era um lugar que eu costumava ficar após os shows, mas tinha gente que ficava. Retrô, Der Temple e Cais ficavam perto. O Retrô tinha um quê de Madame Satã, talvez por também ser em uma casa velha e ter um espaço descoberto dentro dela.

Garage era o único lugar que não tinha um boteco por perto. Então quando se ia lá já se sabia que era para entrar direto e beber lá dentro e, após os shows, a casa se esvaziava em quarenta minutos, no máximo.

Além de tudo isso, havia o movimento em frente ao Belas Artes, na Consolação, ao lado de onde havia o Bar Riviera (hoje reaberto, mas completamente mudado). Ali tinha, além do próprio Riviera, um bar lanchonete mil utilidades rsrs onde você podia tomar um café, comer um pão de queijo, ou tomar uma cerveja, ou comer um beirute. Ao lado dele tinha um boteco clássico e na sobreloja acima um bilhar 24 horas, onde frequentei muito. Em final de noite, entre 4h e 6h, você encontrava muita gente lá.

Os rolés noturnos eram nesse circuito, mas sem ter um horário certo para cada um. Isso dependia do evento, do que iria acontecer. Na dúvida dava-se uma primeira passada pelo Aeroanta e depois para o New York. Escolhia se ia ao Der Temple para dançar ou ver algum show, ou se iria entrar na festa do Aeroanta com o show ‘X’, enfim, os rumos iam sendo tomados e, por diversas vezes, passava-se a noite indo de boteco em boteco. Entre bares e casas de show com botecos colados, as pessoas iam se vendo, se encontrando. Muitas vezes as que você encontrava no boteco do Aeroanta a meia noite, você encontrava novamente no boteco do Cais as 2h ou na pista do Der Temple as 3h. Na noite seguinte todos acabavam se reencotrando em um show como Okotô no Aeroanta ou Pin Ups no Der Temple.

* A foto da fachada do Retrô eu retirei do blog de meu camarada Rodrigo Carneiro http://euelaocoeoaffairredivivo.blogspot.com/

11 de dezembro de 2010

Pub Rock

Dr. Feelgood
Segundo a Associação de Pubs da Inglaterra, atualmente são 54 mil no Reino Unido, onde 15 milhões de pessoas bebem ao menos uma vez por semana, emprega diretamente 600 mil pessoas e gasta em torno de 70 mil libras por ano com sua manutenção. Se fossemos comparar com o Brasil seria o nosso boteco. O pub é o boteco inglês.

O pub rock é simples. Nasceu com esse propósito. A postura, a energia e o modo como se vestiam, tudo isso acabou por influenciar o punk rock. É uma cena inglesa que nasceu e fincou bandeira em Londres. Seus shows eram intensos e todos usavam roupas normais do dia-a-dia, mesmo amassadas e sujas.

Inclusive antes do punk rock dizer, em 1976, que estava cansado do rock progressivo, o pub rock não gostava desse rock rebuscado e longo já em 1972.

Kilburn & The High Roads
Essa cena exclusiva inglesa surgiu com a intenção de recuperar as verdadeiras raízes do rock, esquecidas pelo progressivo. E assim foi-se buscar principalmente o blues, a country music e o rock’n’roll dos anos 1950. Seu ápice foi entre 1972 e 1975. Ou seja, é uma cena inglesa com sonoridade muito próxima a americana, por conta de suas influências.

A denominação pub rock vem dos shows que só aconteciam em pubs, claro. Fazia parte esse clima mais intimista que os pubs proporcionavam aos shows que eram regados a cerveja e whisky. Isso também contribuiu para resgatar entre os jovens ingleses daquela época o orgulho da tradição dos pubs. O pub rock também levou mais movimento para o pubs do interior. Com o surgimento de mais bandas, um circuito entre eles foi criado. Grande parte das bandas e dos principais pubs ficava em Londres e nesse período do auge da cena, se fosse fazer uma lista só com as principais bandas, daria ao menos uns 10 nomes.
The 101ers

Em termos de sonoridade, não há no pub rock um padrão. Tudo girava em torno dos gêneros que já citei. Uma banda podia ser muito mais blues e outra muito mais country, mas eram unidas pelas raízes e pelo pub. Algumas das bandas soam rockabilly, bem ao estilo Jerry Lee Lewis e Chuck Berry; outras são puramente folk, outras chegavam a compor soft rock. Cada uma com sua particularidade. Ou as bandas tinham uma pegada mais blues e folk, como o que rolava em San Francisco e em outros centros hippies, ou era mais rock'n'roll como Dr. Feelgood, Ian Dury, Nick Lowe, Elvis Costello, Graham Parker e The 101'ers.

Chilli Willi & The Red Hot Peppers
Dave Edmunds, Eddie & The Hot Rods e The 101'ers (ex-banda de Joe Strummer do Clash) eram mais puxados para o rockabilly; o Chilli Willi & The Red Hot Peppers e Eggs Over Easy são mais country (Chilli Willi parece aquelas bandas do velho oeste americano que tocavam em Saloon); o Duke Deluxe e o Dr. Feelgood já são mais blues elétrico e nervoso. Tem os artistas solos como Elvis Costello, Ian Gomm, Ernie Graham (folk hippie), Graham Parker (Costello e Parker têm sonoridades bem próximas) e o já citado Dave Edmunds, todos eles mais influenciados pelo rock, incluindo aí os Sixties (Who, Kinks, Beatles, Stones, Small Faces). Há as bandas mais calmas e diferentes como Ace, Brinsley Schwarz (ex-banda de Nick Lowe), Help Yourself, Kursaal Flyers e Kilburn & The High Roads (ex-banda de Ian Dury). Essa última já tinha outras influências como o jazz e o ska/reggae, e foi uma das pioneiras desse circuito. Essas outras ditas calmas tinham mais violão e baladas folk blues, folk country e soft rock.

Foto promocional da Stiff Records
Todos os jovens ingleses que estavam começando a tocar em meados dos anos 1970 beberam na fonte do pub rock, pouco na sonoridade e muito na postura. Até mesmo o então novo ska da cena two tone nesse ponto fortemente influenciado pelo pub rock. Madness e The Specials são dois exemplos.
Ducks Deluxe

O maior nome entre elas era Dr. Feelgood, também minha preferida juntamente com Ian Dury (tem post dele aqui no blog). Em segundo lugar vem Nick Lowe. Também gosto de Graham Parker, Ace e Help Yourself, mas não chegam aos pés de Dr. Feelgood, Ian Dury e Nick Lowe. Inclusive o Dr. Feelgood com o guitarrista Wilko Johnson e o vocalista Lee Brilleaux (morreu de câncer em 07 de abril de 1994 poucos dias após a morte de Kurt Cobain), foram figuras fundamentais para que a sonoridade do Dr. Feelgood se tornasse a marca registrada do pub rock. O som da guitarra de Wilko faz discípulos até hoje. Todos queriam Wilko. E foi Lee Brilleaux que deu o capital inicial (400 libras) para a criação da importantíssima Stiff Records, primeira a registrar toda essa cena.

Eddie & The Hot Rods
Depois do auge, em 1975, muitas bandas se desfizeram. Ian Dury seguiu uma maravilhosa carreira solo misturando reggae, rock e disco; Joe Strummer formou o Clash e os artistas solos continuaram tocando e gravando, sendo o mais conhecido no Brasil Elvis Costello. Muitas dessas bandas deixaram registrados apenas um disco.

O único sucesso gerado pelo pub rock que chegou às paradas foi “How Long” do Ace, um soft rock de primeira. Mas apesar do grande sucesso entre os jovens do Reino Unido, o pub rock não deixou hits nas paradas, não fez grandes vendagens (dizem que juntando tudo não chega a 500 mil cópias vendidas), não escreveu sua história junto a um grande público, mas deixou sua marca para sempre.















6 de dezembro de 2010

Série Anos 1990 SP: 9 – 1994 O Ano da Mudança

Então a cena roqueira brasileira entrou nos anos 1990 com cara, jeito e postura de rock americano. Não havia outra maneira, pelo menos era o que se pensava em SP. Ou sua banda cantava em inglês ou estava fora da moda. Até tinha uma ou outra que se arriscava no português, mas era peixe fora d’água, vista com certo desdém.

Mas fora de SP, apesar de também ter as bandas americanas, não havia esse preconceito todo com a língua portuguesa. Esse preconceito era exclusivo de São Paulo. Em Brasília já havia uma cena com Raimundos, Little Quail e Maskavo Roots; em Belo Horizonte o Skank e Pato Fú; no Recife com Chico Science e Fred 04. Ao contrário do Juntatribo, o Abril Pro Rock e o Superdemo tinham mais bandas que cantavam em português.

Entre 1990 e 1993 as bandas americanas e as bandas covers dominaram o cenário, mas a partir daí a coisa começou a mudar. Acredito que muito por causa da chegada do Plano Real. A estabilidade na economia trouxe ânimo nas gravadoras para novas contratações. O rock voltou às boas vendas, e um exemplo disso é o próprio mercado com MTV; as rádios 89, 97 e Brasil 2000; as revistas Showbizz e Rock Brigade. A partir de 1994, com novo governo e a certeza de moeda estável, os festivais ganharam mais força (Hollywood Rock, Monsters of Rock, Free Jazz, BHRIF e outros).

Em 1993 já se falava em Skank, O Rappa, Planet Hemp, Pato Fú, Raimundos, Little Quail, Chico Science e Nação Zumbi, mundo livre s/a. Bandas compostas por uma rapaziada que já estava na ativa durante os anos 1980 e que desde sempre compuseram em português.

Além dessa parceria Banguela-Warner, houve também a criação, por parte da então Sony Music, do selo Chaos-Superdemo. E foi dessas duas iniciativas que surgiu uma nova cena do rock brasileiro cantado em português, e que teve a importante ajuda da MTV com todas as suas criações de incentivo.

Em 1994 o ano já abriu com a assinatura de parceria entre o selo Banguela e a gravadora Warner. O primeiro lançamento dessa parceria foi o Raimundos e aconteceu em abril, mesmo mês em que Chico Science & Nação Zumbi fez show de lançamento do ‘Da Lama ao Caos’ em São Paulo (gravado pela MTV). Em agosto veio o 'Gol de Quem?', segundo do Pato Fú. Dois meses depois, em outubro, foi a vez de ‘Calango’ do Skank e de ‘Samba Esquema Noise’ do mundo livre s/a, e em dezembro o primeiro do O Rappa. Ainda em 1994, no show de lançamento do Raimundos no Aeroanta (também gravado pela MTV), o Planet Hemp fez o show de abertura deixando todo mundo de queixo caído. Foram seis lançamentos que fizeram de 1994 um ano marcante.

Daí ao final de 1994 caiu de vez à postura americana que havia invadido a cena brasileira. O forrócore do Raimundos, o maracatu de peso do CSNZ, o dancehall abrasileirado do Skank e as esquisitices do Pato Fú e as músicas de protesto do O Rappa acabaram fazendo sucesso e incentivando outras bandas e outras contratações.

Muitas das bandas que cantavam em inglês, ou logo acabaram ou tentaram compor em português e depois acabaram. Fato é que nenhuma fez grande sucesso.

Em SP o circuito continuava o mesmo: Aeroanta, Der Temple, Dama Xoc, Garage e aos poucos surgiram outras como o Urbano no centro, Empório Cultural na Vila Madalena, o Brittania. Outras bandas também surgiram em São Paulo como Las Ticas Tienen Fuego e Los Sea Dux. O PUS e o Viper passaram a compor em português. Todo mundo continuava a se encontrar nos bares, botecos e shows da cidade, mas agora o clima tinha mudado. Todo mundo queria buscar uma chance nas gravadoras e, principalmente, na MTV. Todo mundo queria fazer clipe, porém era caro. Mas para muita banda a MTV passou a ser vista como porta de entrada para alguma gravadora. Essa mudança, pelo menos pra mim, só veio a confirmar o que um monte de gente que se dizia amante de música na verdade queria: apenas fama e massagear o ego. A música era mero detalhe.

Digo isso porque lá dentro da MTV era latente o desespero de algumas pessoas pelo sucesso, por querer aparecer. Chegava a ser triste ver as bandas americanas perdidas sem saber o que fazer no meio daquela nova cena brasileira e, pior, sem o menor jeito para compor em outra língua.

Dentro dessa cena underground paulistana 95% dos músicos iam de acordo com a onda. Faltava personalidade. Em 1993 tinha grunge que se dizia fã de Mudhoney, mas que em 1991 amava Bon Jovi. Esse mesmo cara, em 1997, passou a dizer que a música não seria nada se não fosse Jackson do Pandeiro, artista que menosprezava no auge do grunge. Eram pessoas que dançavam conforme a música.

Então o cara que tocava com sua banda grunge no Der Temple em 1993, cinco anos depois estava batalhando espaço com sua banda de frevocore ou de sambacore. E hoje provavelmente deve estar montando uma banda de happy rock. Não há problema em descobrir novos sons e mudar de gosto. O problema é depois ficar escondendo que gostava de Bon Jovi e de passar a gostar de Jackson do Pandeiro como se nunca tivesse falado mal de sua música. O problema é o desespero em fazer qualquer coisa para ter sucesso (???).

Lembro de assistir a edição do Superdemo em Brasília, em 1995, e em sua escalação tinha apenas uma banda de metal que cantava em inglês o resto todo cantava em português. Em São Paulo teve uma edição fracassada do festival que também só tinham bandas que cantavam em português: Acabou La Tequila, Cambio Negro e Rip Monsters (que já não cantava em inglês).

A cada ano que passava a MTV ganhava mais força e respeito. Em seus primeiros anos, por causa da crise e da desconfiança, ela chegou a produzir videoclipes para algumas bandas com a intenção de incentivar produções desse tipo. Acho que foi em 1994 que a MTV, também como incentivo ao mercado, inventou o Banda Sim, grupo de artistas novos que assumidamente tiveram uma força da emissora. Não lembro quais eram, mas Pato Fú, Planet Hemp, Maskavo Roots e O Rappa estavam entre elas. Isso foi legal, surtiu efeito. E pra chutar o balde de uma vez, em 1995 foi criado o Video Music Brasil.

Tudo isso deu tão certo que o mercado de videoclipes não só cresceu como também encareceu. Para as principais produtoras independentes (que trabalhavam basicamente com publicidade) o clipe se tornou uma vitrine, tendo tratamento de super produção. “Segue o Seco” de Marisa Monte é um bom exemplo.

Já a partir de 1995 ninguém mais lembrava dos negros anos de 1990 a 1993. Parecia outra década. O rock brasileiro ganhou uma nova força, e até virou mania buscar sonoridades brasileiras para misturar com rock (olha a falta de personalidade!). Pra completar essa mudança de cenário, lá fora o grunge morreu e o britpop começava a invadir o universo pop.

PS: Nota-se que esse complexo de banda americana que dominou a cena paulistana fez com que nessa retomada do rock brasileiro não houvesse nenhuma banda de São Paulo entre os novos nomes que surgiram nas gravadoras em 1993-95, apesar da MTV e das grandes gravadoras estarem de olho...









3 de dezembro de 2010

Brasileiro Rico, Fino e Europeu (aff!)

(Uma homenagem a reprise da novela Vale Tudo, a mais atual de todas as novelas que valem a pena ver de novo)

Tem gente que enche o peito quando fala que já viajou pelo mundo: Praga, Madri, Paris, Amsterdã, Berlim, Barcelona, Londres, Tóquio, Nova York, Sidney. Tem aquelas pessoas que enchem ainda mais o peito quando dizem ter morado em uma dessas cidades, tendo a oportunidade de conhecer melhor os costumes de outros lugares.

Quem esteve lá fala da maravilha do primeiro mundo, da educação, da forma como os europeus pensam, como agem. Voltam para o Brasil tratando o país com certo desdém. Os comentários sobre tudo sempre vem acompanhados de “porque em Nova York....”, “porque em Londres...”, “porque na Europa....”.

Gostaria muito que o Brasil fosse um país de ruas mais limpas, de pessoas educadas, mas essa não é nossa realidade. Ainda vivemos em tempos arcaicos onde a corte real nega conhecimento ao povo para que ele não conteste suas decisões.

Aqui estou falando das pessoas privilegiadas, que conhecem bem outras culturas; que se não são ricas, ao menos moram em bons bairros, estudaram em colégios particulares, fizeram cursos complementares, tem carros de boa marca, passam um Natal cheio de presentes, enfim...

O incrível é que essas pessoas que se gabam de conhecer o primeiro mundo e seus costumes, são as primeiras a se mostrar sem educação. Na verdade sem educação não, são pessoas de mau caráter mesmo, porque educação elas tiveram, e de boa qualidade (pasmem!), pois passaram a vida estudando em escola e universidade particulares.

É só prestar a atenção para ver qual é o carro que para em cima da faixa de pedestre, ver quem fala ao telefone enquanto dirige, quem costuma levar vantagem na base do “você sabe com quem está falando?”, basta olhar o chão das calçadas dos bairros nobres cheios de coco de cachorro e/ou saquinhos com coco. Sim! O brasileiro rico, fino e europeu leva seu cachorro para passear e quando não pega seu coco, pega mas deixa o saquinho jogado na rua (!?!?!). Educação fina. Sempre imagino a casa dessas pessoas cheirando a bosta e com o couro do sofá melado.

Fino também é o motorista ver que há um monte de gente querendo atravessar uma esquina e sequer para o carro para deixá-las atravassar, mesmo tendo uma faixa de pedestres enorme. O brasileiro rico, fino e europeu faz de tudo para não pegar fila, até mesmo furá-la na cara dura vale. Fazer fila dupla de carros (em escolas particulares!), dirigir bebendo, pagar suborno para conseguir vantagens das mais diversas (quem tem dinheiro para pagar suborno? O pobre trabalhador?). O brasileiro rico, fino e europeu tem essa educação exemplar. É só lembrarmos o que aconteceu com o filho da atriz Cissa Guimarães: se quem tivesse morrido não fosse filho de famoso, o pai do culpado teria pago a polícia e nada teria acontecido.

Agora te pergunto: a responsabilidade maior está com quem não tem educação porque não consegue tê-la ou com quem tem educação e não a usa? É lei natural da vida: quanto mais conhecimento adquirimos, mais responsabilidade temos.


28 de novembro de 2010

E o Teeeeempo Passa...

Supertramp
Uma lembrança que tenho da minha rotina de garoto recém entrado na adolescência, era o inferno de acordar cedo para ir à escola. Odiava. Era sacrifício diário. Domingo a noite pra mim era tudo de ruim... jeje. Acho que é por isso que hoje adoro ficar na janela comtemplando o silêncio nas madrugadas (duas/três da manhã) de domingo para segunda – não tenho que acordar para ir à aula!!! (Inclusive esse é o momento de maior silêncio em São Paulo)

Nessas manhãs eu saía de casa entre 06h00 e 06h30. Quando pegava carona com meu pai, íamos escutando o jornal da Jovem Pan “vambóra, vambóra, vambóra, tá na hora, vambóra, vambóra. São 06h15. Reeeepita. 06h15.”

RHCP
Estou falando de 1982 a 1984. Eu tinha um rádio gravador no criado mudo do quarto, e assim que eu acordava ligava em um programa de flashback, clássicos, arquivo musical. Cada lugar dá um nome diferente, mas é o clássico programa de grandes sucessos do passado.

Ligava e logo vinha “It’s Raining Again” do Supertramp, “Something” do Beatles, “Satisfaction” do Rolling Stones, “Show Me the Way” do Peter Frampton, “Starway to Heaven” do Led Zeppelin, “(They Long to Be) Close to You” dos Carpenters, “California Dreamin’” do The Mamas & The Papas ou uma versão qualquer de “Raindrops Keep Fallin’ on My Head”.

Eram tempos de Som Pop, que também tinha seu momento “clássicos” onde tocava exatamente o que eu ouvia nas rádios. O que estava surgindo nesse período era U2, B-52’s, Iron Maiden, Duran Duran, Devo, Prince, Cindy Lauper, Madonna, Afrika Bambaataa.

Passados mais alguns anos outras músicas foram sendo incorporadas ao gênero ‘flashback clássico’ como as músicas das carreiras solos dos ex-Beatles, os sucessos da era disco, entre outros. Mas durante os anos 1990 esses programas continuaram basicamente com o mesmo repertório.

Peter Frampton
Cada veículo vê de forma diferente os antigos sucessos. De lugar para lugar, para entrar nessa categoria, o tempo da música pode variar entre 10 e 20 anos. Se não me engano, na MTV, para uma música entrar na programação do ‘Clássicos MTV’ era preciso ter 15 anos.

Outro dia caí pra trás ao assistir ao programa ‘VH1 Clássicos’. O primeiro clipe foi “There’s No Other Way” do Blur. Fiquei estatelado e me perguntei como querendo acordar: “Blur em um programa de clássicos, foi isso que eu vi?”, aí na sequência veio “The Right Thing” do Simply Red, e entre outras pérolas tiveram “Supersonic” do Oasis e “Give it Away” do Red Hot Chili Peppers. Depois ainda teve um monte de outras músicas, e a mais antiga era de 1983.

Acabou o programa e eu no sofá imóvel de boca aberta. Nada de Supertramp, nada de “Imagine” de John Lennon ou “Coming Up” de Paul McCartney. Nada de “Sunshine Your Love” do Cream, “Hey Joe” de Jimi Hendrix ou qualquer outro soft rock dos anos 1970.

O grunge agora faz parte da categoria ‘clássicos’ junto com a disco music, o punk rock e o flower power. Sex Pistols e Janis Joplin pau a pau! Radiohead já é flashback. Jane’s Addiction, Pavement, Weezer, Bad Religion, Offspring, Pixies, Happy Mondays, Green Day, Blink 182! Falta pouco para Spice Girls…

Blur
A cada ano mais e mais artistas entram para a categoria. Não me espantará se algum dia um velho superstar se dizer presidente do SACTOPROF: Sindicato dos Autores de Clássicos que Tocam em Programas de Flashback (Billy Idol? Sebastian Bach? Zack de la Rocha?).

Algo me diz que a primeira batalha do sindicato será por mais espaço nos programas, afinal o número de clássicos aumentam e o tempo desses programas continua o mesmo.

“Breakfast in America”, “Feelings”, “Come Together”, “Smoke on the Water” não podem cair no esquecimento e a família de seus autores precisam dos direitos autorais para pagar suas contas. Pode um programa de clássicos sem “Starway to Heaven” do Led ou “Another Brick in the Wall” do Pink Floyd?

Pelo sim, pelo não ao menos a programação dos especiais de flashback mudou bastante...







25 de novembro de 2010

Série Coisa Fina 4: J.J. Burnel (The Stranglers)

No punk rock os protagonistas são a guitarra e os berros vocais. O baixo fica em segundo plano. Na cena novaiorquina e londrina do punk rock de 1974 a 1978 há alguns baixistas que se destacaram e ajudaram a dar sequência ao instrumento. Pra mim, o melhor e mais importante deles (Dee Dee não conta, está acima de tudo), é Jean-Jaques Burnel, o JJ Burnel, baixista do The Stranglers, banda que era uma espécie de patinho feio do punk rock, mas não no mau sentido.

Filho de pais franceses, JJ nasceu em Londres, mas anualmente ia para a França. Fora o baixo ele tem outras duas paixões: o Karatê e motocicletas. Mesmo antes de entrar para o Stranglers JJ já treinava a arte marcial preferida do senhor Miyagi, indo inclusive ao Japão para tal. Ele é faixa preta 6º dan, e dono da respeitada academia Shidokan onde também dá aulas. Tem uma coleção de motos Triumph (inclusive em seu 1º álbum solo há uma música chamada “Triunph (of the Good City)” com marcação de baixo e um motor roncando o tempo todo).

Não vou me ater ao lado técnico, mas a sonoridade de seu baixo esta ligada, claro, ao equipamento que usa (Fender) e a forma como dá suas palhetadas mais perto da ponte, mas fato é que suas frases, riffs e marcações graves fizeram escola e deram um novo status para o baixo, principalmente, pela forma como ele foi mixado e nos timbres que JJ usa como distorções, wah wahs e outros efeitos, assim dividindo a mesma atenção com os outros instrumentos - o uso da palheta ajuda e muito a dar a forte característica na sonoridade do baixo de JJ. Na cena punk o que ele fazia nos anos 1970 era único. A sonoridade que ele criou foi muito importante para as cenas que surgiram após o punk rock.

Ele gravou dois álbuns solos: ‘Euroman Cometh” (1979) e “Un Vour Parfait” (1988, inteiramente cantado em francês). Em ‘Euroman Cometh’ Burnel fez agradáveis experiências com bateria eletrônica, teclados, baixo, e com efeitos vocais cantado em inglês, francês e até alemão. Alguns momentos do álbum me lembram Tones on Tail.


Apesar de ser experimental e obscuro, ele também foi importante para o pós-punk. Foi feito em 1978 nos intervalos das gravações de ‘Black and White’ do Stranglers. Nessa época JJ não tinha onde ficar e passou a dormir no estúdio. Quando todos iam embora ele gravava suas experiencias. Em 1992 o álbum foi relançado em CD. É um trabalho atual.

JJ Burnel também fez parte do grupo Purple Helmets, junto com Dave Greenfield também do Stranglers. Era um projeto paralelo formado no final dos anos 1980 onde só tocava covers e chegou a gravar Clash, Doors, Roy Orbison e outros.

Não sei o motivo pelo qual o Stranglers não é conhecido no Brasil, mas isso não diminui em nada a importância de JJ Burnel, porque hoje quem é baixista e gosta de rock alternativo e punk rock, pode não saber ou conhecer, mas tem grande influência de JJ.

Essa é minha sugestão de álbuns do Stranglers para conhecer bem o estilo de Jean-Jaques Burnel: ‘Rattus Norvegicus’ (1977), ‘No More Heroes’ (1977), ‘Black and White’ (1978), ‘The Raven’ (1979) e ‘La Folie’ (1981).











18 de novembro de 2010

Cazuza e Renato Russo

Pessoas insistem em querer comparar a carreira de Cazuza e Renato Russo pelo fato deles terem sido os dois grandes letristas da geração 1980. Não há comparação. Até porque as influências de Cazuza eram bem abertas e mais puxadas para a MPB. Gostava de Janis Joplin, mas gostava das cantoras do rádio e da MPB dos 1970. Renato Russo também era aberto a várias influências, mas gostava mesmo era de rock e sua grande influência foi o punk rock. É só comparar “Brasil” com “Que País é Este?”.

A carreira solo de Cazuza só foi chamar a atenção do grande público em 1988, ano em que lançou ‘Ideologia’, já imerso em uma onda de boatos sobre sua mudança física – falava-se que era causada pela aids. Na música título do disco Cazuza diz “o meu prazer agora é risco de vida”, e em “Boas Novas” diz “eu vi a cara da morte/e ela estava viva”. Isso só fez com que os boatos ganhassem mais força (suas viagens para os EUA eram sempre registradas pela mídia).

Cazuza se destacou por suas letras de amor: amor bandido, amor sofrido, amor exagerado, amor com ódio, amor escandaloso, amor solitário. Sim, ele escrevia sobre outros temas (“Mal Nenhum”, “Só se For a Dois”, “Só as Mães São Felizes”, “Vai a Luta”), mas seu forte era o amor.

Lançado exatamente em agosto de 1988, ‘Ideologia’ era o sexto disco de Cazuza (contando os três com o Barão Vermelho). Nesse mesmo ano a Legião Urbana trabalhava o seu 3º lançamento ‘Que País é Este?’, disco que fechou um ciclo, pois nele se registrou definitivamente todo o repertório da Legião que existia até então (faltando, na verdade, “1977” e “Fábrica 1”). Disco pesado que só veio afirmar de uma vez por todas o talento que Renato Russo tinha para escrever músicas de protesto e também sobre as angústias juvenis. Em um momento de ressaca pós-Plano Cruzado (furado!), a música “Que País é Este?” caiu como uma luva.

diversas músicas de amor gravadas pela Legião nesses três primeiros discos: “Por Enquanto”, “Será”, “Quase Sem Querer”, “Eduardo e Mônica”, “Andrea Dória” são algumas. Porém a marca do letrista Renato Russo ficou sendo suas músicas de protesto que foram bem vindas nesse período de transição política dos anos 1980. Era uma época em que os artistas ainda eram cobrados por uma posição política, por isso ‘Ursinhos Blau Blau’ não eram bem vindos. Dentro desse contexto Legião Urbana se sobressaia.

Cazuza sempre foi desbocado, fazia parte de sua personalidade, e chegou um momento em sua vida que escancarou de vez. Chegou até a cuspir na bandeira do Brasil em sua temporada de lançamento do ‘Ideologia’ no Canecão. Mas foi só em 13 de fevereiro de 1989 que ele assumiu ter a aids, em uma entrevista para o jornal Folha de São Paulo, concedida ao jornalista Zeca Camargo, em Nova York, um dia antes da publicação.

Se foi em 1988 que Cazuza resolveu ser mais crítico, foi também quando Renato Russo resolveu ser menos crítico. Provavelmente a gota d’água tenha sido o famoso show no Estádio Mané Garrincha, em Brasília, quando Renato brigou com tudo e com todos (e eu estou com a banda). Mas antes disso alguns shows da Legião já vinham causando certo tumulto, pois os discursos de Renato fortaleciam as mensagens passadas nas músicas de protesto.

Terminada a turnê do ‘Que País...’ a banda foi descansar. O show de Brasília o entristeceu pacas. Um monte de coisas levou Renato a repensar a carreira e uma das decisões foi a de que seria mais positivo, falaria mais de amor. Foi em 1989 que Renato descobriu estar contaminado pelo HIV. Mesmo antes disso ele já estava cansado de tantos shows, e outra resolução foi a diminuição de viagens e apresentações. Aí veio, em outubro desse mesmo ano, ‘As Quatro Estações’ não só com “Pais e Filhos”, “Quando o Sol...”, “Sete Cidades”, “Monte Castelo” e “Se Fiquei Esperando...” (essas duas últimas com citações bíblicas), mas também com “Meninos e Meninas”, onde Renato assumiu de vez seu bissexualismo. E mesmo com toda essa mudança de comportamento esse disco só veio solapar a já magnânima carreira da banda.

A partir daí Renato direcionou seu texto para o amor, claro que sem abandonar temas mais fortes, como quem diz “já escrevi tudo o que podia sobre esse assunto, agora vou escrever sobre outras coisas”.

Dois meses antes de ‘As Quatro Estações’, em agosto de 1989, Cazuza lançou seu último disco ainda em vida, o ‘Burguesia’, que abria com ele gritando “a burguesia fede”, e que ainda tem “Cobaias de Deus”. Depois de sua morte saiu o ‘Por Aí’, que ainda traz "Portuga" e “O Brasil Vai Ensinar o Mundo”.

As críticas políticas e sociais escritas por Cazuza e por Renato Russo ainda estão bem longe do prazo de validade. As músicas de amor escritas por Renato Russo e por Cazuza ainda encantam, e assim será sempre. No final de suas carreiras os papéis foram invertidos e quem ganhou com isso fomos nós.



14 de novembro de 2010

Série Anos 1990 SP: 8 - Imagens (2)

1 - Massari era o multi homem: coordenava a 89 FM e era apresentador e programador do Lado B da MTV e ainda fazia outros bicos para revistas e jornais. Aqui ele apresenta a transmissão ao vivo que aconteceu diretamente do Teatro Mars no lançamento da coletânea A Vez do Brasil (Little Quail, Neanderthal, Graforréia Xilarmônica e Rip Monsters). Tatola também estava lá.



2 - Muzzarelas é um ótimo exemplo de banda boa do interior. Hardcore de primeira. Vinda de Campinas que ainda tinha No Class, Língua Chula...



3 - Neanderthal nadava contra a maré da época: fazia um heavy metal de raiz, melódico e nervoso. Era um time de all stars: os irmãos Jaques e Jeff Molina (guitarra e bateria respectivamente), Ney Haddad (baixo, dono do estúdio Quórum), PA nos vocais (ex-RPM) e Lee Marcucci (guitarra. O próprio!). Era um timaço! O que mais surpreendia na banda era a capacidade vocal de PA, além de sua performance ao vivo. Sonzêra da braba. Esse show aconteceu no Ginásio do Ibirapuera num festival beneficente contra a fome (ainda tinha PUS, Rip Monsters, Golpe de Estado... não lembro de tudo).



4 - Lembro do Okotô logo depois que André saiu da Patife Band. Era um duo experimental com Cherry que cantava e tocava koto e André tocava guitarra. Houve outros integrantes e acho que dois discos lançados dessa fase "cabeça". Depois, não lembro em que momento, o som mudou. Sem dúvida era uma das principais bandas dessa cena paulistana dos 1990, além de ser uma das melhores. Formação clássica: Cherry vocal e guitarra, André Fonseca guitarra, Andrei baixo e Miguel bateria.



5 - Esse aí é o Pit Bull, banda que eu e Johnny Monster formamos em 1990 juntamente com o baterista Alja e o baixista Fábio Zaganin. Durou algo em torno de 10 meses e fizemos uns 4 shows. Esse da foto aconteceu no Dynamo. Entre o público, além de um monte de amigos cabeludos e maconheiros, estavam as meninas do Volkana. Cantávamos em português, então éramos peixe fora d'água. Nossa frustração foi não ter tocado no Aeroanta e nem para o Papa. Gravamos algumas músicas do Pit Bull num projeto virtual chamado Aperta o Play (tramavirtual).



6 - Na época dessa apresentação do PUS, a banda passava por uma reformulação. Aconteceu no Ginásio do Ibirapuera durante um festival, só estavam no palco a guitarrista Simone, o vocal Ronan e o batera Rodrigo. Tocaram basicamente Slayer. Talvez tenha sido o último show metal do PUS, porque depois a banda virou uma espécie de eletrônico/industrial/metal.



7 - Raimundos ao vivo em um estádio Pacaembú completamente vazio. Sim, acredite! Porém Raimundos não tinha culpa. Não lembro ao certo, acho que no início de 1994 houve uma tentativa fracassada de se fazer um festival gratuito no estádio, monte de bandas foi selecionada, mas a prefeitura não autorizou o evento apesar de toda a estrutura de som e luz estar pronta e funcionando. Atrás do palco estavam trocentas bandas perdidas sem saber o que fazer e sem saber se iriam poder tocar. Nessa discussão de toca-não-toca o Raimundos subiu e tocou 3 ou 4 músicas. Eu tive a sorte de registrar duas ou três dessas músicas. O cenário era bizarro: um monte de músicos ao redor do palco e o estádio vazio e completamente escuro. O engraçado é que meses depois desse fato, o Raimundos voltou a tocar no Pacaembú só que dentro do Festival Monsters of Rock e foi um dos melhores shows dessa 1ª edição do Monsters. Acho que nessa época a banda ainda estava gravando o 1º álbum e ainda morava num hotelzinho na Vila Madalena. Saímos juntos de lá, mas não lembro onde fomos...



8 - Ratos de Porão ao vivo no Aeroanta. Nessa época a formação era Gordo no vocal, Jão na guitarra, Jabá no baixo e Boka na bateria. Pra variar, show maravilhoso e público animal. Gordo ainda não era da MTV. RDP já era velho de guerra no palco do Aeroanta e esse show que aconteceu em 1993 pode ter sido o lançamento do 'RDP Ao Vivo'. Foi um dos últimos shows com Jabá na formação. Okotô abriu (foto 4).



9 - Volkana ao vivo no SESC Pompéia, em um festival organizado pela revista Dynamite. As bandas de Brasília invadiram SP nos 1990: Raimundos, Volkana, Little Quail, PUS e Maskavo Roots. Volkana era a única banda só de garotas na época - pelo menos a única ativa no circuito. Chegou a gravar "Pet Sematary" do Ramones para tentar uma carreira internacional e gravou disco ao vivo no Dama Xoc. Tentou, tentou mas, como todas as outras que cantavam em inglês, perdeu a força e se desfez.



10 - Yo Ho Delic no Maksoud de Plaza. Sim! No Maksoud. A seleção de bandas para o tal festival gratuito realizado no estádio do Pacaembú (foto 7) foi feito no 150 Night Club (acho que o nome era esse), uma boate que ficava dentro do hotel. Era domingo de manhã e um monte de bandas foram até lá para tocar de três a cinco músicas (imagine a cara da galera). Nem vou nominar porque foram praticamente TODAS as bandas do underground daquele período. Nessa época o Yo Ho Delic já não contava com Kuaker na guitarra que acabou substituído por Munari (ex-Lagoa 66). Os shows do Yo Ho Delic eram ótimos.



11 - Esse show do Yo Ho Delic aconteceu numa casa noturna chamada Phoenix que ficava na Barra Funda e era do mesmo dono do Espaço Retrô (acho que o nome dele era Roberto). Era um casarão velho de ambiente único. Não deu certo e durou menos de seis meses.  Formação clássica com Marinho no baixo, Patossauro vocal/flauta/sax, Denis bateria e Kuaker guitarra. Talvez tenha sido o último show com Kuaker.