Sete Doses de Cachaça

Série Coisa Fina: 10 - The Cure

2012-01-24T13:27:00.000-02:00

Esse aqui é só um humilde texto de fã apaixonado, e no caso aqui a paixão é The Cure, banda que tenho escutado muito ultimamente. Mais precisamente a caixa Join the Dots (4 CDs com os B-sides dos singles da banda de 1978 até 2000). A princípio fiquei pensando em escrever sobre algum dos discos, mas como estava difícil de decidir, resolvi então falar da banda. Até hoje foram 13 discos de estúdio e eu gosto de todos! Mas os preferidos estão entre Three Imaginary Boys e Disintegration.

O Cure tem forte influencia no Rock de Brasília (digo a geração Turma da Colina – é só escutar Legião) e praticamente cresci ouvindo a banda e aguardando ansiosamente cada disco lançado. A sorte é que a partir do Concert, a gravadora passou a lançar os discos aqui no Brasil, o que facilitou bastante. Não tinha um final de semana, uma festa, uma reunião de amigos que lá não estava o Cure.

Robert Smith é criativo demais. Mais que isso, Robert Smith é gênio! Ele deu outra direção não só para a música pop, mas também para a guitarra. Quietinho na dele, misturou timbres e efeitos que ajudaram a formar a cara do Cure (que também tem a presença do baixo na frente, como uma boa banda pós-punk. Baixos maravilhosos de Michael Dempsey e Simon Gallup - incluindo também os gravados por Smith). Ele toca com diversas guitarras, mistura os pedais flanger, corus, phaser e outros. Os acordes, riffs...

Me arrepia escutar “The Kiss” que abre o Kiss me, Kiss Me, Kiss Me, lançado em 1987 sucedendo o The Head On The Door que é o grande sucesso da discografia e que botou o Cure no topo. Não bastasse, Kiss Me... era vinil duplo. Na sequência, em 1989, veio outra chapoletada na cabeça, que foi o Disintegration. Clássico absoluto mesmo já sendo o 8º de estúdio.

Cure sabe trabalhar os recursos de estúdio. Explora muito bem a reverberação, os efeitos, timbres e todas as possibilidades que tem na mão. Eu adoro as vozes que Robert Smith grava, os efeitos, as segundas e terceiras vozes. Registro aqui também os teclados bem usados, com timbres incríveis, alguns até de chorar de tão bom.

Além do som, o Cure sempre teve bom gosto na parte visual, as capas, pôsteres, fotos e os incríveis videoclipes. As cores, as fontes, texturas. Tudo muito bem pensado e de bom gosto. Sempre inspirador.

A banda passou por várias fases e formações, chegou até mesmo ser uma dupla apenas com Smith e Lol Tolhurst. Aliás Lol é amigo de Smith desde os 5 anos, ficou na banda até o Disintegration. Esse era um que nãoi dava pra imaginar o Cure sem ele (como não dava pra imaginar Dee Dee fora do Ramones). Saiu, até onde sei, por consumo excessivo de álcool e drogas que começaram a atrapalhar nos compromissos da banda.

Depois do Pornography, Smith temendo não saber mais compor músicas pop, se desafiou a escrevê-las. Compilou várias delas no Japanese Whiaspers, coletânea de singles lançada em 1984, que tem “The Lovecats”, “Let’s Go to Bed”, “The Walk” e “The Upstairs Room”. A imprensa volta e meia dizia que Smith não era capaz de escrever canções pop e isso também o motivou. Daí em diante o Cure passou a misturar em seus discos músicas góticas e pop, de uma forma única, com direção e unidade sonora. Isso se vê em todos os discos a partir de The Top até hoje.

Nesse vácuo de mudança de rumo, quando o Cure era só uma dupla, a banda quase acabou, mas os dois seguraram a onda, carregaram o piano juntos, compunham, entravam em estúdio, produziam, co-produziam e tocavam tudo.

Nessa mesma época Robert Smith tocou com Siouxsie and the Banshees, gravou disco, saiu em turnê e ainda fez o projeto paralelo The Glove. Parecia que ele estava de saco cheio do Cure. Mas seguiu e acabou vendo “The Lovecats” chegar em 7º lugar na parada geral da Billboard.

Daí o Cure gravou e lançou The Top. Ainda era só Smith e Tolhurst (acompanhados de muita bebida e drogas). O resultado acabou se tornando um clássico psicodélico do Cure e da música pop, e que mostra perfeitamente a mudança na sonoridade da banda.

Cada disco tem sua particularidade. Lembro de duvidar que pudesse vir algo bom depois de Kiss Me... e calei a boca quando ouvi Disintegration. Nessa época que a banda estourou aqui no Brasil a deixei um pouco de lado, apesar de continuar a escutar. O visual de Robert Smith, que já era uniforme dos góticos na Europa, também virou mania aqui. Tudo era “Boys Don’t Cry” e “In Between Days”. Lembro que cheguei em SP na época do 1º show da banda aqui (31/03/1987). Não sei porque não fui, mas certamente pela febre que estava, eu não iria mesmo. Não me arrependi. Vi a banda nos anos 1990, quando ela não estava em tão boa forma. Esse miolo entre Wish e Bloodflowers foi meio esquisito, apesar de Wild Mood Swings ter coisas boas. É uma banda que não precisa, mas continua a fazer bons discos.

Escutar Cure é tudo de bom. Uma boa festa não pode deixar de tocar Cure. Inclusive, pra mim, escutar Cure é relembrar de todas as festas que já fui, as boas baladas, os rolés de carro por Brasília, as noitadas em Piracicaba (minha terra natal). A cada disco uma fase diferente da vida, e certamente é isso que me faz sentir bem, mesmo os sons mais depressivos me trazem bons sentimentos.

PS1: Esse ano o The Cure entrará para o Rock’n’Roll Hall of Fame.

PS2: Será lançado, também esse ano, o CD e DVD Reflections, resultado de duas noites de shows em Sydney onde a banda tocou na íntegra os três primeiros discos: Three Imaginary Boys, Seventeen Seconds e Faith. Os shows tem a participação de Lol Tolhurst e Roger O’Donnell. A cada disco uma formação diferente no palco.

Palestra Rock Brasília

2012-01-23T15:29:00.000-02:00

No dia 27 de janeiro (sexta) estarei no SESC Santo André para uma palestra sobre o Rock de Brasília (dentro do projeto 'Da Letra do Som'). Estarei acompanhado pela dupla 2 Por 4, de Johnny Monster e Alexandre Alja, meus grandes irmãos de São Paulo, que tocarão influencias diretas da Turma da Colina como Clash, Specials, Cure e Ramones, além do rock candango (como a 1ª versão de "Prova" do Capital Inicial).

A palestra começa às 20h e vai até 22h. Todos estão convidados. Maiores informações:
http://www.dgabc.com.br/News/5936077/noites-de-som-e-literatura.aspx

PS: Breve notícias frescas sobre a 2ª edição de O Diário da Turma 1976-1986.

Série O Resgate da Memória: 25 - As Apostas Para 1987

2012-01-17T12:18:00.000-02:00

Há 25 anos a Folha de São Paulo aproveitou o início do ano para fazer uma previsão do que poderia se tornar sucesso entre nomes da nova geração do rock brasileiro e nomes veteranos, principalmente da cena paulistana. Nenhuma das apostas vingou, nenhum desses nomes fez grande sucesso, apenas colocaram hits efêmeros nas paradas. 1987 foi o ano do declínio dos planos econômicos mirabolantes do Governo Sarney. A forma como o texto é escrito também mostra o quanto a mídia especializada precisava amadurecer.

Gravadoras Escolhem Grupos de Sucesso Para 1987

Gueto, Patife Band, Cabine C, Obina Shock e Nau são algumas das bandas que estão sendo preparadas para conquistar o mercado

Folha de São Paulo
Sábado, 17 de janeiro de 1987
Caderno Ilustrada
Por Mário César Carvalho (da reportagem local)

Façam as suas apostas! O mundo da música é um jogo – ainda que muitas vezes os dados sejam viciados em doses maciças de dinheiro e cartas marcadas com golpes de publicidade. 1987 será o ano do funk, aposta da gravadora WEA, que possui em seu cacife um dos grupos com maior carga plutônica do ano, o Gueto. Os moleques são infernais no palco, cruzam a bateria de Padre Miguel com rap do Harlem e toques de heavys na guitarra. Gang 90 e Etiópia, que até o ano passado se classificavam de dark, também atacarão de funk. A WEA colocará ainda na mídia a Patife Band, um mix de punk destilado, atonalismo e deboches. De Brasília deve colar o pop de Finis Africae.

O ano marca também a entrada de um novo selo no mercado que pretende virar a mesa do hit parade. Trata-se do Revoluções, criado por Paulo Ricardo e Luiz Schiavon, ambos do RPM. A primeira cartada do Revoluções chama-se Cabine C e deve chegar em março às lojas. Ciro Pessoa, vocalista e letrista do Cabine, e um dos poucos autores da “new generation” que consegue criar letras que combinam refinamento poético, ironia e cinismo – o que não é pouco.

A RCA preferiu a via lisérgica para conquistar ouvidos jovens. Está apostando no Violeta de Outono. A CBS segue uma trilha semelhante com o grupo Nau. Este ano parece que as gravadoras despertaram de um sono profundo e não incluíram a palavra recesso em seus planos de metas. Sorte do consumidor: deverá haver um espaço para uma série de novas tendências. Mas não se iluda com a bateria de marketing das gravadoras e suas nebulosas cortinas de fumaça. Abaixo um guia para orientar ouvidos nesse turbulento ano que se inicia. Um detalhe: não confie em bola de cristal. A rampa que leva ao sucesso funciona como uma espécie de pau de sebo. A seguir a ficha dos predestinados.

GUETO – De Santana, zona norte de São Paulo, para as paradas de sucessos. Esse parece ser o destino do Gueto, uma banda que saiu direto dos porões de São Paulo para a WEA. Eles tem uma força como He-Man às avessas, e devem estourar “Ensaio Gral”, uma das músicas do grupo, tem a estrutura de uma (sic) samba-enredo, mas o que desfila na passarela é um misto de hip hop, funk e pitadas de Heavy Metal. Um verdadeiro samba do criolo doido para agradar gregos, troianos, assírios e caldeus. Atacam em dose dupla em 1987: um mini LP pela WEA, que deverá chegar em junho às lojas, e participam com duas músicas na coletânea “Não São Paulo 2”, do selo iindependente Baratos Afins, com previsões de desembarcar em março nas lojas se a crise do vinil não continuar.

CABINE C – Transitam das tormentas a delicadeza num piscar de olhos. Sem escalas vão do orientalismo de “Jardins das Gueixas”, que nos shows deverá ser cantada exclusivamente em japonês, às penumbras dos poetas malditos do século passado. Luiz Schiavon, tecladista do RPM, assina a produção do disco, que conta com a participação especial de Fernando Deluque, guitarrista do RPM, e Akira pilotando seu “stick”, um instrumento que combina baixo e guitarra numa única peça. Conquistam pela qualidade poética das letras e elaboração musical. O disco estará nas lojas em março.

VIOLETA DE OUTONO – Extraíram o lirismo de Pink Floyd, guitarras psicodélicas e alucinação dos anos 60 e conseguiram uma alquimia ímpar. A delicadeza às vezes remete aos acordes do grupo inglês Durutti Column. Outras vezes são monocórdios. Mas já se transformaram em “cult band” em São Paulo. O disco da banda, que saiu do selo independente Wop Bop e entrou na RCA, deve sair em março.

OBINA SHOCK – Fazem parte da linha de frente da ofensiva negra. O disco da banda, editado pela RCA, saiu no final do ano passado, mas só deve bater na mídia no baixo verão. Pura estupidez. Obina Shock é uma usina dançante vinda direto da África, pelo menos em disco. Dois padrinhos pesos-pesados devem puxar as vendas do grupo – Gilberto Gil e Gal Costa. Ambos cantam no disco.

NAU – O vocal valquírico de Vanji (sic) é a principal força do grupo. Também vem em dose dupla – um LP pela CBS, batizado de Nau, e participação com duas músicas na coletânea “Não São Paulo 2”. O Nau investe na delicadeza e possui músicos que sabem tocar.

FINIS AFRICAE – Autor de pops facilmente degrutíveis – a música “Armadilha” já está emplacando no rádio –, o grupo deve dar o pulo do gato neste ano. Também trocaram um selo independente (Sebo de Discos) (sic), por uma gravadora multinaconal, a EMI-Odeon. É mais um representante do rock candango que deverá chegar às paradas.

PATIFE BAND – A cabeça musical da banda é Paulo Barnabé, irmão de Arrigo. São dublês de punk no palco. Mas não se limitam a vomitar palavras de ordem, costuradas a guitarras a 120 por hora. Adoram brincar de atonalismo, funk, samba e humor barra pesada. Pode agradar adolescentes pelo simulacro de violência.

‘Azarões’ que podem ganhar o público
Como nas mesas de pôquer ou nas corridas de cavalos, a trilha que leva ao sucesso é repleta de acasos. Sorte dos azarões. Correndo ao lado da mídia, como aconteceu com o Camisa de Vênus, eles podem conquistar o público e chegar ao disco de ouro. Abaixo, os possíveis azarões de 1987.

INOCENTES – Trata-se do primeiro grupo que freqüentou as fileiras do punk rock a ser contratado por uma multinacional, a WEA. Pode agradar adolescentes rebeldes. Sinceridade e letras ácidas são as principais armas da banda.

365 – Conseguiram emplacar uma canção tola na 89 FM, batizada de “São Paulo”. Caso se aproximem das origens da banda (o punk), e cruzem artilharia hardcore com novas influencias, podem correr na mesma faixa que os Inocentes e ganhar a simpatia dos jovens enfurecidos. Esta gravado pela Continental.

HAI KAI MUSIC – É o primeiro torpedo da ofensiva amarela a se transformar em disco. Akira, do ??? Akira S e As Garotas que Erraram está transformando em pulsos eletrônicos cerca de 20 clássicos do hai kai, todos serão cantados em japonês por Mineike. Do outro lado do disco atacam com popaços, também em japonês. A colônia deverá adorar e o resto do público poderá ir no rastro – afinal o Japão está na moda. As músicas são refinadíssimas.

GANG 90 – Já freqüentou as paradas quando Júlio Barroso era vocalista do grupo. Totalmente reformulado, pode encontrar um público disposta a ouvir funk. A qualidade de produção do próximo disco está praticamente garantida – está nas mãos de Edgard Scandurra, guitarrista do Ira!

GRIND’S (sic) – Grupo de skate punk do ABC, poderá atingir as paradas carregada pelos skatistas, uma moda que deverá atravessar ???. Fazem a linha protesto tipo Dead Kennedys. O disco da banda sai no meio do ano pelo selo independente Ataque Frontal.

2012 com Amor!

2011-12-24T13:21:00.000-02:00

Desejo a você um ótimo 2012! Lembre-se de que o AMOR é o combustível do mundo, do ser humano. Sem ele nada faz sentido, sem ele nada anda pra frente.

Amor é se preocupar com o próximo, seja ele quem for. Não reclame de barriga cheia, não fique de mal humor a troco de besteiras, não brigue com o próximo (seja familiar, amigo ou desconhecido) a troco de nada.

Boas vibrações geram boas vibrações. Amor gera amor. Dê o que quer receber de volta. Não se zangue por pequenas coisas, não perca a paciência por detalhes. Produza bons pensamentos que eles voltarão a você. Não culpe Deus por falhas suas ou de outros.

Não brigue no trânsito, na balada e em nenhum outro lugar. Você pode fazer seus dias serem maravilhosos só com bons pensamentos. “A gente é o que a gente pensa”.

Moramos em um planeta que podemos imaginá-lo como sendo um pequeno apartamento. Todos nós somos da mesma família e moramos juntos, só isso já basta para não termos diferenças e se elas existem, então que saibamos conviver com elas. Não é assim dentro de casa, na família? O mundo é nossa casa e quem está dentro dela é da família.

Não julgue os outros para não ser julgado. Somos todos imperfeitos. Todos nós erramos. Retribua o mal humor, o mal olhado com boas energias. Se alguém for agressivo com você ou te ofender (mesmo que por besteira), pense no amor, conte até 10 e siga em frente. Não se rebaixe. Viva o amor. Viva um dia após o outro.

Valorize sua saúde, seus amigos, seu dia a dia, seu trabalho, seu estudo, seus familiares e os bons sentimentos. Antes de reclamar da vida pense nos humildes que estão nos hospitais públicos, nos cegos, paralíticos, nos doentes crônicos. Reclame menos e ajude mais.

Para exercer o amor não é preciso sair como um hippie dando beijo em todo mundo, falando “paz e amor”. Basta passar uma boa energia para o próximo, seja quem ele for (mesmo um gari). Usar a educação básica: bom dia, obrigado, até logo, por favor. O “olho no olho, dente por dente” evoluiu para “amai seu inimigo”, que não precisa necessariamente ser levado ao pé da letra.

Que 2012 seja maravilhoso para você e sua família. Que tudo se realize. Que o bem prevaleça e o AMOR fale mais alto no coração.

Vou tirar alguns dias de folga e, em 2012, o Sete Doses de Cachaça continua firme e forte. Obrigado pelas visitas e divirta-se nesses dias de festas!

Festivais Internacionais e os Artistas Brasileiros

2011-12-15T00:58:00.001-02:00

Lobão dias atrás publicou um vídeo onde fala de sua negativa em tocar no Lollapalooza e deu suas razões. Tem coisas que concordei, outras não. Fiquei pensando se, assim como agora há uma lei audiovisual que obriga canais de TV abrir espaço para produção independente brasileira, deveria também haver alguma lei sobre esses festivais de música, que posam de mocinhos, mas o que querem mesmo é sugar o máximo de dinheiro possível, nem que seja vendendo mentira. Fico pensando se não deveria ter uma obrigação de espaço para artistas brasileiros tocarem no dito horário nobre entre as atrações internacionais. Mas isso funcionaria? É certo? Tenho minhas dúvidas... Talvez ao menos obrigar a usar a mesma potência, sei lá.

Por outro lado, se gasta uma fortuna e se tem uma enorme dor de cabeça com os artistas gringos. Imagine o que é trazer um Guns N’Roses, quantas exigências se pede e o tamanho da equipe. Tem artista que inclusive impõe o horário. É barra! Festival é grana mesmo, uma logística doida, e quando você tem uma escalação de peso internacional, a mídia é mundial e se tem mais retorno. Aí penso que o cara trouxe o artista por milhões de dólares, teve uma trabalheira danada e, óbvio, por isso vai querer valorizá-lo e colocá-lo entre as principais atrações. Absolutamente normal. Mas da mesma forma é sacanagem tratar artista brasileiro com indiferença. Tem que haver um equilíbrio.

Agora o que não acho certo é Lobão querer convocar os artistas a desistirem de participar do festival. Aí já é delírio. Para os artistas pequenos isso é um sonho, sendo do jeito que for. Não dá para falar isso no alto de uma carreira bem sucedida, cheia de hits radiofônicos, agenda cheia, fama na mídia, com estabilidade financeira e profissional. Isso não pode. Não quer participar, não participe, mas podia ter feito o contrário, e não só ter dado força a quem for participar, mas dito o nome de ao menos alguns deles (com todo respeito ao que Lobão já fez pela cena independente).

Mas a questão aqui não é essa. Certo e errado, Lobão falou e foi legal. Mas depois de ver o vídeo comecei a pensar sobre a importância desses festivais internacionais para os artistas brasileiros pequenos e médios. Tirando o Rock in Rio 1, nenhum outro revelou ou deu força para nomes nacionais. Nem nas outras edições do próprio Rock in Rio, Hollywood Rock e agora o SWU. Até parece meio forçada a entrada desses artistas menores, porque são colocados em palcos menores, com som de menor potência, tempo curto de apresentação e tratados com desdém nos bastidores. Se eles não se importam, ok.

Não existe, ao menos não consigo lembrar, nessa curta história de festivais internacionais no Brasil, de algum nome que tenha despontado a partir deles. Só Paralamas no RiR de 1985. No RiR 2, em 1991, teve toda aquela história de espaço para novos artistas que seriam escolhidos através de eliminatórias, mas que no final o que pareceu foi um jogo de cartas marcadas. De qualquer forma pergunto: o que aconteceu com os artistas que ganharam o direito de tocar no RiR 2? Cri...cri....cri....

O Hollywood Rock nunca deu espaço para novos nomes. E mesmo em festivais como o Skol Rock, criado exatamente para achar novos talentos, com os vencedores nada aconteceu. Ninguém estourou depois de ter tocado nesses festivais. Quantos shows desses nacionais foram transmitidos na TV? Quantos desses artistas conseguiram ao menos um minuto de entrevista em um grande veículo de comunicação? Cri.....cri.....cri...

No line up nacional há nomes consagrados, médios e pequenos. Cada um tem que se virar para fazer o marketing desde já, e não pensar que só o fato de tocar já vai mudar a vida. Nada disso.

Tenho amigos que vão tocar no Lollapalooza e estão dando pulos de alegria, mas falei pra eles "capitalizar" em cima desse fato fazendo o máximo de shows nos meses que antecedem o festival. Quem sabe uma casa noturna não abraça a causa e faz um festival com alguns desses nomes. Uma espécie de esquenta. Quem sabe isso talvez não chame mais mídia que no dia do show no festival? E põe Lobão de headline!

MTV: Haverá Futuro?

2011-12-10T20:02:00.000-02:00

Antes de tudo quero dizer que o título do post é uma clara homenagem ao Olho Seco, que registrou “Haverá Futuro?” na coletânea (do festival) O Começo do Fim do Mundo, que tenho escutado bastante nas últimas semanas...

É difícil pra mim escrever sobre esse assunto. Trabalho nesse segmento. É delicado. Mas acima de tudo sou telespectador. Faço, mas também assisto. Cresci em Brasília, mas não faço política. Tem gente que me fala que isso é um erro, mas prefiro continuar a acreditar no meu trabalho. Em primeiro lugar vem o tesão por ele, até porque nenhum pai passa a mão na cabeça do filho dizendo orgulhoso: “esse aqui quando crescer vai trabalhar em televisão. Vai ser Diretor! Vocês vão ver”. Então a televisão deveria ser feita só por quem realmente gosta disso, mas infelizmente essa não é a realidade. Nela há pessoas que estão em suas posições, mas pensando mais no status, nas trocas de favores, nos bens materiais, na política. O que realmente importa fica em 5º plano. Tô falando besteira?

Claro, sou amigo de produtores, roteiristas, diretores (artísticos, de produção, de fotografia, de arte...), executivos, empresários do vídeo, enfim. Como free lancer passei por emissoras e produtoras e conheci equipes das mais diversas, formas diferentes de trabalho e de se pensar e gerir. Isso não é pra mim. Meu negócio é criar, desenvolver, colocar em prática uma ideia (minha ou não). Faço isso porque amo televisão. Sou tele maníaco e com a chegada a MTV no Brasil vi a possibilidade de trabalhar com minhas duas paixões: música e televisão. Perfeito! Trabalhar lá foi incrível, mas depois ficou esquisito e chato. Pulei fora.

A marca MTV foi muito importante para várias gerações desde quando começou em 1983. Pelo bem ou pelo mal, ela ajudou a construir a cultura pop contemporânea. A MTV Brasil dos anos 1990 deixava artistas estrangeiros de boca aberta. Até Jello Biafra falou bem. Muitos artistas saiam daqui impressionados com as entrevistas e pautas do Gastão, Massari e de boa parte da produção (artistas que passam anos em turnê pelo mundo). Sim, porque muitas vezes as entrevistas também eram feitas off câmera por diretores, produtores e até redatores.

Era muito amor pela música. Dedicação mesmo. A equipe vestia a camisa como se fosse uma banda. Pô, quer coisa melhor do que poder fazer a pauta para uma entrevista com Metallica, Ozzy Osbourne, Red Hot Chili Peppers, Oasis, Ramones, Nirvana, Lou Reed. Pegar um carro e ir se encontrar com esses artistas. Era um prazer. É a sorte de fazer o que gosta e ainda receber por isso.

O que fizeram com a MTV de 1990 até (+ ou -) 1999, depois foi destruído. Nunca entendi, por exemplo, programa de namoro em uma emissora musical (gosto pessoal). Como disse não sou executivo, mas não posso engolir se a desculpa for patrocínio. Então na reunião faltou alguém dizer para o patrocinador que o “M” da MTV quer dizer música.

Também não sou a favor de ser apenas música e só música e mais música. Cultura pop. Namoro na TV definitivamente não é cultura pop. Programa de esporte pode até ser, dependendo de como for feito. Aquele bom e velho Hermes e Renato, de quando eles mandavam as fitas com os programas para São Paulo, não existe mais. Quando era cult, mal feito. Tem o Comédia MTV que é a reformulação de outro que já havia na grade, mas com outro nome. Acho bom, dou boas risadas nas poucas vezes que vejo. Me lembra muito a turma da TV Gazeta de 1987/88: TV Mix, Astrid, Serginho Groisman, Ricardo Corte Real, Grace Gianoukas, Marcelo Mansfield, Ângela Dip e outros. Era bom demais. Mas questiono esse humor em uma emissora como MTV.

Em algumas rodas de conversa pela cidade, seja em um show, bar, festa ou qualquer outro evento, já ouvi de tudo sobre o futuro da MTV Brasil. Até mesmo de que vai acabar. Isso eu acho difícil.

Não sei o motivo pelo qual houve tanto descaso com a emissora nesses últimos 10 anos. A culpa não foi só dos executivos da emissora, mas também de quem, do Grupo Abril, estava designado a tomar conta do negócio. Eu, como telespectador, vejo que o estrago foi tão grande que é preciso recomeçar do zero. A renovação já começou, mas no modo operação tartaruga... por diversos motivos.

Quem gosta de música quer ver, obviamente, programas musicais e é isso que todos esperam da MTV. Programas que mostrem clipes de todos os segmentos. Programas com música ao vivo, shows (como os que o Multishow compra), programas de debates, entrevistas, um bom jornal (o Sportcenter da ESPN Brasil é um bom exemplo de ótimo jornal com um editorial segmentado). Ninguém explora a música como ela deve e pode ser explorada.

Como falei, é ultra difícil pra mim publicar um texto como esse. Apesar de todos os cortes feitos no último ano, ainda tenho muitos amigos na MTV, torço por eles e pela emissora (eles sabem disso). É uma marca muito forte, por isso, não acredito que irá acabar, mesmo com esse momento difícil. O que falta é fazer o que ela fazia muito bem: surpreender.

Série Coisa Fina: 9 - Mates of State

2011-12-01T00:47:00.001-02:00

Pense em Eurythmics, B-52’s, XTC, Talking Heads, Stranglers, Duran Duran, Devo, Elvis Costello, Blondie, Ultravox, Trio, Thompson Twins, Tears for Fears, Missing Persons. Artistas que trabalham bem com teclados, música pop de qualidade, coisa fina mesmo. Mas pense também em rock progressivo, em Pink Floyd, Genesis, Yes. Pense também em Carpenters e Abba. Mates of State é um pouco disso tudo, hoje deixando o progressivo, digamos, mais apagado. O progressivo aqui é em relação aos teclados e mudanças bruscas de andamento e harmonia.

Mountaintops, o 7º da carreira do Mates of State é assim: álbum pop de primeira linha, atemporal, com sonoridade moderna, mas soando, ao mesmo tempo, vintage. “Palomino”, “Maracas”, “Basement Money” são maravilhosas para qualquer pista de dança, fácil. E também tem as lindas baladas “Unless I’m Led”, “Mistakes” e “Change”. Lindas!

São 10 músicas que somam 37 minutos. Foi lançado em setembro e é daqueles que, quando acaba, você aperta o play de novo. Ele lembra muito os bons momentos criativos da música pop.

A linda tecladista Kori Gardner sabe muito bem misturar timbres antigos com atuais e assim, por ter noção de balancear esses timbres, é que o som consegue ser moderno e vintage. O baterista Jason Hammel lembra muito Jason Finn do The Presidents of the USA (dois Jason!). Toca com um set pequeno de caixa, bumbo, ximbau, um pandeiro, um tom, surdo e dois pratos (um ataque e um condução). Bateria baixa e ele comprido. Seco, curto e grosso. Com viradas de caixa e muita porrada nos pratos (principalmente nos primeiros discos). Com os anos, a relação com os instrumentos melhorou, a química e a forma de tocar e cantar também.

São vários fatores que chamam a atenção no Mates of State, mas um deles é que é difícil, nos tempos atuais, vermos bandas estáveis, com carreira regular e evolutiva, sem necessariamente estarem na grande mídia como artista e celebridade, essa coisa que engole muita banda. Não consigo me expressar direito, mas quero dizer que hoje, com a tecnologia, todo mundo quer aparecer, e que são poucos os artistas que hoje tem uma carreira firme, feita de maneira gradativa, de forma tranqüila e na maior harmonia, sem polêmicas, atitudes ou declarações para chamar a atenção da imprensa.

Principalmente dos anos 1980 para trás há vários exemplos de carreira sólida e evolutiva: Beatles, Who, Stones, Clash, Stranglers, Elvis Costello, U2, REM, Red Hot Chili Peppers. Já nos anos 1990, com o lance do sucesso rápido, muita coisa surgia e sumia deixando carreira curta e 2 ou 3 lançamentos, sendo significativos ou não. São os tais 15 minutos de fama.

Conheci Mates of State por acaso, em 2003, fazendo pesquisa na rede. Na época tinha acabado de lançar Team Boom, o 3º trabalho. A primeira coisa que me chamou a atenção foi a formação. Um duo composto pelo casal Jason Hammel e Kori Gardner. É isso: bateria e teclado, com os dois dividindo os vocais. Hoje, apesar de ter um guitarrista como músico de apoio, essa característica inicial permanece e prevalece.

Os dois eram da mesma escola, tocavam em bandas juntos e aos poucos foram fazendo músicas em parceria, sempre nos intervalos dos ensaios ou quando os outros integrantes não podiam ir, eles se encontravam, até que em 1997 resolveram formar o Mates of State. Casaram-se em 2001. São americanos, de Kansas, da pequena cidade de Lawrence, que tem 87 mil habitantes.

No início era um som mais experimental, cheio de notas e partes diferentes, parecendo com o rock progressivo que, de um segundo pro outro, muda a harmonia, o andamento, mas é a mesma música. Os dois praticamente gritam com melodias vocais muito herméticas. Mas mesmo assim lá no fundo dá pra sentir o lado pop. Aos poucos o experimental foi perdendo espaço para o pop, mas de forma natural, numa crescente, nítida evolução em composição e química.

A partir do Bring It Back, de 2006, aflorou de vez o pop. As baladas são incríveis, e quando resolvem fazer algo pra dançar também não fazem feio. Mas outra coisa muito legal e que faz a diferença é o próprio casal que tem uma relação bacana, com duas filhas lindas, que acompanham o Mates of State sempre que podem. Kori inclusive tem um blog (Band on the Diaper Run) onde conta sua aventura de ser mãe artista, posta fotos da família em turnê, as meninas na passagem de som. Recentemente ela abriu um novo negócio junto com outras amigas que é uma agência especializada em babás para artistas. Ideia muito boa.

Esses empresários de festivais (ou não) podiam trazer em 2012 o Mates of State (e também o Stone Roses que anunciou sua volta). Não sei se o duo um dia vai virar um grande nome, mas não é necessário isso acontecer. Mates of State pode continuar sendo para poucos. O importante é que a família esteja feliz e que continue lançado canções que toquem o coração.

Mountaintops é delicioso e lindo. Mates of State é água no deserto e uma prova de que música boa é a que vem do coração.

Band on the Diaper Run
http://blogs.babble.com/babble-voices/band-on-the-diaper-run/

Mates of State
http://www.matesofstate.com/

Quase todos os clipes do Mates of State estão aqui. A ordem é do mais recente ao primeiro clipe. Também coloquei alguma coisa ao vivo onde o vídeo e o áudio estão com boa qualidade.

Vinil, CD, MP3, Partículas de Ar

2011-11-24T00:16:00.000-02:00

Meu pai era agrônomo (e eu um agrônomo frustrado...rsrs). Ele tinha alguns hobbies: foto, vídeo e som. Em 1971 ele ganhou uma bolsa de estudos para seu Doutorado e a família morou nos EUA (Columbus, Ohio) até 1973. Lá comprou aparelhos de som de última geração como gravador de rolo, equalizador, duas picks ups, dois decks, caixas.

Sempre que havia novidade meu pai ia atrás. Cresci vendo-o cuidar de seus vinis, gravando coletâneas de 6 horas em fitas de rolo (depois dava festas só para tocá-las), mexendo nos botões do equalizador. À medida que cresci também passei a fazer minhas gravações, coletâneas onde podia usar os dois toca-discos com o equalizador.

Escutar e gravar música eram um ritual. Ligar o som, tirar o vinil da capa e colocá-lo na vitrola, trocar o lado, play-rec, levanta agulha, abaixa agulha, vira o lado da fita, pega capa, anota as músicas, lê ficha técnica, limpa agulha, limpa vinil, calcula o final da fita, lado A, lado B, faz fade out pra música não ser cortada repentinamente, muda o lado, repete ou não a música que foi cortada. Tudo isso uma delícia.

Como já escrevi aqui algumas vezes, por eu ter discos importados, vivia fazendo gravações, mas ao contrário de meu pai, eu não usava o gravador de rolo, apenas fita cassete. Mas além dos discos, a aparelhagem também contava e, por isso, eu me dava bem, porque sempre apareciam outros discos importados e raros em casa para serem gravados. Eu podia gravar duas fitas de uma vez. Como era em tempo real, então se sentava com a capa na mão, a conversa rolava e o tempo passava.

Havia todo um cuidado com o vinil, de não colocar o dedo, guardá-lo de forma correta, não deixar no sol, não deixar deitado. Era caro e delicado, podia riscar, empenar e quebrar. Não era objeto para sair de casa, para emprestar ou deixar qualquer um pegar, principalmente os importados. Uma vez danificado, já era, babau, dificilmente você teria outro.

Lembro-me de quando estava no Guarujá passando um final de semana, acho que era início de 1987, encontrei um amigo de infância do prédio onde tinha apartamento. Muito rico, sempre tinha as últimas novidades. Ele me levou até seu carro e me mostrou seu CD player (CD player, que diabo é isso?). Lembro perfeitamente de pegar o CD na mão e ele dizer que não quebrava, não riscava e que, inacreditavelmente, tinha um único lado. Era o fim do lado A, lado B. Aquilo foi um baque muito grande pra mim. Eu até insisti para que ele colocasse o CD do lado inverso, mas ele me disse que não entraria e não tocaria. Fiquei chocado. O primeiro CD que peguei na mão e escutei foi o Concert, do The Cure. Bom começo, não?

Era tudo importado. Mesmo sendo 1987, tudo isso ainda era coisa que víamos nas revistas e reportagens na televisão. Eu tive sorte de encontrar esse amigo podre de rico que me mostrou a grande novidade. Tinha adorado a ideia de um pequeno disco que você poderia levar para qualquer lugar, e mais leve que uma fita cassete!

Eu fui um que demorei a ter um aparelho de CD, mas lembro bem da revolução que causou no mercado, nas lojas de discos, no espaço físico. Não acreditava muito que o CD iria pegar, não que eu fosse um defensor do vinil, blá blá blá. Mas só parei de comprar vinil quando os lançamentos passaram a ser só em CD. Me entreguei, mas como muitos, não abandonei de vez minha aparelhagem de som. Entrei de cabeça no universo do CD apenas em 1995.

Já não era mais o mesmo apego que se tinha com o vinil. Era até chato ter que comprar novamente o que você já tinha, e constatar a diferença na arte gráfica, a perda do visual. Tudo ficou pequeno. Tudo mini. Esquisito. A geração vinil teve que ter um tempo para a adaptação. Mudança de comportamento.

Mas como o CD tinha mais que o dobro de espaço de um vinil, então era gostoso comprar os importados que vinham com encartes mais ricos e cheios de extras. Teve um lado ruim pelo fato de muita banda gravar mais músicas para tentar preencher o espaço do CD e assim, ao invés de um lançamento ter em média 10/12 músicas, passou a ter 15/18 músicas. Por isso tinha muito lançamento com mais músicas ruins que o normal.

Falei de espaço físico nesse tempo de adaptação, porque teve uma época que tanto as lojas como a casa das pessoas, passaram a ter, além do espaço ocupado pelo vinil, um espaço também para os CDs. Eu mesmo passei a ter problema com isso, já que em pouco tempo fiz uma coleção de 200 CDs. Comprei duas torres de 100 que, óbvio, ocupavam espaço. Até que um dia um amigo me mostrou seus CDs colocados em pastas, apenas o CD a capa e contracapa. A caixinha de plástico ele tirava e jogava fora. Isso foi no final dos anos 1990 e a partir de então passei a guardar meus CDs da mesma forma. Não tenho caixinhas de plástico.

Já que com o CD não havia mais o ritual do vinil, da relação com capa e encarte, da troca de lado, da vitrola, agulha, então abandonei as caixinhas em favor de espaço. Nessa era do CD escutar música já virou uma coisa mais fria, a relação não era tão próxima como era com o vinil.

Pra azedar de vez o ritual de escutar música, surgiu o mp3 (alguém aí já pegou um mp3?). A música deixou de ser algo físico, ficou solta, fundiu-se com partículas de ar e hoje toma várias formas e corre entre os cabos da rede mundial, vai e volta para satélites. CD hoje é só back up.

O bom é que, por isso, a música ficou mais acessível. Hoje se vê na rua, de criança a pessoas da 3ª idade com fone no ouvido. Parei de comprar CD há anos. Muito raro fazê-lo. Ou seja, eu que ficava lá em casa gravando vinil, fazendo mixagem de fita pra fita, usando equalizador, limpando agulha, tendo todo cuidado especial em cada fita gravada, hoje ouço os lançamentos que quero, na hora que quiser e onde quiser. Não vejo capa, não vejo encarte, não vejo ficha técnica. Vejo, mas pela internet e não necessariamente na hora em que estou escutando música.

Nunca antes tivemos acesso tão fácil a música, mas também nunca a relação com ela foi tão fria.

Não sou saudosista, achando que o vinil deve voltar junto com todo aquele ritual. Já foi. Quem viveu aquilo, viveu. Quem não viveu, ok, vive seu tempo... e temos que viver conforme o tempo. Haverá um dia em que teremos um chip na cabeça e, para escutar música, bastará apenas pensar no artista que a música tocará, porque de fato ela estará misturada nas partículas de ar. Será?

JP e Seu Cabelo de Maconha

2011-11-17T00:10:00.000-02:00

Aperta o Play Produções Esdrúxulas Apresenta:

JP e Seu Cabelo de Maconha*

Desde as 4 da manhã JP tentava se livrar de mais um grupo de ninjas. Dessa vez eram só 3 (no início eram 11). A perseguição começou ainda dentro da Universidade de Roundup (RU), em meio à plantação de milho do departamento de agronomia, e se estendeu para a estrada ao fundo da Universidade, e chegou a 20 quilômetros longe de lá. JP é dono de uma resistência fora do comum, mas isso não impedia de despistar os ninjas, que surgiam do nada a cada instante.

JP chegou a uma vila operária abandonada onde havia várias casas vazias, escolheu uma delas e entrou para se esconder. Entrou e começou a procurar alguma coisa que nem ele mesmo sabia o que era: comida, roupa, arma, qualquer coisa. Acabou achando um cobertor velho e furado, material de limpeza, espetos de churrasco, jornais e revistas velhas. Aproveitou para usar o banheiro e tomou um banho frio, com a escassa água que saía da torneira.

Ele precisava despistar os ninjas e ter certeza de não ter ninguém de olho nele. Por isso, propositalmente corria na direção oposta de onde queria ir. Logo que achou os arquivos no departamento de geografia, teve a ideia de esconder documentos, roupas e dinheiro em um buraco no meio do deserto, 10 quilômetros de distância de Roundup. Agora era preciso usar seus pertences escondidos. Sabendo que todos iriam procurá-lo no Brasil, foi para New Jersey, para casa de um velho amigo dos tempos da UFPE (Universidade Federal de Pernambuco).

Ali na casa abandonada, entrou em um armário embutido e lá ficou quieto. Não queria sair durante o dia, pois estava muito quente. Então resolveu tirar um cochilo ali mesmo, para sair a noite, quando seria mais seguro. JP saiu da ducha e se enxugou com o cobertor velho e sujo. Quando terminou de se trocar, escutou barulho fora da casa. Olhou pela janela e viu os 3 ninjas procurando-o pelas casas. JP só tinha mais uma cápsula de fumaça, resolveu então pegar um pedaço de seu dreadlock seu e colocar fogo nele. Cortou um pedaço com o canivete, colocou-o no chão no meio do banheiro e pôs fogo nele.

Saiu do banheiro agachado e entrou no armário embutido do quarto onde estava. A fumaça intensa e forte chamou a atenção dos ninjas. Assim que entraram no banheiro, já ficaram tontos com a fumaceira e logo em seguida JP surgiu pegando-os de surpresa e já jogando a cápsula de fumaça no chão que estourou e deixou os ninjas mais doidões ainda. Com três golpes fatais, um em cada ninja, conseguiu escapar de mais essa. Rapidamente ele saiu da casa e entrou em outra. Dessa vez mais nenhum ninja apareceu e quando anoiteceu JP colocou seu plano em prática e foi para New Jersey, onde ficaria por ao menos 2 meses. Ele precisava falar com Simone, mas não podia.
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Roundup é uma minúscula e discreta cidade do estado de Montana, nos Estados Unidos. A população é de pouco mais de 2 mil pessoas. A 20 km de lá fica a Universidade de Roundup, direcionada apenas a pessoas superdotadas, ou melhor, as superdotadas das superdotadas. Ela foi criada em 1923 por um grupo de 5 amigos, também superdotados, que viram a necessidade de se fazer uma universidade especial para pessoas com inteligência fora do comum, e que necessitam de uma atenção especial, diferenciada.

Já como agente da IBE (Inteligência Brasileira de Espionagem) JP foi para a RU. Ela era enorme e, como Brasília, era plana e setorizada. Há as moradias dos alunos, dos professores, dos pesquisadores, dos funcionários. Todos com prédios e casas. Há as áreas onde ficam os departamentos (tecnologia, agronomia, biologia, geografia, medicina, direito...). Quadras esportivas, piscinas, parques, lojas de conveniência, mercado... a RU é como um condomínio residencial desses modernos, de certa forma auto suficientes, onde se mora, trabalha e se diverte.

JP foi para estudar e trabalhar no departamento de sistemas e engenharia da computação. Ele queria mais, mas a princípio seria isso. Ele foi recebido por Simone, uma brasileira paulistana que estava lá há pouco mais de um ano e estudava e trabalhava no Departamento de Biologia. Em toda história da RU apenas 5 brasileiros passaram por lá, incluindo Romero, JP e Simone.

Passados 10 meses de RU, JP já estava bem adaptado ao local e aos novos amigos. No início teve um affaire com Simone, mas agora eram ótimos amigos. Ele havia criado uma festa mensal só com música brasileira e muita caipirinha que, apesar da relutância inicial, acabou se tornando uma tradição, principalmente entre os alunos.

A essa altura também, ele já havia contado seu segredo para Simone, que também já tinha feito testes escondidos com seus dreadlocks, e constatado que eles têm um teor de THC de 34%, bastante superior ao skunk (17,5%). E foi Simone que também ajudou JP a desenvolver as cápsulas de fumaça que tinham um teor ainda maior.

Mas pouco mais de um mês depois de lá chegar e começar a trabalhar, JP desenvolveu um novo sistema de integração da rede de computadores da Universidade. Era algo menos complexo e mais seguro. Mais alguns meses foram precisos para que a direção da RU autorizasse a implementação do novo sistema. Para fazê-lo JP assinou um termo de sigilo de informações e também se comprometeu a não vasculhar o sistema (o que seria bem difícil).

Tudo começou pelo Departamento de Geografia e 80% do trabalho se concentrava no período noturno para exatamente não atrapalhar o expediente normal de aulas e pesquisas. Um mês depois, durante uma madrugada trabalhando na sala principal da Geografia, viu aberta uma porta que sempre ficava fechada. Não havia ninguém no departamento e ele resolveu entrar pra ver o que tinha. Era um pequeno depósito, um almoxarifado, com muita coisa de escritório e equipamento de pesquisa de campo. Ali achou três HDs externos e resolveu pegá-los para ver o que era. Eles estavam encostados em um canto, atrás de umas folhas de cartolina, como se estivessem escondidos para ninguém ver. JP costumava ficar trabalhando até no máximo duas da manhã, mas nesse dia foi até quatro. Em um dos HDs encontrou fotos e imagens em vídeo e de satélites de várias áreas da Floresta Amazônica. Achou tudo aquilo bem estranho, já que falava de algumas bases secretas. Não entendeu muito na hora, mas acabou fazendo um back up de tudo o que viu.

Quase dois meses depois de ter achado os HDs (que foram postos no mesmo lugar), um dia, em um final de semana, voltando pra casa depois de uma corrida pela Universidade, viu que sua casa tinha sido invadida, fato inédito na história da RU. Tudo foi revirado, mas nada foi roubado. Ficou com a pulga atrás da orelha.
Uma semana depois, dessa vez voltando de bicicleta de uma festa, eram 4 da manhã quando um grupo de 11 ninjas surgiu na sua frente e uma longa perseguição se iniciou.
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João Pedro nasceu no início dos anos 1980 em uma fazenda secular no interior de Pernambuco. Até final dos anos 1950 era uma grande plantação de cana de açúcar, uma das maiores do estado. Mas com o passar dos anos a riqueza da família foi se perdendo por maus investimentos dos sucessivos herdeiros. Assim, no final dos anos 1960, início dos 1970, a fazenda passou a investir na plantação de maconha. Governo, polícia e exército faziam vista grossa. Família de muita influência. Os trabalhadores moravam em uma vila de 12 casas dentro da fazenda.

A casa principal da fazenda era uma casa antiga do século 19, com 8 quartos, e se transformou em uma espécie de depósito de objetos de toda família: móveis, roupas, obras de arte, fotografias, objetos de decoração, discos, livros (além da biblioteca com 3.500 títulos), instrumentos musicais, equipamentos de áudio, vídeo e foto. Foi com 3 anos que JP lembra de mexer nas caixas espalhadas por toda casa. Desde então ele adorava tudo aquilo.

De forma autodidata, nessa idade já sabia ler e escrever. Desde que nasceu já se mostrava diferente. Começou a andar e falar mais cedo que outras crianças. Seu desenvolvimento era mais rápido em todos os sentidos.

Na capoeira sempre foi um fenômeno, assim como Pelé no futebol. Apesar de também ajudar no trabalho, sobrava muito tempo para brincar. Gostava também de correr de 10 a 20 quilômetros por dia, sua resistência também era diferente. Suava, mas não mostrava cansaço. Podia fazer uma maratona por dia tranquilamente. Corria por entre a plantação com as palmas das cannabis batendo pelo seu corpo suado, dos pés a cabeça. Vivia descalço e só de short.

Gostava de ler. Na casa, além dos livros em caixa, havia uma biblioteca com 3.500 títulos. Lia uma média de um livro por semana. Eram livros em português, inglês, francês, alemão, espanhol, línguas que dominava naturalmente.

Um dia quando tinha 12 anos conheceu um dos donos da fazenda, de uns 35 anos, que ficou impressionado com a inteligência dele. Com seus contatos conseguiu levá-lo para a UFPE como ouvinte, mas a experiência durou apenas uma semana, já que ele batia de frente com praticamente todos os professores. Os anos se passaram com JP deixando dreadlocks na cabeça, dando aulas para todos da fazenda, correndo pela plantação e desde os 12 se engraçando com as menininhas. Com 14 já era o galãzinho do baile da cidade. Mesmo com tudo isso, JP não era convencido, pelo contrário, era solícito e humilde. E foi também com 14 que experimentou maconha pela primeira vez, já que via aquilo como trabalho. Não sentiu nada. Tentou outras vezes, mas nunca ficava doidão.

Uma vez, durante uma festa no meio do mato, brincando com um graveto de uma fogueira, deixou-o queimar um pedacinho de seu cabelo. Na hora sentiu um forte cheiro de maconha, mas um pouco diferente, adocicado. Não teve dúvida, queimou o cabelo de novo e viu que o cheiro vinha dali. Cortou um pedaço e na primeira oportunidade na festa, pediu maconha a alguém e enrolou um baseado com seu cabelo junto.

Não deu outra: todo mundo ficou mais doidão que o normal e muito mais tempo. Todos queriam saber de onde era a maconha de gosto diferente, mas JP se limitou a dizer que apenas enrolou, e nem tinha fumado. Aquilo o deixou com uma pulga atrás da orelha e a única coisa que veio a sua cabeça depois de passar uma noite inteira pensando, foi a lembrança de correr entre a plantação desde que começou a andar, o contato de seu corpo suado com as folhas de cannabis.

Com 17 JP chegou na UFPE, mas por apenas 6 meses, pois em seguida foi para RU. Nesses anos, continuou correndo por entre a plantação, dava aulas particulares de várias matérias para quem quisesse, também dava aulas de capoeira e cada vez mais se enrolava com a mulherada (também, com sua resistência...). Nas festas da rapaziada, vez ou outra aparecia o baseado especial e todo mundo ficava louco com seu efeito e com o mistério de sua origem.

* Em 2001 fui editor de música do site tantofaz.net e, pra dar um respiro da minha área, me arrisquei a escrever algumas histórias ficcionais, mas com tons de veracidade (algumas delas geravam muitos e-mails). Apesar de não publicada, O Dólar de Um Milhão era uma delas. Tentei achá-las em meus arquivos, mas 98% se perdeu de vez, e muitas nem lembro da história.
A primeira que escrevi foi essa do JP, agora modificada. Gostei desse personagem e passei a escrever uma longa história com ele, ideia há tempos abandonada. Esta publicação é uma mistura editada de alguns dos textos já escritos. É uma história puramente ficcional que não tem ligação alguma com fatos verídicos.

Rock Brasileiro: 1 - Reflexões {1}

2011-11-10T00:17:00.001-02:00

O Terço

Preconceito. Ainda hoje há preconceito com o rock brasileiro, mas atualmente há motivo. Foi isso que pautou a década de 1980, quando o rock chegou ao mainstream.

Preconceito porque era mal gravado, mal produzido, mal tratado. Foi na onda. Era o que dava um bom dinheiro na época, assim como o sertanejo universitário hoje, e o pagode de outros tempos. “Tem uma música boa? Então gravaí, e solta pra vender. Se pegar, legal. Se não pegar chuta fora”. As gravadoras tinham seus genéricos. Todas elas procuravam a sua Legião Urbana, o seu Paralamas, o seu Titãs ou o seu Barão Vermelho. Assim não tinha jeito: era um festival de coisa ruim na televisão e no rádio. Eram 700 nomes para ter 3 bons. Mas o preconceito também era alimentado por jornalistas arrogantes, mas esse é assunto para outro post.

As honestas foram poucas, e também sofriam para gravar seus discos. O 1º do Titãs, do Barão, da Legião, do Paralamas, do Kid Abelha, Camisa de Vênus, Capital Inicial, Engenheiros. Todos sofríveis e todos com suas histórias de luta. Apesar de clássicos, tudo ruim, gravado na raça, que no final das contas não agradou banda, produtor e gravadora. Essa má qualidade gera preconceito. O sonzin chinfrim, radinho de pilha, manja? A culpa não era das bandas, mas o sonzin chinfrim ficou.

Ultraje à Rigor

Algumas conseguiram tirar um bom som, ou por milagre, sorte, algo diferente aconteceu. Por exemplo, gosto demais do 1º disco do João Penca, “Os Maiores Sucessos...”, lançado pela Continental. Ainda hoje o acho bem gravado. Sei que não foi nada fácil, até mesmo trabalhar esse disco numa gravadora diferente, e ainda em 1982. Tem Ira!, Plebe Rude, Gueto, Ultraje, Blitz e outros poucos exemplos de 1º discos bem gravados, ou ao menos com qualidade acima da média na época.

Dificuldade pior foi a década de 1970, com o rock completamente no ralo, feito na unha, com amor, mas absolutamente de canto, apesar dos festivais, dos shows, dos discos lançados, e até filmes, como o Geração Bendita. A ditadura proibia festivais em SP, RJ e onde podia. Apesar disso, as coisas aconteciam, e há discos ótimos que marcaram, como Secos & Molhados, Os Novos Baianos, O Terço, Joelho de Porco, Os Mutantes, Bixo da Seda, Casa das Máquinas. Como nos 1980, tinham que se virar com ou sem gravadora. No caso dessa década de 1970, engraçado que os discos, mesmo os mal gravados, não soam tão ruim como os dos 1980, talvez por não ter o som de tecladinho new wave efêmero. Os timbres também contam muito, e como os próprios músicos faziam tudo (até mesmo o estúdio – quando havia!), então o som tinha um cuidado melhor. Ah! Muitos dos casos também não havia a pressão de fazer para vender zilhões. Não era por isso que os discos eram gravados.

Raimundos

Com o tempo, alguns dos músicos que faziam rock nos 1960, 1970, 1980, passaram a trabalhar nos bastidores, muitos como produtores, donos de estúdio, executivos, e aos poucos foram se equipando para gravar de jingle e MPB, até rock e pop. Isso ficou mais aparente a partir da segunda metade dos 1980.

Outro grande problema do rock brasileiro feito nos 1980 era a forte influência dos EUA e Reino Unido. Poucas eram as bandas que conseguiam escrever em português tendo essas influências gringas. Cantar em português é difícil. Não eram todas as bandas que tinham um bom texto com uma boa composição entre letra e música. Mas fundamental de tudo isso era ter personalidade. Nem preciso listar aqui as que tinham.

É nesse negócio de influência que a geração 1990 se assemelha a geração 1970. A brasilidade, o choro, o forró, a MPB, o folclore – e nos 2000 a bossa nova incorporada.

Agora acontece o contrário, muitos artistas da nova MPB incorporaram o rock, voltou-se a fazer rock / MPB / bossa / psicodelismo. Atualmente se vê uma ultra mega influência de Tropicalismo e da MPB-1970.

Nevilton

O forrócore do Raimundos e o mangue beat de Recife pautaram a década 1990. Também passada a era xixi-coco Collor, aconteceu à estabilidade da moeda e as gravadoras investiram novamente no rock, mas dessa vez com bons estúdios, bom equipamento, produtores e executivos que ao menos já entendiam melhor do negócio. A maioria dos discos feitos a partir de 1994 tem ótima qualidade de produção e gravação, alguns podem derrapar na mixagem e masterização, mas não todos, e isso não acontece mais hoje.

Apesar de a música brasileira estar bastante presente no rock brasileiro, e ele não ser mais uma mera cópia do que é feito nos EUA e Reino Unido, ainda há resistência até mesmo do jornalismo especializado – já falei desse assunto aqui. Jornalistas gostam de reclamar da falta de novidade e quando aparece um raro nome bom, ele também é posto no mesmo saco das coisas ruins.

Vemos festas como a do Multishow, da MTV e outras, e é a mesma coisa, os mesmos artistas, as mesmas apresentações ao vivo, o mesmo formato, as mesmas homenagens. Porque a Tulipa não fez uma apresentação solo? Por que não chamaram o Nevilton pra fazer um som? Há espaço. Porque nenhuma revista faz uma boa entrevista com esses novos nomes em destaque? Não faz uma matéria de 4 páginas, contando tudo, depoimentos, mostrando o perfil e depois pode até se gabar de dizer que foi a primeira, coisa e tal. Porque não se dá capa para esses artistas? Põe todos juntos! Custa uma só capa? Uma só boa matéria?

Barão Vermelho

Pode ser Pop, Pipoca Moderna, Som Três, Roll, Bizz, Revista da MTV, Rolling Stone, Billboard e muitas outras que não citei. Pegue todas elas e me mostre uma que tenha colocado uma aposta na capa ou dado um relevante destaque para algum nome. Tudo isso é uma pena.

Apesar de gostar de nomes brasileiros que estão no mainstream (citei alguns aqui), não são todos que aceito. Gosto muito, como já escrevi, dessa cena pós-punk brasileira; do punk rock do Cólera, RDP, Olho Seco, Inocentes, Lixomania. É muito bom poder escutar, por exemplo, um Cadê as Armas?, um Tente Mudar o Amanhã, um Corredor Polonês, um Panis Et Circences, um Acabou Chorare ou um São Paulo 1554 / Hoje.

Com a situação atual (O Rock Está Morto!...) é impossível saber se ainda teremos uma cena brasileira como foi em 1980 e 1990. Com tamanha falta de apoio, está cada vez mais "cada um por si e Deus por todos".

Série Coisa Fina: 8 - Husker Du

2011-11-03T03:46:00.003-02:00

Antes de tudo quero aproveitar o momento para esclarecer de uma vez por todas que o que existe é punk rock e hardcore. Todo mundo no mundo todo cria, sei lá o motivo, termos como punk pop, hardcore melódico e já li até mesmo o absurdo poppy punk.

O que todos querem dizer com punk pop? Que tem melodia, harmonia? O punk rock tem isso a começar pelo Ramones. O punk é pop por natureza. Riffs, refrões, harmonia, melodia, tra la la, sha la la, La ra ra, tchubiruba, uouououyeh, tudo isso está na música do Ramones, Clash, Sex Pistols, Generation X, Damned, Buzzcocks, Jam, Stiff Little Fingers, Television, Richard Hell e mais um monte de nomes da 1ª e 2ª geração do punk rock. Cada um com suas influencias, uma mais aparentes que outras. É só escutar com mais atenção os discos dessas bandas que citei e outras. Ter guitarras sujas, vocais gritados e ser barulhento não significa ausência de melodia e harmonia.

Hardcore é outra coisa (como alguns segmentos do metal). É mais radical porque tem guitarras sujas e vocais gritados, mas quase melodia nenhuma. Digo quase, porque no fim das contas o hardcore também tem refrões e melodia (mesmo que mínima em algumas músicas). Exploited, GHB, Discharge (do início), Riistetyt, Rattus, Anti Pasti e outras da primeira leva. Dead Kennedys e Fred Banana Combo são casos a parte, porque transitam nos dois lados muito bem.

Quer nominar essa geração punk / hardcore dos 1990 pra cá,então é só falar punk rock dos aos 1990. Pronto. Hardcore dos anos 2000. Pronto.

Dito isso, vamos ao hardcore e punk rock do Husker Du.

Digo hardcore e punk rock porque HD teve essas duas fases. O hardcore é do início, de 1979 até 1984, com Zen Arcade. Aí veio a fase punk rock que começou em 1985 com New Day Rising. Nesse mesmo ano saiu o 5º disco Flip Your Wig. Todos eles independentes. Depois o Husker Du assinou com a Warner e veio Candy Apple Grey (1986) e Warehouse: Songs and Stories (1987). Em dezembro de 1987 a banda acabou.

O rock independente / alternativo deve tudo a R.E.M. e Husker Du. A diferença entre ela, além do som (claro), é que uma chegou ao mainstream e a outra não.

Husker Du influenciou meio mundo, de forma direta ou não. Você escuta a banda em Pixies, Jane’s Addiction, Jesus and Mary Chain, Dinossaur Jr., Mudhoney, Nirvana, Weezer, Pavement e mais uma penca.

Aqui no Brasil quase não se fala de Husker Du. Algumas pessoas gostam, mas sempre foi difícil pra mim achar alguém que conhecesse bem. Teve um momento na fase grunge, mas mesmo assim nunca foi assunto nas rodas de conversa. Com influência direta tem o Killing Chainsaw e Garage Fuzz.

Os dois últimos discos do HD foram lançados pela Warner aqui no Brasil. Mas mesmo sendo mais comerciais, com mais violões, baladas, eles não venderam. Warehouse inclusive era duplo.

Em 1979 os três começaram tocando no porão da casa do baixista Greg Norton, e ainda tinha um tecladista que durou até o primeiro show. Não rolou química. Husker Du, assim como a grande maioria das bandas punks, começou tocando Ramones.

A banda tinha um diferencial: tanto Bob Mould, quando Grant Hart, os dois compunham e cantavam. Não era nada comum uma banda de hardcore com o baterista cantando. O hardcore do começo não era chinfrin, era porrada, mal gravado, sujo. Não é para os fracos... rsrs.

A banda é de Minneapolis e todos eles se conheceram em uma loja de discos onde Bob Mould trabalhava. Husker Du é o nome de um jogo dinamarquês dos anos 1950 e significa “você se lembra?”.

O primeiro disco, Land Speed Record, foi gravado ao vivo (mais barato), é uma sujeira tosca, tem 17 músicas em 27 minutos. Podreira da boa. Tudo bem, é o pior da banda, mas vale o registro. Fã é fã... e enxerga o lado bom até nas coisas ruins...

O clássico Zen Arcade tem 23 músicas e foi gravado em três dias, praticamente no take one. Apesar de também ser uma porrada só, ele já flertava – em uma faixa ou outra – com a musicalidade futura da banda, mais punk rock e menos hardcore. Zen Arcade quebrou paradigmas sendo, apesar de hardcore, um disco conceitual. Além do fato de ter sido duplo (não era qualquer banda que lançava disco duplo, ainda mais independente). Este foi um disco adorado por crítica e fãs.

Aliás, do primeiro ao último disco a diferença sonora é enorme, mas há unidade. Tudo faz sentido. A discografia do Husker Du comparo, de certa maneira, com a discografia do Clash que, depois de dois discos punks, mais crus, lançou três discos completamente diferentes e com outra direção (London Calling, Sandinista! e Combat Rock). Apesar de diferentes, eles têm unidade. Essa evolução também se vê na discografia de HD.

Mas o legal do Husker Du não é só o som. As letras do Bob Mould e do Grant Hart são muito boas. São existenciais, falam sobre relacionamento, amizade, traição, angustias, mentiras, algumas são cínicas, recados diretos.

A guitarra Flying V de Bob Mould, o bigodâo de Greg Norton e o vocal de Grant Hart eram demais. Como os ídolos Ramones, eles usavam os instrumentos no joelho. Os timbres de guitarra, baixo e da bateria de Hart são bastante característicos. Você reconhece de longe.

Apesar de bastante cultuado no underground, pelos artistas alternativos e outros até grandes, o Husker Du nunca conseguiu sair desse mercado alternativo, vendas baixas, shows pequenos, ralação absoluta. Aí começou um envolvimento de Mould e Hart com drogas pesadas, principalmente bebida. Quando Mould pulou fora dessa Hart, ao contrário, foi para a heroína. Também tinha o lance de uma rivalidade, no começo velada, pra ver quem compunha melhor.

Até por isso a banda era bastante produtiva, tanto é que em 1985 lançou dois discos (29 músicas): New Day Rising e Flip Your Wig, que chegaram a aparecer discretamente em algumas paradas. Boas críticas saíram em revistas mais conhecidas. A crítica sempre falou bem do Husker Du.

Ela foi a primeira banda alternativa dos 1980 a assinar com uma gravadora multinacional. Foi justamente nessa boa fase da Warner que a relação de Mould e Hart não estava nada legal. Pra completar, em 1987 o empresário David Savoy cometeu suicídio pulando de uma ponte, justamente um dia antes da turnê de Warehouse começar. Mesmo assim a turnê foi feita aos trancos e barrancos. Obviamente com o fim da turnê a banda acabou.

Apesar de tudo os três sobreviveram. Bob Mould e Grant Hart continuaram tocando e lançando discos. Greg Norton abandonou a música e abriu um (bom) restaurante na cidade Red Wing. Ele é chef de cozinha dos bons.

É difícil apontar o melhor disco do Husker Du. Mas se você não quer muita podreira, então escute de New Day Rising até Warehouse. Também tem o excelente The Living End que é um ao vivo oficial lançado em 1994 com 24 músicas da melhor qualidade. Esse vale muito a pena.

Série O Resgate da Memória: 24 - Joelho de Porco São Paulo 1554/Hoje

2011-10-26T13:02:00.001-02:00

No final de agosto postei aqui uma matéria da Folha sobre o disco solo de Gerson Conrad, publicada em 1975. Na mesma página há uma reportagem sobre o Joelho de Porco, mais até: fala do 1º disco da banda, o São Paulo 1554/Hoje antes mesmo de ter uma gravadora para lançá-lo. Clássico absoluto do começo ao fim!

Próspero e Joelho de Porco, o Disco Mais Esperado do Ano

Acervo Digital Folha de São Paulo
Caderno Ilustrada
17-11-1975

Por Carlos A. Gouveia (provavelmente)

Depois de um ano de pesquisas e ensaios, além do trabalho, é claro, Próspero e Joelho de Porco acabam de gravar uma fita com material para um LP. A gravadora? Várias estão disputando essa fita, pois os comentários que circulam pelo meio “rockiano” são imensos, a respeito. Pedrinho, baterista do Som Nosso de Cada Dia, Arnaldo, ex-Mutantes, Juarez Machado, artista plástico e Guarabira, além de Rogério Duprat, “of course”, dono do estúdio Vice-Versa, onde o grupo gravou, externaram as melhores opiniões possíveis sobre as gravações e a atuação dos músicos do Joelho de Porco.

O clima criado em torno do lançamento desse disco foi tal, que o empresário Mário Buonfiglio tem até rejeitado algumas propostas por parte de gravadoras, não por dinheiro, como ele fala, mas pela qualidade que ele e o grupo exigem para o lançamento e perfeita divulgação do disco.

Juarez Machado ouviu a fita, entusiasmou-se e fez a capa com caricatura dos componentes do grupo Joelho de Porco. Mas, é melhor que eles digam. O Joelho de Porco é formado por Próspero Albanese (vocais), Tico Terpins (baixo e composições), Walter Baillot (guitarra, vocais) e Flavinho Pimenta (bateria).

Próspero fala do disco: “Nós juntamos o material musical desde o início do grupo (1970). Nunca tivemos pressa de gravar e, quando gravamos pela primeira vez, na Phonogram, não encontramos apoio suficiente para uma boa divulgação. Gravamos “Se Você Vai de Xaxado Eu Vou de Rock n Roll” e “Fly America”, que tiveram boa aceitação por parte do público de rock e não-rock, mas a gravadora bobeou.”

Sete meses de ensaios e discussões se passaram até que decidiram partir para uma gravação financiada por eles próprios.

“Por que o autofinanciamento?”
“As gravadoras – fala Tico Terpins – se contentam com os 300 mil discos do Martinho da Vila e, por comodismo, não por falta de verba, não investem em coisas novas da música. Tanto é que a nossa maior preocupação cai em cima das letras que retratam a vida dessa cidade que é São Paulo. Como dizia Ezra Pound, os artistas são antenas da raça e eu me cansei de esperar informação das letras de Gilberto Gil e dos baianos em geral. Afinal todos tem 36 anos de idade e o rock ou a nova música popular brasileira se esqueceu da poesia.”

As músicas gravadas por Próspero e o grupo Joelho de Porco, são: “Trombadinha”, “Mardito Fiapo de Manga”, “Lâmpada de Edson”, “Aeroporto de Congonhas”, “Mexico Lindo”, “Cruzei Meus Braços”, “Fui um Palhaço”, “Boeing 723897” e outras. As músicas em que o grupo mais acredita são “Mardito Fiapo dde Manga” e “Boeing 723897”, que retrata o contraste entre o medo no edifício Itália e o medo que o índio do Amazonas tem de viajar de avião.

A produção do disco de Próspero e Joelho de Porco “São Paulo 1554/Hoje” é do próprio grupo. Próspero, antes de se integrar nesse grupo formou o Mona, que teve a participação de Pedro (baixo), Fábio (guitarra) e o excelente baterista Albanese. Nessa época, o Mona contou com a participação do inesquecível Barto (?), nos teclados. (Próspero) Tem 10 anos de bateria.

Tico Terpins começou em 1967 participando do finado grupo “Baobás”, depois passou a trabalhar com Juca Chaves, sendo o autor da música “Sdruws”, “Circo Azul e Branco” e compositor de “Sei Lá Que Tem” (?), gravado por Elisete Cardoso. Entrou para o Joelho de Porco em 1972.

Walter Baillot tem 25 anos, sendo 14 de guitarra com oito anos de profissionalismo. Começou nos “Provos”, integrou também o “Século XX” e tocou com Eduardo Araújo. Entrou para o Joelho de Porco em 1972, após uma estada no Canadá para pesquisa de rock.

Flavinho Pimenta, baterista de 17 anos, dá aula em conservatórios e tocou na Orquestra Jovem do Municipal. Entrou no Joelho de Porco no ano passado, quando Próspero deixou a bateria para se dedicar aos vocais.

Ramones (e Eu)

2011-10-17T13:16:00.004-02:00

Eu sou mais um que teve a vida mudada depois de ter ouvido Ramones. Ouvi pela 1ª vez em 1980, com 10 anos. Era exatamente “Rock’n’Roll High School” e “Do You Remember Rock’n’Roll Radio?”, “Chinese Rocks”, “Let’s Go” e “Danny Says”. Era uma fita cassete da Mila, minha irmã mais velha (que tinha 13 na época). Nela também tinha Sex Pistols e Siouxsie and the Banshees. Engraçado que, como sobrou espaço na fita que não era virgem, ficou um resto de Pink Floyd que era o que estava gravado antes (bastante significativo, não? Adeus PF!).

Mesmo sendo moleque, me chamou atenção. Meus pais gostavam de rock, não pauleira, mas um bom soft rock, Beatles e sucessos da era hippie e disco. Coisas assim. Então quando escutei aquele rockão, claro que me chamou a atenção. Sempre que podia escutava aquela fita e outras que foram aparecendo.

Mas Ramones é Ramones. Tive a sorte de ter alguns de seus discos perto do lançamento ou na sequência. Em 1982 comprei ‘End of the Century’ e ‘Pleasant Dreams’ que eram, inacreditavelmente, edições nacionais. O primeiro comprei numa lojinha em Brasília, que ficava na comercial da 111 Sul, quadra onde morava. Foi nos fundos dessa loja que rolou um show do Aborto Elétrico.

‘Too Tough to Die’, ‘Animal Boy’ e ‘Halfwa to Sanity’ foram três discos que tive a sorte de tê-los na sequência de seu lançamento. Os dois primeiros no mesmo mês e ‘Halfway’ um dia depois (!!!).

Nos tempos de fita cassete se media a importância da banda pela qualidade da fita com a qual você gravava os discos. Da discografia da banda (em vinil) tenho de ‘Leave Home’ até ‘Brain Drain’. Todos os amigos e amigas me davam fitas ou iam em casa gravar. Uns gravavam discos específicos, outros faziam coletâneas. A maioria das vezes as fitas que se gravava Ramones eram das melhores, tipo TDK importada.

Mesmo clichê, é sempre bom lembrar que, sem internet, não tínhamos muitas notícias frescas, principalmente do Ramones e punk rock em geral (até o heavy metal tinha suas revistas). Então, notícias frescas do Ramones nem pensar...

Nos anos 1990, quando já estava na MTV, como todo fã, fiquei chocado com as notícias que chegavam sobre o clima interno na banda. Tive a honra de conhecer a banda por causa do Fúria Metal. Junto com Gastão fiz três entrevistas com ela. Tenho uma camiseta com o autógrafo de todos eles que peguei em 1994.

Acabei de ler Hey Ho Let’s Go – A História dos Ramones de Everett True, e o livro me mostrou que eu não era o único a pensar tudo o que pensava sobre a banda e de como toda a revelação me chocou, mas sem derrubar o mito, claro!

As roupas que eram uniformes, o fato de Johnny não falar com Joey, Joey doente, enfim. Assim como outros fãs também sempre desconfiei a respeito da gravação de algumas guitarras nos discos do Ramones que não foram feitas por Johnny... fato depois comprovado...

Rara foto com Johnny rindo

Não gosto de praticamente nada do que foi feito após ‘Halfway to Sanity’. Há apenas alguns poucos bons momentos. Quando ‘Halfway” saiu, eu já morava em São Paulo, e lembro de ter ido ao shopping onde minha amiga (muito querida Cris Rio Branco) trabalhava. Ela tinha chegado de Nova York no dia anterior e disse que havia comprado o disco indo para o aeroporto, e que eu havia me dado bem porque tinha chegado nas lojas nesse mesmo dia que ela foi embora. Lembro que ela me disse ter visto a loja de disco cheia de pôsteres do Ramones e que não entendia como eu ainda gostava da banda. Falou também que durante o tempo que ficou em NY (acho que um mês) houve alguns shows do Ramones, mas tudo em lugares bem pequenos. Disse que a banda estava por baixo. O pior é que estava mesmo! Mas nunca pra mim.

‘Halfway to Sanity’ é um clássico. Ótimas composições, letras e produção. Disco pesado, e que considero o que tem uma das melhores baterias da discografia. Ritchie Ramone estava muito iluminado nesse disco. É realmente incrível!

De todos os shows que a banda fez aqui só não vi o segundo de domingo, em 1987, e o último, em 1996. Eu vi Dee Dee em ação por duas vezes, e ele descia a porrada no baixo.

Não lembro se já escrevi aqui, mas uma vez tive a grande honra, na MTV, de levar Joey Ramone até o banheiro, onde ele quis ir antes de um entrevista. Como não tinha ninguém do A&R naquele momento, coube a mim levá-lo. Com meu inglês macarrônico disse a ele que teríamos que subir um lance de escada, e ele resmungou de uma forma engraçada, mas foi na boa. Indiquei a direção e abri a porta do banheiro. Ele entrou já tirando um pente do bolso e se abaixando para se olhar no espelho – ele era muito alto. Tudo isso foi rápido porque a porta logo se fechou e eu, claro, o esperei ao lado de fora.

Na última passagem da banda aqui (no Olympia), eu e Gastão fomos até lá entrevistar Joey durante a passagem de som - sim, durante toda a carreira era a própria banda que passava o som, salvo raras exceções. Lá percebi que de fato o clima não era bom. Senti na pele os boatos que ouvia. Eles estavam em camarins separados. O que era pra ser 10 minutos, acabou sendo uns 20 e poucos. Entrevista curta, mas muito boa. Agradecemos e Joey, muito simpático (sempre, todos eles), entrou no camarim. Juntamos o equipamento e na hora que estávamos saindo, a banda subiu ao palco para passar o som. O clima não estava bom! Inclusive tenho (péssimas e escuras) fotos dessa entrevista e da passagem de som. Joey e Johnny tocavam um de costas para o outro. Comentei com Gastão minha tristeza em presenciar aquilo e a minha decisão de não ir ao show por conta disso tudo. Não fui mesmo. Foi difícil pensar que o Ramones estava ali ao meu lado tocando e eu não estava. Não fui!

Nos tempos de walkman adorava escutar o 1º Ramones e o Leave Home, pois a mixagem que foi feita nesses discos, não sei porque cargas d’água, permitia escutá-lo sem vocal. Lembro também de um dia em 1985, voltando pra casa já de madrugada a pé junto com Danilo, após um ensaio do Filhos de Mengele no Rádio Center, de comentarmos como seria bom ver um show do Ramones. Naquele tempo isso era um sonho impossível, mas pouco mais de um ano estava eu no Palace vendo Joey, Dee Dee, Johnny e Ritchie ao vivo. O tempo inteiro me lembrava dessa conversa com Danilo.

Tive muita sorte de conhecer a banda, sorte de ver Dee Dee em ação e de poder fazer pauta para entrevistá-la. Tudo incrível! Pra mim, o melhor disco da banda é disparado o 'It’s Alive', por ser o resumo da primeira e melhor fase do Ramones (os três primeiros discos). Dos anos 1980 gosto demais de 'Too Tough to Die' e 'Halfway to Sanity'.

Ramones era uma gangue e eu fazia parte dessa gangue.

Ramones é a maior banda entre todas que já existiram no universo, e assim será pra sempre!

Menos é mais!

PS: É incrível o fato dos principais integrantes da banda - Joey, Dee Dee e Johnny - terem morrido em um intervalo de 3 anos e 5 meses. Eles realmente nasceram para a missão Ramones. Terminada, aproveitaram um pouquinho e foram embora.

Histórias da MTV: Especial Legião Urbana

2011-10-10T15:52:00.002-03:00

Nesse final de semana que passou assisti a programação especial dos 15 anos da morte de Renato Russo que a MTV fez (mas não cheguei a ver tudo). Até me toquei que os amigos Renato Russo e Redson morreram em datas próximas. Dois grandes ídolos meus.

Assisti, depois de muitos anos, o Acústico Legião Urbana, o qual eu fiz a edição especial para Home Vídeo / DVD (foram 3 meses intensos de trabalho). Mas o que passou na MTV foi o especial Acústico com uma entrevista que fiz com Dado e Bonfá, em 1999, intercalada entre as músicas. Era o lançamento do Acústico em CD. Acredito que desde então nunca mais tinha visto esse pgm e ouvido o Acústico.

Na MTV, entre 1996 e 1997 (ou 1997 e 1998?) fiz um programa chamado Arquivo. Era uma mistura de matérias do arquivo da MTV com videoclipes. Era programa que variava entre meia hora ou uma hora de grade.

Era um programa mensal com diversas reprises. A princípio era pra ser produzido com artistas que estivessem com alguma novidade no mercado, seja um novo trabalho, videoclipe, ou uma efeméride significativa e, claro, artistas que tivessem bastante material de arquivo. Era um programa de edição e colagem. Fiz Michael Jackson (e vi de perto seu vitiligo), Madonna, Cure, Marisa Monte, R.E.M., Nirvana e mais um monte que nem me lembro.

Eu, documentarista que gosta pouco de pesquisar, fui a fundo nas pesquisas de arquivo. Não me limitava apenas ao arquivo de matérias jornalísticas, procurava por tudo, até as mínimas participações em programas (seja MTV BR ou EUA / Europa). O que eu achava, eu assistia.

Procurava montar o programa de forma cronológica, mas nem sempre dava certo, já que os arquivos da MTV começam em 1990. Quando não era possível, montava de acordo com o material que eu tinha na mão.

Alguns programas eram demanda e outros eu sugeria. Horas de decupagem e horas e edição. Não lembro a data certa, mas acabei fazendo um Arquivo MTV Legião Urbana, que deveria ter apenas 30 minutos de grade, ou seja, 22 minutos de produção. Talvez por conta da proximidade do lançamento do A Tempestade (não sei).

Esse tempo para um programa que ainda deveria ter videoclipes inteiros era irrisório, mas fiz e ficou legal (na verdade não lembro dele rsrs), mas deu certo. Pra mim o programa tendo 10’, 30’ ou uma hora tanto fazia. O trabalho era o mesmo.

Obviamente ficou muita coisa de fora do Arquivo Legião, mas a medidda em que ia assistindo e montando o Arquivo, vi que eu teria um ótimo programa especial da Legião. Havia músicas inteiras gravadas de alguns shows feitos em SP e RJ. O áudio não era lá essas coisas, mas dava pra escutar tudo numa boa: voz, letra e instrumental. Vi out takes de entrevistas que não tinham sido usadas e, com os dois materiais dava pra fazer um programa de uma hora de grade (48’ de produção).

Anotei tudo e guardei não sei por quanto tempo. Em uma reunião feita no dia da morte de Renato Russo, falei sobre o programa que eu tinha na mão, e rapidamente juntei o material para fazê-lo. Eu só precisava de algumas horas de ilha para montá-lo. Eu tenho um show que a Legião fez em Santos, em 1983 ou início de 84, abrindo para o Paralamas, com Herbert fazendo a apresentação da banda. Usei esse áudio para abrir o Especial e resolvi gravar uma cabeça introdutória explicando o conteúdo do pgm, que foi gravada pelo Cazé. De fato não lembro bem quando e como tudo aconteceu...

Dias depois que o programa foi ao ar, pessoal do departamento de jornalismo me contou que Dona Carmem (mãe de R. Russo) ligou pra lá para agradecer a homenagem, e ainda disse que aquela tinha sido a homenagem mais bonita que tinha visto. Nos encontramos diversas vezes depois disso, mas nunca perguntei a ela sobre isso. Verdade ou não, de fato fiz esse programa de coração. E tudo o que há nele era, até então, inédito na MTV. Não quis fazer nada piegas por conta da morte de Renato.

Claro que, passados 14 anos de sua exibição, o contexto hoje é outro. Em 1997 não havia You Tube e nem mesmo internet caseira (era para pouquíssimos, mesmo!), portanto o conteúdo exibido tinha um valor diferente de hoje, de material raro e garimpado. Fiquei feliz com o resultado.

PS: Este texto foi escrito ao som do m-a-r-a-v-i-l-h-o-s-o O Descobrimento do Brasil.

Síndrome do Pânico

2011-10-05T12:29:00.000-03:00

Comecei a escrever este texto em Brasília, justamente onde me sinto muito bem. Foi em Brasília que dei o “golpe final” em minha síndrome do pânico. Golpe final é modo de dizer por que quem teve SdP sempre terá. Infelizmente essa é a realidade. Depende de você conseguir controlá-la. Eu controlo. Brinco dizendo que deixo minha SdP dormindo, eterna hibernação. Quando dá sinais de vida, logo dou uma pancada em sua cabeça e ela volta a dormir. A primeira lição: não a deixe ser mais forte que você. Ridículo se for.

Comigo veio aos poucos, não percebi até começar a ter sinais físicos: fortes dores no peito seguidas de desmaios. Muita dor. Aguda.

Meu querido pai morreu aos 50 anos de infarto. Então fiquei com medo de ser algo ligado ao coração. Eu era fumante. E fumava muito (um maço por dia). Fui fazer um check up completo, da cabeça aos pés. Tudo quanto é exame. Foram uns três meses de laboratórios, hospitais e consultórios.

Eu não tinha nada. Aconselhado, fui a um terapeuta para uma única conversa, que logo detectou a síndrome do pânico. Mesmo já conhecida na época, não havia muita informação disponível sobre a doença, então as informações que ele me passou foram cruciais.

O terapeuta me receitou 30 cápsulas de Prozac, e eu estava prestes a viajar de férias para o RJ e Brasília para começar a fazer o Diário da Turma. Fiquei fora de SP por 36 dias. Junto a todos esses exames fiz uma terapia alternativa (nem tanto assim) com uma técnica de massagem que me deixava completamente fora de órbita, e que me ajudou demais.

Tomei apenas uma cápsula de Prozac e deixei-o de lado. Sair de SP foi outro grande benefício. Durante minhas crises de pânico eu só pensava que tinha que fazer alguma coisa além do trabalho, caso sobrevivesse (rsrs). Assim resolvi fazer o livro, e a sempre me dedicar a outros projetos fora do trabalho. Na época, fazer o livro foi o meu respiro, minha distração.

Em SP sempre morei em Perdizes / Pompéia. Fui aos poucos deixando de ir a lugares mais distantes, que me obrigavam a pegar vias de mais movimento. Eliminei marginais e principais avenidas. Depois limitei bairros e não ia além de Higienópolis, Av. Paulista e Pinheiros. Quando vi, era só de casa para o trabalho, do trabalho pra casa. Não conseguia nem fazer viagens profissionais, uma simples ponte aérea era o terror, o fim do mundo, uma catástrofe.

Não era medo de voar. Era medo de ficar longe de casa, da área, da rotina segura. Quando eu ia viajar procurava saber onde era o hospital mais próximo de onde eu ficaria. Eu fazia de tudo para não sair da rotina. Cheguei a perder a namorada, no trabalho não pegou bem porque ninguém sabia ao certo o que era aquilo, se era realmente uma doença ou eu que era fraco. Minha vida social foi para o lixo. Dos 1º sintomas ao buraco completo, foi coisa de uns 8 meses. Eu fui completamente dominado pela síndrome do pânico. Fora a única cápsula de Prozac que ingeri, nada mais tomei de remédio. Pensei comigo: se é uma doença da cabeça, então é com ela que vou me curar. Fazer exercício físico também foi de suma importância. Foi uma época em que descobri quem eram meus amigos de verdade.

Nesse mesmo período descobri três pessoas dentro da MTV que também tinham a SdP. Uma delas até com sintomas bem mais graves, tendo que tomar remédio de tarja preta e, em crises, tinha que respirar em saco para se acalmar. Nem todo mundo falava que tinha a síndrome para não sofrer preconceito. Vejo que, mesmo sendo agora absolutamente normal, ainda há gente que esconde a doença.

É muito chato. Há artistas na música que tem esse problema e que precisam se virar para cumprir os compromissos profissionais. Viajar de 3 a 5 vezes por semana, dependendo do artista até mais que isso, é de fato um martírio. Recentemente li que Marrone (da dupla sertaneja), após o acidente de helicóptero, também disse estar com SdP. Nesses últimos 6 meses três amigos também me disseram estar passando por maus bocados por causa da síndrome.

Eu soube dominar a minha. Mas pra isso é preciso ser forte para enfrentar uma mudança de comportamento e estar disposto a isso. É preciso disciplina. A SdP me afeta hoje, mas não me atrapalha. Com ela adquiri uma sensibilidade estomacal que antes não tinha. Hoje enjoo fácil em avião, barco, metrô, ônibus, van, carro. Agora ao viajar de avião preciso tomar dramin. Também adquiri uma sensibilidade maior com barulho de trânsito. Ao procurar um lugar para morar, minha primeira preocupação é achar um local mais tranquilo, uma rua menos movimentada, andares mais altos e apartamentos de fundo.

Isso não é paranoia, nada disso. Isso é precaução. É não querer acordar a SdP que está em mim.

Cada pessoa tem um sintoma diferente e há diversos modos de se tratar e diversos remédios, principalmente antidepressivos. Mas, se puder, fuja de todos eles. Como já falei, seja mais forte, procure terapias alternativas e exercícios físicos. Procure algo que te dê prazer fora do trabalho. Divida seu tempo com algo que te dê tesão em fazer. Largue o cigarro, a maconha, deixe seu carro de lado, não se irrite por qualquer coisa. Tente ver a vida de um jeito mais leve. Sem força de vontade ninguém consegue se livrar da Síndrome do Pânico.

PS: É claro que em casos graves, o remérdio é mais do que necessário, mas não pode deixar de lado os exercícios físicos e mentais.

Cólera / Redson

2011-09-28T14:44:00.001-03:00

Tá meio ridículo esse negócio de comentar a morte de Redson. Não tenho e não acesso o Twitter, mas o que tenho visto no Facebook é lamentável. Gente que sequer sabia da existência de Cólera, deixando homenagens. Essas pessoas são nojentas ao usar a morte de uma pessoa só para aparecer.

Lixomania e Cólera são duas bandas que tem 100% de influencia na minha vida. São duas bandas bastante adoradas nos velhos tempos em Brasília, pela Turma toda. As coletâneas Grito Suburbano, SUB e O Começo do Fim do Mundo, além de discos como Tente Mudar o Amanhã, Pela Paz em Todo Mundo são trabalhos magnânimos.

Conheci Redson nos bastidores do velho programa da TV Cultura chamado Boca Livre, que passava em 1987. Isso aconteceu logo depois de eu ter chegado em SP. Ele era amigo de praticamente todos os músicos de Brasília dos anos 1980 (digo Plebe, Capital, Legião e Escola). Renato Russo, outro grande músico que adorava Cólera e Redson, dedicou no show de lançamento do 1º disco em SP, a música “O Senhor da Guerra” ao Redson.

Grande pessoa, grande músico e grande compositor, Redson chegou a ser banalizado por muita gente – inclusive pessoas que se diziam amigas – por causa de alguns temas que abordava nas músicas do Cólera. Hoje esses “amigos” estão aí fazendo homenagens.

A admiração fica pra sempre, e não é por conta de sua morte que vou escutar seus discos. Escuto Cólera independente de qualquer coisa, assim como escuto Violência e Sobrevivência, Miséria e Fome, Botas, Fuzis e Capacetes ou Descanse em Paz.

O punk rock brasileiro perdeu um de seus principais nomes. Mas artistas significativos não morrem, pois a obra fica.

Como humilde homenagem a um dos meus ídolos, deixo aqui algumas datas das minhas efemérides, que falam de Cólera direta ou indiretamente.

Pela Paz Em Todo Mundo!

EFEMÉRIDES
- Em junho de 1986 o Cólera lançou o disco Pela Paz em Todo o Mundo. Os destaques são “Medo”, “Vivo na Cidade” e “Não Fome” e a faixa título.

- Em 1º de março de 1987 o Cólera iniciou sua turnê européia. Foram cinco meses e 56 shows. A banda tocou na Espanha, França, Alemanha, Noruega, Holanda, Suíça, Áustria, entre outros. O último show dessa turnê rolou em 23 de julho. Foi a primeira banda brasileira a fazer uma excursão pela Europa.

- Em 14 de fevereiro de 1989 o Cólera lançou o disco European Tour 87, registro da turnê européia que a banda fez em 1987. Os destaques são “Medo”, “São Paulo” e Palpebrite”.

- Em 26 de outubro de 1979 surgiu a banda paulistana de punk rock Cólera. Considerada uma das primeiras bandas punks do Brasil, o Cólera participou da primeira coletânea de punk rock Grito Suburbano, ao lado de Olho Seco e Inocentes. Em 1984 lançou o primeiro disco Tente Mudar o Amanhã e foi a primeira banda de rock no Brasil a fazer uma turnê européia, em 1987. Entre seus sucessos estão “Violar Suas Leis”, “Subúrbio Geral”, “Medo”, “Palpebrite” e “Pela Paz”. A formação inicial era Redson (baixo e vocal), Pierre (bateria) e Helinho (guitarra. A formação clássica era Redson (guitarra e vocal), Pierre (bateria) e Val (baixo).

- Em 27 e 28 de novembro de 1982 rolou, no SESC Pompéia, o primeiro festival punk de São Paulo chamado O Começo do Fim do Mundo. Dele participaram 20 bandas, entre elas Inocentes, Ratos de Porão, Olho Seco, Cólera, Lixomania e Psykose.

- Em 26 de março de 1983 rolou no Circo Voador o 1º Festival Punk do Rio de Janeiro. Participaram as bandas Inocentes (SP), Cólera (SP), Psykose (SP), Ratos de Porão (SP), Coquetel Molotov (RJ), Eutanásia (RJ), Descarga Suburbana (RJ). Participou, abrindo o festival, o Paralamas do Sucesso.

- Em 19 de outubro de 1985 rolou o show de lançamento da coletânea Ataque Sonoro, no Circo Voador (RJ). Entre as bandas que se apresentaram estavam Ratos de Porão, Cólera, Lobotomia, Virus 27, Garotos Podres e Grinder’s.

- Em 03 de novembro de 2002 teve início o festival punk O Fim do Mundo, com sete dias de duração e com 62 bandas de São Paulo e outros estados. Ele aconteceu na Casa de Cultura Tendal da Lapa e teve a partipação de Lixomania, Cólera, Ulster, Fogo Cruzado, Holly Tree, Euthanasia (RJ) e Pacto Social (RJ). Essa é a terceira edição da trilogia iniciada em 1982 com o festival O Começo do Fim do Mundo e com a 2ª edição A Um Passo do Fim do Mundo, em 2001.

- Em agosto de 1981 aconteceu, em São Paulo, o primeiro de uma série de shows punks dentro do evento batizado de Grito Suburbano, organizado pelos próprios artistas e bandas, na discoteca Stop. Dele participaram as bandas Lixomania, Anarkólatras, Olho Seco, Cólera e Mark.

- Em 24 de julho de 1982 Foi lançada a coletânea Grito Suburbano, um clássico do punk rock brasileiro que tem a participação das bandas Inocentes, Olho Seco e Cólera. Grito Suburbano traz 12 músicas que foram gravadas em apenas oito horas.

Série Coisa Fina 7: Let Love Rule (Lenny Kravitz)

2011-09-15T14:17:00.000-03:00

Eu morava literalmente na esquina da Rua Bartira com a Rua Monte Alegre, em Perdizes, em frente ao Teatro Tuca e a PUC. Era um sábado em 1990, início de noite, e eu estava em casa de bobeira assistindo TV. Nessa época não existia TV a cabo (ou existia só pra quem era milionário), e a MTV recém-inaugurada era só UHF, que em casa pegava male male, e com muito chuvisco, por isso quase nunca a via, até então talvez tenha colocado no canal apenas umas 3 ou 4 vezes no máximo.

O áudio era bom e a imagem péssima. Tô lá eu de bobeira quando ouço um som qu me chamou a atenção e vi o clipe de “Let Love Rule”. Aquilo me deixou maluco e corri para pegar papel e caneta para anotar o nome da banda (eu achava que era uma banda). Não desgrudei o olho da TV e quando apareceu os créditos anotei rapidamente já xingando Lenny por ter um sobrenome complicado, ainda mais visto pela primeira vez e uma imagem de chuviscos. Pensei até que não iria conseguir anotar. Dobrei o papel e o coloquei dentro da carteira. A intenção era dar para minha irmã mais velha que estava indo para Londres a trabalho (ou já estava lá). Devia ser outubro de 1990 já que ‘Let Love Rule’ foi lançado no final de setembro. Consegui pedir para minha irmã, que não só trouxe o disco de Lenny, mas também o Dolittle do Pixies.

Lembro de todos esses detalhes porque realmente esse disco me marcou e, até hoje, de tempos em tempos, passo dias escutando-o, principalmente pela manhã, para começar o dia.

Com o disco (na verdade fita cassete oficial) descobri que todos os principais instrumentos tinham sido gravados por Lenny Kravitz: guitarras, baixos, baterias, teclados, voz, backings). Fiquei mais maluco ainda porque o que ele faz com os instrumentos de corda (guitarras, violões, baixos) é absurdo de bom.

A bateria é um caso a parte porque é bem a bateria tocada por alguém que tem noção do instrumento, sabe o que precisa tirar dele, mas que não o domina. As viradas de caixa, as pratadas, as conduções de prato, viradas (quando há) em tudo dá pra notar que se trata de alguém com noção básica e ponto. Adoro as baterias desse disco. Simples e eficaz.

‘Let Love Rule’ é sincero do começo ao fim, feito com amor e na raça. Isso é nítido. Dá pra ver bem que Lenny Kravitz agarrou a oportunidade com unhas e dentes, e se dedicou. Repertórios iniciais, na maioria das vezes, são os melhores.

A primeira coisa que me chamou a atenção foi a sonoridade hippie. Lembro de muita gente virar a cara para o som dizendo que era plágio de outras coisas. Tem a sonoridade hippie San Francisco, a soul music de Stevie Wonder, Al Green e Curtis Mayfield, o rock do Led Zeppelin e um toque de modernidade tipo Prince. Misturei um monte de coisas, mas grosso modo são essas as influências em ‘Let Love Rule’.

E essa mistura da leveza do hippie com o swing da soul music e o peso do rock é perfeita. Escrevendo aqui até parece descrição clichê, mas essa é a melhor forma de dizer. “Fear” é um exemplo maravilhoso do que falo, e uma das melhores do disco – se é que existe uma que seja melhor que a outra.

Outra impressão que tenho e que me é nítida, é o domínio que ele tem sobre o repertório. Ele soube tirar o melhor de cada canção, as dinâmicas, os climas, as partes instrumentais, os vocais e backings. É daqueles discos que é uma extensão da pessoa tamanho é o domínio nas músicas. As linhas de baixo são ótimas. É um disco muito bom de se escutar, tem uma boa energia e dá pra escutá-lo a qualquer hora do dia.

PS: Há uma edição de 20 anos, CD duplo com uma faixa extra, 3 demos e faixas ao vivo.

Tô Côceis e Não Abro

2011-09-10T23:26:00.003-03:00

Tive que atrapalhar os planos e atropelar alguns textos que estava fazendo para o Sete Doses por conta de I’m With You, o novo do Red Hot Chili Peppers.

Aleluia! A banda lançou o verdadeiro sucessor de Blood Sugar Sex Magic. Levou exatos 20 anos pra isso acontecer. Foi em setembro de 1991 que BSSM foi lançado e I’m With You em 30/08/2011. Se saísse em vinil I’m With You seria duplo como foi Blood Sugar.

Tenho que organizar minhas idéias para esse texto, porque escuto exaustivamente o disco e não canso, vou descobrindo os detalhes. Mas antes de tudo é bom dizer que há um percussionista brasileiro em 11 das 14 faixas do disco. É Mauro Refosco, que já tocou com David Byrne, Bebel Gilberto, no Red + Hot + Lisbon, e mais um monte de gente. Será que ele vai em turnê com a banda? Legal que os primeiros shows serão aqui.

Como imaginei Josh Klinghoffer foi absurdamente incorporado a banda. Muito bom. Por tocar com Frusciante no Ataxia, dá pra ver algumas semelhanças. Mas é diferente dele e, claro, também de Hillel Slovak.

A mesma vibe que a banda apresentou com Mother’s Milk e BSSM, quando Frusciante entrou, mostrou agora de novo com Josh. O Frusciante teve a responsabilidade, honra e coragem de substituir Slovak e esses dois primeiros discos com ele são maravilhosos.

O guitarrista novo deu gás novo. As influências de PIL e Gang of Four são claras (ele gosta de fazer uns barulhinhos, efeitos, pedais). Sou fã antigo, ainda dos tempos de “Mommy, Where’s Daddy?”, me sinto a vontade em falar de RHCP. A banda havia se perdido, mesmo quando Frusciante voltou. Não sou fã de Californication, By the Way e Stadium Arcadium. Caiu-se numa mesmice que enjoou. One Hot Minute ainda tem boas coisas. Acabou que a saída de Frusciente foi essencial pra esse novo trabalho ser bom. Bom demais!

Momentos lembram Mother’s Milk e Blood Sugar. Tem coisas maravilhosas, e é praticamente o disco todo: “Look Around”, “Goodbye Hooray” (um final que lembra um pouco as porradarias do Upflit Mofo Party Plan), “Police Station”, “Dance, Dance, Dance”, “Monarchy of Roses”, se deixar ponho o nome de quase aqui. A mais fraquinha é a balada “Meet Me at the Corner”, mas não que seja ruim. Como também tem coisas bem diferentes como também “Dance, Dance, Dance”, “Happiness Loves Company” e “Did I Let You Know”.

No I’m With You o RHCP resolveu sair do lugar comum. Pra variar Flea arrebenta. A primeira vez que escutei o disco foi em um sonzinho caído, com muito grave, mas foi bom porque deu pra ouvir bem o baixo, o velho Flea arrebentando. Esse é daqueles discos que a cada audição percebe-se algo novo. Geralmente esses são os bons.

A banda se deu bem. Esse Josh Klinghoffer é fera e dá pra fazer numa boa esse disco inteiro ao vivo. Agora é esperar pra ver se a convivência com o novo integrante vai aflorar a criatividade da banda e, quem sabe, daqui dois anos não teremos um novo trabalho. Vai saber...

Mais do Mesmo 6

2011-09-01T15:48:00.002-03:00

Quando escrevi ‘Mais do Mesmo 1’ imaginei que fosse o único, e pensei a mesma coisa quando publiquei o ‘Mais do Mesmo 5’. Afinal é mais do mesmo!

Eis aqui eu com meu caderno rabiscando o ‘Mais do Mesmo 6’. Será o último? Já não direi mais “dessa água não beberei”.

Também, de tempos em tempos surge alguma coisa que me inspira a escrever mais do mesmo. Dessa vez foi uma matéria sobre o novo livro do crítico musical Simon Reynolds, que saiu na Folha de SP, dias atrás, onde ele diz que atualmente a cena musical imita o passado recente, dos anos 1990, principalmente. Mas é preciso analisar algumas coisas...

Filosofia gera filosofia...

É preciso ver o fator tempo. Nirvana, por exemplo, gostava de coisas como Husker Du e Pixies, bandas de influencia recente naquela época. Mesmo se você for pensar em punk rock, lembrando que o 1º do Nirvana é de 1989, o 'Never Mind the Bollocks' é de 1977. São 12 anos de diferença.

Se hoje voltarmos para o lançamento de Nevermind, vamos para 20 anos atrás. Mesmo se voltarmos para o 1º do Oasis ou o 1º do Pavement, voltaremos 17 e 19 anos, respectivamente. Passado recente, pra mim, é de 10 anos pra cá e olha lá!

A geração de hoje que tem 20 anos, nasceu com o Nevermind. Com 15 anos, em 1985, eu estava no Filhos de Mengele, querendo imitar Ramones, Clash e Sex Pistols, que haviam lançado seus 1º discos 8 anos antes.

O que aconteceu foi que, falando de rock pop, do final dos anos 1940 até o final dos anos 1980 foram novidades atrás de novidades. Mas cada uma delas resgatando o passado. Dou como exemplo o Rolling Stones dos anos 1960 que queria ser a melhor banda de blues da Inglaterra. Mais ou menos assim: antes do gospel não tinha gospel, antes do blues não tinha blues, antes do rock ‘n’ roll não havia rock’n’roll, antes do progressivo não havia progressivo, antes do punk não havia punk, antes da new wave não havia new wave. Até que um dia isso acabou, e acabou exatamente no final dos anos 1980 e início dos anos 1990, quando Lenny Kravitz lançou o maravilho ‘Let Love Rule’ (post dele já na agulha) com sonoridade hippie, e Stone Roses que resgatou o Beatles e os sixties. São só dois exemplos, tem mais, mas esses são emblemáticos.

O que tivemos entre os anos 1940 e 1980 nunca mais teremos. As novidades vieram de todos os lados, não só na música: cinema, literatura, artes em geral, comportamento, moda.

Por isso, durante todos esses anos cada novo artista, cada nova banda, imitava seus ídolos, mas sempre com algo diferente, com uma assinatura própria. Isso era possível. Ainda nos 1980 surgiram coisas que ainda não existiam como Metallica, Slayer, as bandecas poser, e mais um monte de coisas que surgiram em 1979 e que estouraram nos 1980.

Mas aí na virada de 1980 para 1990 começou a surgir sonoridades já conhecidas, já ouvidas. O grunge era cheio de referências do passado como a folk music, o punk rock e o heavy metal / hard rock dos anos 1970.

Hoje o que acontece é isso, há 20 anos não se tem novidades concretas. Uma coisa aqui outra ali, como o eletro rock, que não pegou como muitos previam. Teve boas bandas e bons discos, mas não chegou a marcar como marcaram cenas anteriores. Strokes, Interpol, Bloc Party, Franz ferdinand, Kaiser Chiefs, Arctic Monkeys, The Coral, Mars Volta, Arcade Fire, The Hives… tudo isso tem sonoridade dos anos 1960-70-80-90. Não teremos mais novidades originais.

O presente sempre se espelhou no passado, não há novidade nisso. Pra sempre teremos mais do mesmo. Normal. Fiquemos sempre com o original e sua imitação mais criativa. Isso já basta.

É a velocidade dos acontecimentos que determina a distância do passado?

É a velocidade dos acontecimentos que determina a distância do passado.

É a velocidade dos acontecimentos que determina a distância do passado!

Série O Resgate da Memória: 23 - Gerson Conrad Solo

2011-08-24T15:38:00.000-03:00

Nota: É interessante ler sobre a ideia que Gerson dá às gravadoras quanto ao trabalho com os artistas, coisa que elas adotam só agora, por desespero.

A Luta de Gerson Conrad Para Lançar Seu Disco

Folha de São Paulo
Acervo Digital
17/11/1975

Carlos A. Gouveia

“A vinculação negativa que existe entre a minha pessoa e o Secos e Molhados, visto por muitos, foi a razão da falta de apoio que encontrei por parte dos empresários e firmas de promoções, que até o momento não me deixaram vir a São Paulo.”

Com essas afirmações Gerson Conrad justifica sua ausência de São Paulo e também o fato de não ter feito até agora o lançamento oficial de seu primeiro disco, junto com Zezé Mota, após a dissolução dos Secos e Molhados. Gerson afirma que, por falta de verba de patrocínio próprio, uma vez em que sua gravadora, a Som Livre, procura investir no artista, deixou o público paulista esfriar quanto à expectativa que havia criado em torno deste seu disco. João Ricardo e Ney Matogrosso haviam lançado seus disco e faltava o de Gerson, aguardado com muita ansiedade pelo público de rock, que, por falta de apoio da própria gravadodra, acabou caindo num quase esquecimento, deixando de aprovaitar uma chance valiosa com o clima de espera que se formou em meados deste ano.

“É curioso como aparece que as pessoas têm medo de alguma coisa. Recebi muitas propostas de Moraci Do Val, que eu considero um dos melhores empresários brasileiros, mas não houve acordo, por falta de tempo, talvez. Por mais massacrado que ele foi na época da dissolução do grupo, eu ainda acredito nele como empresário. O pouco que o conheci, trabalhamos muito...”

Zezé Mota fez uma observação quando ao show-business brasileiro: “Eu acho que está havendo uma crise no meio empresarial, um medo geral. Estou vendo muitas pessoas desistirem.”

Gerson continua falando dos problemas que tem enfrentado, particularmente dentro de sua gravadora. “A Som Livre, como qualquer gravadora, não se interessa em financiar ou investir para que seus artistas façam shows, o que fatalmente ajuda na venda dos discos. O argumento deles é incrível, pois alegam que “se fizermos com um, vamos ter que fazer com todos.” Eles garantem chamada na TV Globo, o que, sem dúvida, ajuda muito, como propaganda na venda dos discos, mas ao mesmo tempo, se quisermos utilizar a mesma chamada e botar um texto em cima para anunciar um show, eles só fazem se a gente pagar, ou melhor, comprar o anúncio da Globo que é sabido que custa uma fortuna.”

Zezé Mota: “A gravadora não fez nada pela gente. Eles investem em termos de produção, depois cortam tudo, não dá pra entender; preferem lançar discos de novelas, que é muito mais seguro, mas artisticamente não é nada. Produzem apenas por produzir. Já falaram até que se um dos sete contratados estourar, será o suficiente; os outros ficarão “gelados”...

Gerson Conrad: “E tem mais: eles prometeram lançar nosso disco dia 7 de julho e acabaram lançando dia 11 de agosto. Foram três meses de espera e prejuízo para nós. Eu já havia mobilizado toda a imprensa e tivemos que fazer um coquetel em casa para justificar o show que já estava programado para julho, quando eles prometeram que o disco ia sair. Fizemos assim mesmo. A gravadora não entrou com nada."

Gerson lembrou de uma passagem curiosa da época dos Secos e Molhados: “Sabe, naquela época diziam que os Secos e Molhados era um grupo que gravava e tocava apenas para a imprensa. Isso é gozado, não é Gerson”?

“Pois é. Sabe, nós éramos muito unidos no inicio e por isso aconteceu aquele tremendo sucesso. Depois fomos cada um para um lado, simplesmente por desilusão. Os Secos e Molhados, para mim, foi uma faca de dois gumes. Por ter pertencido ao grupo mais famoso do País, sofri muito. Com todas as pessoas que eu ia negociar aparelhagem ou qualquer outra coisa, procuravam me explorar, pensando que eu fiquei milionário, que eu era um Tio Patinhas, com quem não tenho nenhum parentesco. Foi uma época muito difícil. Aos poucos consegui mostrar para as pessoas a verdade. Artisticamente não vou negar que foi muito bom porque me deu nome. Foi uma fase importante dentro de minha carreira.”

Gerson parece bem inconformado com sua situação dentro da gravadora. Diz que foram feitas certas imposições, do que seria comercial ou não dentro do seu LP: “Trem Noturno foi a escolhida por eles como a mais comercial. Eu não acho comercial e não me preocupo com isso. Considero que um disco de dez ou doze faixas, se todas foram gravadas, obviamente é porque elas existem. Mas o que deve ter lavado a Som Livre a escolher essa música, é que ela possui frases melódicas repetitivas. A capa do disco, por exemplo, não tem nada a ver com “Trem Noturno”. Escolheram um trem velho, talvez para uma fácil comunicação com o povo. Não vejo outro motivo.”

Gerson acha que “Trem Noturno” é a música mais infantil do disco e, “por causa dela, alguns críticos cariocas nos chamaram de alienados, porque não possui mensagem. A época não está para mensagens”, frisou Gerson.

Mesmo com todos os problemas, Gerson Conrad diz que não pretende e nem gosta de mudar de gravadora, e apoia o provérbio citado por Zezé Mota: “Mudar de marido é mudar de defeito.” Gerson aponta a divulgação como a maior falha da gravadora. Disse que pediu uma planificação de divulgação, na época do lançamento de seu disco, nada recebeu como resposta: “Não tenho nada contra João Araújo, que é o diretor da Som Livre. Tenho muito contra o sistema que a gravadora usa para divulgação. Quando o disco saiu, eu fui com o divulgador, levado por ele três vezes a mesma emissora de rádio. É um absurdo.”

Gerson aponta sua união com Zezé Mota como uma das melhores coisas que já aconteceram em sua carreira. Conta o início: “Fui assistir Godspell e fiquei impressionadíssimo com a atuação de Zezé e também com sua voz. No Secos e Molhados eu era o único que ficava atrás. Quando parti para carreira-solo, achei que não tinha “background” suficiente para estar na frente de um palco. E Zezé, além do apoio vocal, me deu essa segurança. É um trabalho em conjunto onde existe um espírito só, e isso é importante, dá mais abertura.”

Sobre a atual situação do rock, no Brasil, Gerson Conrad acha fantástico e sem novidades. Fantástico porque “a batalha dos músicos de rock para sobreviverem e conseguem, é incrível, e sem novidades, porque existem”. Diz que o que mais aborrece é a falta de criatividade da maioria desses músicos. “Admito influencias, mas não cópias. Deixei de incluir em meu LP a música “O Gomo da Laranja” porque, depois de gravada, notei frases de guitarras iguais ao do guitarrista do “Yes”. Um exemplo típico de um trabalho criativo e bem elaborado é o do grupo Barca do Sol.”

Gerson Conrad, Zezé Mota e seu grupo deverão estrear em São Paulo, na “I Semana Nacional do Rock’n’Roll”, dia 3 de dezembro, no Teatro Bandeirantes ao lado de Próspero e Joelho de Porco.

Autoramas & BNegão ou Auto Planet ou Hemp Ramas

2011-08-21T19:20:00.004-03:00

Nunca fiz esse tipo de coisa no Sete Doses de Cachaça. Mas depois de assistir ontem (sábado 20/08/2011) ao show de Autoramas e BNegão, não pude deixar de registrar esse momento divertidíssimo para postar aqui.

O show aconteceu no Beco 203, na Rua Augusta. Recentemente fui lá para ver (e nunca mais esquecer) o belíssimo show do Television.

Mas de longe esse encontro de Autoramas e BNegão gerou o show mais divertido que vi no Beco. A casa abriu esse ano, e já fui no mínimo em uns 10 shows. Fora esse outro bem divertido também foi o Mockers (só belíssimas versões de Beatles).

O show começou acho que às duas da manhã e eu no maior ressacão brabo! Só na tota tola. 6ª feira foi loooooonga e divertida. Confesso que em um certo momento em casa me vi cantando "Should I Stay or Should I Go", mas como sabia que algo bom ia acontecer, então... Há anos não via um show do Autoramas e a banda tem tocado um bocado aqui em São Paulo. Sou fã das letras e riffs de Gabriel, o Thomaz.

Primeiro Autoramas fez um set seu, de (acho) sete músicas (uma nova), depois entrou BNegão e foi assim até o final. Tocaram Planet Hemp (algumas), Little Quail, Daft Punk, uma lindíssima versão de Lou Reed (“Walk on the Wild Side”), Dança do Patinho, uma engraçada versão de “Let’s Groove” do Earth, Wind and Fire, “Garotos do Subúrbio” do Inocentes e fechando com chave de ouro um B-52’s..

Sou péssimo para analisar números, mas me arrisco em dizer que devia ter uma 300 pessoas lá e uma das coisas que fez o show ficar mais engraçado e divertido foi o astral de todo o lugar. Todo mundo dançando, todo mundo já alto, todo mundo cantando. Bom demais!

Aí a certa altura eu vi que aquele momento valia à pena registrar – e tinha um monte de gente fazendo isso, até uns fotógrafos profissionais. Então puxei a câmera do meu celular, que é um lixo e fiz diversas fotos. Não satisfeito também fiz tocos vídeos de 15 segundos cada. O Nokia X2-01 pode ser bonito e caro (não comprei), mas sua câmera é um lixão.

Encontrei também o velho camarada Cazé Pecini. Esse showzaço ajudou a minha ressaca passar um pouco.

PS: Se a câmera de foto do celular é lixo, imagine então a de vídeo. O que vale é o registro, mesmo que podre.

O Dólar de Um Milhão

2011-08-16T11:34:00.001-03:00

Aperta o Play Produções Esdrúxulas Apresenta:

O DÓLAR DE UM MILHÃO

Débora e Ricardo foram com amigos à uma cantina comer o nhoque da sorte. Eles precisavam de duas notas de um dólar para colocá-las embaixo do prato, como diz a tradição.

A família de Débora, pai, mãe e irmã, moravam no mesmo bairro e ela se lembrou de que seu pai tinha recém chegado de uma viagem de trabalho aos EUA. Ligou pra ele que disse a ela que tinha trinta e poucos dólares em casa.

Após o almoço foram todos à casa de um dos amigos para uma sobremesa caseira e café. Ricardo parou o carro a um quarteirão da casa onde iam e ele e Débora seguiram a pé até o endereço. No curto caminho surgiram duas crianças de, no máximo, 11 anos pedindo alguma coisa pois estavam com fome. A única coisa que o casal tinham era os dois dólares do nhoque da sorte. Débora os ofereceu as crianças que aceitaram na hora. Ela ainda alertou: “Olha, esses dólares são da sorte!”. A criança mais nova ficou curiosa e quis saber o motivo. Débora contou a tradição do nhoque e disse que aquele dinheiro ai trazer mais dinheiro.

Vanessa tinha 10 anos e Juliana tinha 8. As duas irmãs estavam fora de casa havia três dias e é, infelizmente, a clássica história do padrasto desempregado e alcoólatra que abusa das crianças e mãe omissa e também alcoólatra. Ninguém tava nem aí para as meninas, que tinham que se virar para sobreviver.

As duas ficaram com a pulga atrás da orelha e não estavam acreditando naquele dinheiro estrangeiro. Perto de onde estavam tinha um hospital e elas eram amigas de um dos flanelinhas daquela área. Foram até ele para pedir ajuda.

Robson tinha 23 anos e há 5 se ocupava como flanelinha da principal rua do Hospital Central. Guardava e também lavava os carros. Era honesto, trabalhador, ajudava em casa, e ainda sobrava dinheiro para se divertir.

Ele disse as meninas que era dinheiro americano de verdade e disse que dava 10 reais pelos dois dólares (os dois valiam, na época, uns 5 reais). Elas negaram a oferta dizendo a ele que se tratava de dólares da sorte e que valia mais que 10, porque eles vinham de família muito rica e estrangeira, exagerando sobre a origem daquele dinheiro. Vanessa ainda disse que tinha vinda de gente famosa. Então Robson deu a elas 20 reais, o que para Vanessa e Juliana era uma fortuna.

Robson ficava admirando os dólares como se fosse uma grande barra de ouro. Ali ele chegou a conclusão de que aquele dinheiro não tinha chegado à ele sem querer, e que eram seus dólares especiais, intocáveis. Ainda na cama admirava o dinheiro e nem mostrou para a família.

Dez dias depois de ter comprado os dólares, Robson teve que salvar seu primo de uma dívida de jogo. Coisa boba, aposta de sinuca de boteco, mas acabou devendo 50 reais a um cara da turma dos traficantes da área conhecido como Pé na Cova. Era pagar ou morrer. Robson foi conversar com Pé na Cova e resolveu abrir mão de seus dólares da sorte. Com muita lábia conseguiu convencer Pé na Cova de que se tratava de dólares que tinham pertencido a “uma grande estrela do cinema americano”.

Mentiu dizendo que havia pago 30 reais por cada dólar e que iria revendê-los por 60 reais cada um, mas que daria a ele para saldar a dívida de seu primo. Trato feito. Pé na Cova ficou com os dólares.

Pé na Cova, na verdade, era um tipo de garoto de recados dos traficas da área. Era o famoso assistente do mosquito do coco do cavalo do bandido, ou se preferir, o Aspone (Assistente de Porra Nenhuma), mas mesmo assism botava panca de mau, andava armado e vivia com dinheiro graças as gordas gorjetas que ganhava pelos serviços prestados. Agora era ele quem tratava os dólares como especiais. Pé na Cova tinha certeza de que aquele dinheiro iria trazer mais dinheiro a ele. Seu sonho era morar em Miami e gravar um CD de rap cantando em inglês.

Tempos depois Pé na Cova tomou uma geral da polícia. Por sorte estava sem sua arma, voltando da balada para casa a pé com amigos. Era madrugada e tomaram um baculejo por nada, só por estarem conversando alto e rindo no meio da madrugada.

Um dos policiais, obviamente folgado, abriu a carteira de Pé na Cova e achou os dólares. Puxou-os e falou: “olha, o pivete tem dinheiro americano! Andou assaltando gringo moleque?”. Ao ver a cara de decepção de Pé na Cova, o policial ficou intrigado e quis saber se os dólares tinham alguma coisa de especial.

“Paguei 100 reais em cada um deles”, disse Pé na Cova, e completou afirmando com absoluta convicção de que aqueles dois dólares tinham pertencido a cantora Madonna. Disse que iria emoldurá-los para vender, e completou dizendo que os dólares tinham sido gorjeta dada pela própria cantora na última vez que ela tinha vindo ao Brasil. Claro que o policial pegou os dólares para ele.

O policial Danilo tinha o desejo de terminar de fazer o 2º andar de sua pequena casinha na periferia. Apesar de corrupto, não era rico e nem vivia com folga financeira. Na área onde mora tem que disfarçar sua profissão. Na verdade o fato de ser corrupto pesa na consciência de Danilo, mas tendo 4 filhos para criar, só seu salário não basta. Ele costuma jurar para ele que assim que terminar a obra na laje, vai parar com as ilegalidades.

Ele só precisava de mais R$ 1.200,00 para acabar sua casa. Resolveu acreditar naqueles dólares e colocou cada dólar em uma moldura. Com eles na mão resolveu que iria vendê-los a R$ 600,00 cada um.

Um dia Danilo teve que ir ao Fórum Criminal e depois de horas lá, conversando com um advogado particular, contou a ele sobre os dólares de Madonna. O advogado mostrou interesse já que suas filhas eram fãs de Madonna. Danilo percebeu que o advogado era bem rico e pediu 800 reais por cada dólar. Conseguiu vendê-los ao advogado 600 cada um, como queria.

Dr. Ronaldo era um advogado bem conceituado, bastante requisitado e caro. Tinha seu escritório, seus clientes, era professor, autor de livros e palestrante. Morava em bairro de altíssimo padrão e tinha até casa no exterior. Uma de suas filhas, a Carolina, era uma geniazinha de 19 anos que estava de mudança para os EUA para estudar em Harvard bem na época em que ganhou o dólar do pai.

Depois de um ano nos EUA, Carolina resolveu dar uma festinha em casa. Muitos convidados questionaram sobre o dólar pendurado na parede. Carol contou a história, mas um dos colegas questionou sobre o selo de autenticidade, mas Carol disse que não tinha como consegui-lo já que foi uma gorjeta dada no meio da rua. Disse que para ela não importava em ter o selo.

A festa seguiu, todo mundo encheu a cara, inclusive Carol. A casa ficou de pernas para o ar e o dólar de Madonna havia sumido. Alguém tinha roubado.

Kelly era inglesa e estava de passagem por Harvard e, dois dias antes de voltar à Londres, acabou indo à festa de Carol, mas sem conhecê-la, foi com um grupo de amigos. Ela também era muito fã de Madonna e, a certa altura, bêbada como todo o resto da festa, pegou o dólar da parede colocou dentro das calças e foi embora. Ninguém viu.

Cheia de ideais hippies e humanitários, Kelly resolveu incluir o dólar em um leilão que a ONG onde trabalhava estava organizando em pról das crianças doentes e desnutridas da Etiópia.

Kelly deu mais uma investida e trocou a moldura por uma mais bonita, cara e segura. Disse aos amigos que, apesar de não ter selo de autenticidade, aquele dólar tinha sido de Michael Jackson, dado por ele como gorjeta a uma menina pobre da favela Dona Marta no Rio de Janeiro onde ele havia gravado parte do videoclipe da música “They Don’t Care About Us” em 1995.

A ONG e os organizadores do leilão acreditaram na história e resolveram ir atrás do selo de autenticidade para o agora dólar de Michael Jackson. No fim das contas a família Jackson, ainda abalada pela morte de Michael, acabou validando o dólar, já que também não tinha como ter certeza se tinha sido dele ou não. Mas vinda de uma ONG séria, também acreditou e validou toda a história.

No leilão, um rico investidor que não se identificou, comprou o dólar pelo preço final de 1 milhão de dólares e o doou para o Museu De Young em San Francisco, nos EUA. Não muito tempo depois, um terremoto atingiu San Francisco e o De Young veio abaixo, não sobrando praticamente nada dele em pé. As primeiras pessoas a passarem pelo Museu após o terremoto foram alguns mendigos, que acabaram pegando alguns objetos de prata e ouro antes mesmo da polícia chegar. Um desses mendigos achou o dólar de Michael Jackson fora da moldura, que havia quebrado inteira, e colocou-o no bolso, já que estava juntando uns trocados para comprar um maço de cigarros.

Tecn-O-ver

2011-08-10T16:30:00.000-03:00

Nasci em 1970 e mesmo sendo jovem já passei por diversas revoluções. Certamente a mais importante delas e a tecnológica. O que vivemos nos últimos 10 anos foi intenso, marcante. E o melhor (ou pior): ainda vivemos essa revolução tecno que, acredito eu, ainda será intensa pelos próximos 10 ou 20 anos. São descobertas diárias. Lembro que em 1984 fiz um estágio na SERPRO e achava tudo muito estranho. Aqueles computadores, a linguagem Basic (Go to...), eu olhava tudo aquilo com desconfiança e nem imaginava que um dia teria um computador em casa. Pra mim, computador era coisa da Nasa e só.

Se pensarmos em site, e-mail, MP3, Napster, You Tube, celular até chegarmos nos atuais dispositivos móveis, você verá que tudo isso aconteceu em pouco mais de 10 anos. Apenas 10 anos!!!! O You Tube foi inaugurado em fevereiro de 2005, ou seja, tem pouco mais de 6 anos, mas parece que o You Tube sempre existiu.

Comecei a trabalhar com 15 anos, e o computador só foi entrar na minha rotina profissional em 1997-98. Aos poucos a tecnologia, que era privilégio apenas das grandes empresas, passou a fazer parte das médias e pequenas também, até finalmente chegar a todas as casas. Quando penso em internet discada, parece que volto 30 anos.

Ainda fico boquiaberto de pensar que temos um aparelho que cabe em nosso bolso e que é telefone, câmera de foto e vídeo, computador, agenda, despertador, tocador de música, rádio, televisão... Coisa dos Jetsons!

Site, blog, Orkut, Facebook e Twitter. A forma virtual de se comunicar também evoluiu e essa evolução continua firme e forte. Porém vejo que parecemos àquela criança que ganha o presente desejado e não o larga nem na hora de dormir. Anos atrás li uma matéria sobre as pessoas que ficavam depressivas e inseguras por não receber e-mails, torpedos e ligações no celular. Recentemente li que existem pessoas que acabam de transar e já pegam o IPad para usá-lo; e de gente que fica mais preocupada em fotografar e relatar no twitter o lugar onde está do que simplesmente se divertir. As pessoas estão ficando paranoicas!

Em um feriado no início do ano fui a um restaurante com toda a família. Era um almoço, a cidade vazia, dia agradável. Num chutômetro digo que das 20 mesas ocupadas, apenas umas 5 não tinham alguém mexendo em seu aparelho, seja IPhone ou IPad. Em 100% dessas mesas praticamente não havia diálogo algum.

Já vi jogadores de futebol, mais velhos, reclamar da falta de diálogo nas viagens e concentrações, tudo por conta do lap top, do celular, do twitter ou do vídeo game. É realmente estranho esse comportamento. Entro no ônibus e vejo pessoas com celular na mão fuçando no Facebook. Isso porque acabaram de sair do trabalho, onde ficaram o dia inteiro em frente ao computador e, claro, conectados nas redes sociais. Se fosse apenas escutando música ou rádio...

Ninguém mais relaxa, se desliga de toda essa tecnologia para simplesmente se divertir em uma mesa de bar, em casa com amigos, num cinema, viagem, enfim.

Tenho dois amigos que, quando viajamos, eles ficam conectados no desktop, lap top ou IPhone. Todos a noite assistindo a um filme ou numa roda de conversa com bebidas e petiscos e os dois concentrados em seus aparelhos. Outros amigos ficam recebendo pelo celular sinais de e-mails, postagens em Twitter e Facebook, uma verdadeira paranoia. A pessoa vê um programa de televisão com o IPhone ao lado, e a cada coisa que acontece e alguém tuita, o celular faz plin, e lá vai ela ver o que escreveram. Geralmente isso acontece com mais intensidade quando é programa ao vivo ou jogo de futebol.

Fico me perguntando se isso é de fato paranoia, é o comportamento humano que mudou, é doença, vício, exibicionismo, solidão. Eu quero acreditar que seja uma adaptação, como um deslumbramento inicial. Observo essa troca entre o seguido e o seguidor e sinto uma ansiedade de quem posta e de quem lê. Qual motivo dessa ansiedade? Porque querer escrever qualquer coisa e querer ler qualquer coisa?

Até os grandes veículos de comunicação estão perdidos com tantas ferramentas. A margem para erros está muito grande. Qualquer coisa vira notícia. Parece que é obrigação transformar qualquer coisa em notícia. Todo mundo em busca de um furo, uma exclusividade, quando hoje isso está cada vez mais difícil. É preciso ter calma.

É preciso entender que hoje temos na mão um monte de tecnologia que não faz diferença alguma para nossa sobrevivência. Se não existisse computador, celular, internet, televisão, rádio e outras coisas do tipo, estaríamos vivendo nosso dia a dia normalmente: trabalhando, estudando, viajando, namorando, conversando, se divertindo... tudo normal.

Dizem que quanto mais gente na cidade, mais solidão sentimos. Quanto mais tecnologia mais solidão?

MTV Na Chapa

2011-08-04T00:24:00.000-03:00

Outro dia peguei zilhares de DVDs com zilhares de coisas neles, tudo trabalho meu, desde institucionais chatos que fiz para grandes e pequenas empresas, até reality shows, clipes e muitos programas de televisão, incluindo os que fiz na MTV.

Um dos que me fez parar para assisti-lo foi o MTV Na Chapa. Apesar de ter sido pouco visto e ser nada lembrado, esse é um dos programas que moram no meu coração. E ele fez revolução na Music Television.

Na Chapa estreou na grade de programação de 1996 e ia ao ar das 6h as 8h da manhã. Era o programa que abria a programação do dia. Só conheci um amigo que de fato o assistia, pois acordava muito cedo e, enquanto via o Na Chapa, fazia caminhada na esteira...

Na Chapa exatamente por ser pela manhã. O cenário era um quarto e o apresentador era o Cazé. O figurino era pijama e nesse quarto tinha armário com roupas, cama, mesa com café da manhã (só no início, 1º mês).

Eu era o diretor e redator. Foi o primeiro programa da MTV a não falar sobre música. A idéia era falar de qualquer coisa... qualquer coisa mesmo! Tanto que uma de minhas fontes era o recém-lançado Guia dos Curiosos, de Marcelo Duarte. Fora ele, eu usava almanaques, jornais, enciclopédias, revistas e outros livros. Se na época existisse internet eu o faria com o pé nas costas.

Era difícil escrevê-lo. Eram muitas cabeças para gravar! Eu escrevia de tudo: esporte, comida, cinema, atualidades, comportamento, sexo, mundo animal, cultura inútil, efemérides e até música! Chegou a um ponto em que comecei a entrar em paranoia por falta de fontes. Qualquer coisa virava texto para o Na Chapa. Escrevia tarde da noite, nos finais de semana... ele começou a me ocupar por todo tempo. Eu podia estar em casa tranquilo vendo jornal na televisão e se viesse uma reportagem com um assunto legal lá ia eu pegar papel e caneta para escrever um texto. Em 1996 teve as Olimpíadas e o cinema completou 100 anos. Criei séries de textos com esses temas.

Eu não escrevia no computador - só tinha um no departamento inteiro. Nessa época textos de todos os programas eram escritos à mão no próprio espelho do programa. Por serem maiores, os textos do Na Chapa eu escrevia em uma folha sulfite a parte.

Passei um bom perrengue com a criação desses textos e isso foi mais do que uma escola pra mim. Para Cazé também, já que não havia teleprompter, e ele muitas vezes só conseguia o texto pouco antes de gravar (eu fazia de tudo para entregar um dia antes). Esses textos ajudaram a moldar o tipo que Cazé criou.

Claro que não falo por ele. Falo por lembrar de seu esforço, sua concentração e evolução, afinal, gravávamos de 2ª a 6ª.

Fora os textos cabeludos, Cazé ainda era obrigado a chamar o clipe que iria passar na sequência, e isso era péssimo, já que ele tinha que decorar um texto sobre a vida das abelhas e depois ainda falar “e agora vamos ver Sheryl Crow com All I Wanna Do”. Isso atrapalhava. Levei à direção da emissora o pedido para que Cazé não mais anunciasse os clipes. Deu rebu! Pode? Não pode? No fim das contas os nossos argumentos venceram a direção. Não anunciar clipe foi outra revolução e nos ajudou pra caceta! Hoje isso pode parecer banal, mas na época foi motivo de muita conversa e discussão. Inclusive teve gente que não gostou...

Eu fazia especiais sobre grandes nomes da música, da literatura, do cinema. Dediquei programas inteiros a Charlie Parker, Alfred Hitchcock, história do Brasil...

O Na Chapa era gravado cedo, em torno das 8h-9h da manhã e sua gravação era demorada. Nessa época o Teleguiado começava ao meio dia, então o cenário foi pensado para essa facilidade de se mudar rapidamente. As paredes laterais do quarto (onde ficavam a cama, os armários) eram de rodinhas e o lado oposto delas era o cenário do Teleguiado, ou seja, acabava a gravação do Na Chapa, recolhíamos todos os objetos, virávamos a parede e pronto! Era o tempo do Cazé sair, comer algo rapidamente, trocar o figurino e ir para o estúdio novamente.

No Teleguiado usávamos, muito pouco, uma micro câmera que já era ligada e balanceada junto com a câmera do Na Chapa. Não deu outra: em menos de um mês estávamos nós no Na Chapa usando a micro muito mais que no próprio Teleguiado (toda a equipe era a mesma nos dois programas). A usávamos tanto que chegou um momento que desisti da betacam e passei a usar apenas a micro câmera. Digo de brincadeira, apesar de ser verdade, que o Na Chapa foi o primeiro programa diário da TV brasileira a ser feito 100% com micro câmera. Coincidência ou não, depois disso o uso de micro câmeras em programas de televisão aumentou consideravelmente.

Da mesma forma que surrupiei a micro do Teleguiado, Cazé também passou a usar os textos do Na Chapa como pauta para o Teleguiado. Ele, na verdade, gostava, antes do programa, de sentar e folear alguns jornais atrás de assuntos bacanas, mas nem sempre ele conseguia fazer isso, então passou a usar os textos que já tinha em mãos. Depois o Teleguiado passou a ser das 20h as 20h30.

No Na Chapa eu inclusive usava recursos da mesa de vídeo para fazer um programa inteiro em preto e branco, colocava sujeiras na tela (como nos filmes velhos de Super 8), duplicava o Cazé no vídeo e todo dia inventávamos algo diferente para fazer.

Esse maravilhoso programa me sugou muito, mas foi um verdadeiro laboratório principalmente pra mim e para o Cazé. Aprendi muito.

Até Zé do Caixão fez o Na Chapa!

PS: Infelizmente não há nada do Na Chapa no You Tube. Dedico o texto ao Ticão que, apesar dos contra tempos da vida, continua piadista. Uma lição!

A trilha sonora era sempre com músicas mais calmas: Frank Sinatra, Carpenters, Durutti Column, Al Green, Chopin, Glenn Miller, entre outros. Na maioria das vezes eram CDs meus, e uma das trilhas recorrentes era Neil Young.

Sobre Strokes, 2011 e Outras Bandas

2011-07-27T15:02:00.000-03:00

The Strokes

Em março de 2011 saiu o 4º disco de estúdio do Strokes chamado Angles. Título perfeito para um disco nota 10 com louvor.

Só li e ouvi bobagens dos críticos e até de fãs. Angles é o disco experimental do Strokes, bem gravado, bem produzido e com ótimas composições.

Mates of State

O Strokes trouxe a sonoridade pós-punk para o século XXI e isso não é pouca coisa! Com Is This It e Angles o Strokes, se quiser, já pode se aposentar.

Não me importa se a banda não estava bem durante as gravações ou o que londrinos e nova-iorquinos irão dizer do disco. O troço é bom à beça! É um tapa na cara dessa cena que está aí e que só pensa na pose (olha aí o Lobão outra vez). É tudo pose mesmo!

Foo Fighters

Em Angles ouvi ótimas referências: Durutti Column, Joy Division, Kinks, Tones on Tail, PIL e até música brasileira (“Call Me Back”). Finalmente vi mais espaço para o talento monstro do baixista Nikolai Fraiture. Linhas maravilhosas!

O que o Strokes fez em Angles é exatamente o que reclamo no texto “O Rock Morreu! Vida Longa ao Rock!!!”: ousou, experimentou, arriscou, foi adiante e nos deu um ótimo álbum com canções que poderão servir de norte para quem não tem coragem de arriscar. Assim como há 10 anos, quando a banda lançou o Is This It e se tornou a principal referência rock do início dos 2000, agora novamente faz o mesmo. Angles é uma boa referência para esta segunda década desse novo milênio. Como seria bom ver alguma banda brasileira fazendo um trabalho como este! Como seria bom ver uma banda brasileira simplesmente com um bom trabalho...

Ataxia

Não há do que reclamar sobre os lançamentos de 2011 (só não podemos olhar para o Brasil). Além de Strokes, em março foi lançado Collapse Into Now do R.E.M. e, em abril, Wasting Light do Foo Fighters. E ainda vem por aí o novo do Red Hot Chili Peppers (I’m With You para agosto) e o novo do Mates of State (Mountaintops para setembro).

R.E.M.

Do Mates of State, que é ultra desconhecido aqui, já vi clipe novo e já deu para perceber que vem coisa boa (algo como o Bring It Back de 2006). Só não consegui descobrir se o duo agora virou quarteto...

I’m With You, do RHCP, tem novamente a produção do mestre Rick Rubin, mas o grande barato desse disco vai ser ouvir o novo guitarrista Josh Klinghoffer que tocava (ou ainda toca) com John Frusciante no Ataxia - que é de arrepiar - prato cheio para quem gosta de PIL como eu.

Minha expectativa para I’m With You é grande, mas o temor também, já que a banda não lança nada de bom desde Blood Sugar Sex Magic de 1991 – salvo algumas boas canções espalhadas pelos quatro discos posteriores a ele.

Metallica

O problema é que tem banda que acha uma fórmula e dela não sai mais. RHCP e Metallica são exemplos dessa escravidão de fórmulas descobertas. Ok, St. Anger e Death Magnetic são bons, mas Metallica pisou na bola com Black Album, Load, Reload e S&M.

Quanto ao R.E.M. desconfiei quando li declaração de Michael Stipe dizendo que o Collapse Into Now era o melhor trabalho da banda desde Document. Falei: “Duvido!”. E era verdade de Michael! Do Foo Fighters, só de ter gravado um disco aos moldes antigos, todo analógico, já dava para esperar algo bom, e foi tiro certo! Sem falar na volta do grande Pat Smear!

Com R.E.M., Foo Fighters, Strokes, Red Hot Chili Peppers e Mates of State certamente 2011 pode acabar já em setembro.

Série O Resgate da Memória: 22 - Titãs na TV (Bizz, 1985)

2011-07-20T15:13:00.000-03:00

Revista Bizz nº 1 – agosto/1985

TITÃS NA TV

Maquiados e coreografados eles parecem ser feitos de encomenda para a tela. Até batizaram de Televisão o novo LP. Nossa repórter Luísa de Oliveira foi rãsás da bandas nos programas de auditório. Luzes, câmera, ação!

30/4 - Perdidos na Noite
No camarim, próximos a Eduardo Araújo, os oito Titãs são abordados por Lúcia. fundadora de seu fã-clube. Distribuição de chocolates e chicletes para todos.
No palco, fala o imenso apresentador Fausto Silva: “Um programa ensaiado no ar". É verdade, O monitor volta a pifar, um amplificador está queimado e a produção perdida. "Acertou o som aí?. Ao vivo, Titãs no Perdidos na Noite!! Primeiro lugar no concurso de marionetes!"
E entra no ar uma raridade no circuito televisivo: eles tocam ao vivo mesmo, sem playback. De uma só enfiada: "Autonomia" e "Televisão" (do novo LP) mais "Toda Cor" e “Sonífera Ilha". Apesar da aparelhagem não corresponder e mesmo com as vaias de alguns metaleiros presentes – “são muito comerciais", é a queixa de um deles - a platéia canta com Paulo a última música.

2/5 - Porque Hoje É Sábado
O grupo chega e vai "fritar", ou seja, esperar pela gravação na lanchonete. Lá um dos produtores do programa pede pela presença de um Titã até o final, quando haverá um debate com a sexóloga Maria Helena Matarazzo.

Ao começar a gravação, Branco é o único a deixar a lanchonete para sentar-se, no estúdio, ao lado do veterano cantor Pery Ribeiro. Os outros sobem mais tarde e flagram, através de um monitor, o diretor de pornochanchadas Davi Cardoso dissertando sobre pornografia e malufismo.
Charles vai dublar de pandeiro na mão: "Aqui o playback é muito baixo e a bateria acaba soando mais alto que a música.
Um apresentador formal, o sr. J. Silvestre: "O sucesso de hoje aqui está. Nossos aplausos para o grupo Titãs". Entra o playback de "Toda Cor" e a pequena platéia se anima.
E o tal debate sexológico? Fugiram todos.

3/5 - Hebe Camargo
“Agora um conjunto gracinha. Alegria, juventude para o Brasil. Titãs!”
Lá vem o playback de "Toda Cor". É a última vez que fazem esta música na TV. Mais uma vez, o baterista Charles reduz o arsenal para um pandeiro.
Enquanto isso, Branco canta coladinho na apresentadora: "Eu preciso de você agora/ por favor meu bem não vá embora". As gargalhadas de Hebe estão alguns decibéis acima da música, o que provoca alguns gritos da produção: "Arranca o microfone dela!!!"
Até a última nota, o auditório engrossa o coro dos Titãs. Quando eles já deixaram o palco, a apresentadora ainda está tomada por seu acesso de riso: "Vocês viram só que aula de ginástica? Muito engraçado".

26/5 - Cassino do Chacrinha
A Kombi da produção vem buscar o grupo no hotel. Antes de entrarem no teatro, clic - uma pausa para fotos com as fãs. Lá dentro, são submetidos a uma longa sessão de maquiagem: rostos brancos e batom vermelho compõem um estilo new circense.
Ao brado do sr. Abelardo Barbosa - "Titããss!!" - soltam o playback de "Insensível". O volume ensurdecedor recebe ainda a contribuição de uma sirene, dos berros da claque e da platéia. Longe do rebolado das chacretes, um assistente de câmera está desesperado para conseguir enquadrar todos os oito em sua mirabolante coreografia.

Ingressos e Crachás: 3 - Shows Que Não Me Lembro

2011-07-13T11:22:00.001-03:00

Não sei você, mas eu já tentei fazer um exercício impossível: um belo dia resolvi lembrar de todos os shows que assisti. Não consegui.

Os anos 1990 particularmente foram ricos nesse sentido. Tinha show praticamente todo final de semana: Aeroanta, Dama Xoc, Espaço Retrô, Der Temple, Britânia, Garage, Urbano, Columbia, Empório Cultural, Centro Cultural, Olympia, Palace, festivais, eram muitos os locais, dos menores aos maiores.

Inclusive houve um tempo na MTV que bastava você mostrar seu crachá de funcionário para ter acesso livre, tanto em shows brasileiros, quanto internacionais.

Algumas vezes os ingressos apareciam em cima da mesa, outras vezes era nome na lista. Mas a medida em que o tempo foi passando, esse privilégio foi diminuindo, chegando ao ponto de o ingresso ir de preferência para quem gostava muito do artista ou então por se tratar de um nome que fazia parte direto de seu trabalho, por isso, fui em quase todos os shows de punk rock, hardcore e heavy metal realizados nos anos 1990, afinal eu era o diretor do Fúria Metal (depois só Fúria).

Não dá pra dizer, por exemplo, o melhor show do Sepultura que assisti, afinal foram muitos. O que me vem à cabeça na hora que lembro de Sepultura ao vivo, são dois ensaios: um quando se preparavam para gravar o Roots e outro quando Derrick tinha acabado de entrar para a banda. Isso não dá pra esquecer.

Em São Paulo, a principal casa de shows dos 1990 era o Olympia, que ficava na Lapa. Um dos primeiros shows que assisti lá foi o do Yellowman, com abertura do Cidade Negra ainda com o Ras Bernardo no vocal. Esse show me faz lembrar de um baseado “da lata” numa época que ninguém mais tinha. Não vi o show inteiro, mas valeu. Yellowman é fera.

O show do Beastie Boys eu fui com o pé atrás, pois sabia que eu corria perigo de assistir a uma apresentação de MCs, e foi o que aconteceu. Eu queria ter visto, na verdade, um show mais rock, mais de instrumentos e menos de pick up. Me decepcionei, show ruim.

Muita gente costuma me perguntar sobre os shows em Brasília, na época em que Legião, Plebe e Capital ainda eram bandas pequenas, mas é difícil lembrar de detalhes. Há shows antigos que me lembro de tudo, mas há outros que não lembro sequer das músicas ou mesmo de como era o local. Esse do Beastie Boys não lembro de nenhuma música. Só lembro de ter ficado no fundo por ter chegado em cima da hora.

Achei um crachá de um show bastante inusitado que foi esse com Dr. Sin, Raimundos, Angra e Pit Bulls on Crack. Apesar de ter meu nome vinculado ao da MTV, acredito ser um show especial da antiga 89 FM. Eu devia estar com o Raimundos. Inclusive pode ter sido, talvez, a primeira vez que a banda pisou no palco do Olympia. Zero lembrança.

O do Agent Orange no Palace então nem se fala, inclusive porque nunca fui muito fã da banda. Também nunca fui muito fã dessa geração de bandas punk da Califórnia na virada de 1970 para 1980, nem mesmo Black Flag. Apenas algumas coisas de Fear, Circle Jerks e The Germs me interessam. Fui ao Agent Orange pela oportunidade de ver uma banda histórica e também por trabalho.

Achei um crachá do Kaiser Music, mas não faço a menor idéia de quando esse festival aconteceu e nem quem tocou. De todos os ingressos e crachás esse é o que realmente não lembro de absolutamente nada.

O show do Pantera no Olympia eu fui, com certeza absoluta, unicamente por trabalho. Odeio Pantera. Acho a banda a mais impostora do metal farofa camuflada de metal porrada. Um verdadeiro lixo (desculpe os fãs). Duvido ter ficado até o fim. Desses shows que eu ia por trabalho eu não costumava esperar o final, salvo exceções. Lembro sim da entrevista que fizemos com o baterista Vinnie Paul. O cara foi super gente boa. O idiota do Phil Anselmo preferiu ficar dormindo a atender a imprensa brasileira e sul americana.

Outra banda que assisti a milhares de shows foi o Paralamas do Sucesso, inclusive muitos deles no Olympia. O que mais me recordo foi o de lançamento do disco Bora Bora (que não é desse ingresso que está postado aqui). Do show desse ingresso lembro de uma história curiosa: Gastão (ex-VJ MTV) também foi ao show acompanhado de sua namorada na época. Parou o carro a dois quarteirões do Olympia e no final do show, quando voltou ao carro, o abriu, entrou e na hora de colocar a chave na ignição percebeu que seu volante (e só o volante) fora roubado. Mesmo com o carro inteiro, teve que esperar o guincho do seguro, pois como iria dirigir?

O show do Slash me lembro do todo. Ele foi à MTV fazer uma exclusiva para o Fúria, não parou de fumar seu Gitanes um segundo sequer, e foi muito gente boa, sossegadão. Lembro que eu e Gastão ficamos em um lugar perto do palco, no mezanino, e eu fiquei de queixo caído. Puta show de rock! Era o projeto Slash’s Snakepit. O vocalista era um animal. Ótima voz, ótima presença. Deixou o Guns no chulé.

O crachá do Rock For Help não faço a menor idéia. Talvez tenha acontecido no ginásio do Ibirapuera e era algo com o Rip Monsters. Se for isso, ainda tinha PUS, Neanthertal, Golpe de Estado, e outros. Não sei...

O Rock São Paulo, que aconteceu no Pacaembú, foi na verdade um festival fracassado que não houve público, pois a prefeitura não autorizou sua realização. Mesmo assim tinha palco e equipamento de áudio e luz montados. Muitas bandas alternativas no line up, mas só me lembro de Raimundos tocando. Foram acho que umas três ou quatro músicas (devidamente registradas pela minha VHS, material raro que tenho hoje). Lembro do Pacaembú escuro e vazio, e muitas bandas na beira do palco esperando para se apresentar. Foi bizarro.

O Super Metal Festival foi gravado pela MTV e aconteceu no ginásio da Portuguesa de Desportos. Se não me engano aconteceu no início de 1994 e lembro mais precisamente do show do PUS, pois Selvagem (baixista) estava com uma das pernas engessadas de cima a baixo e, por isso, ele foi obrigado a tocar sentado, encostado no praticável da bateria. Foi um puta show, até porque Selvagem era disparado o melhor baixista de Brasília. Vê-lo tocar era realmente uma experiência única – assim como ver Fejão em ação.

Shows, muitos shows!

Bandas do Céu 3 - Uma História Sem Fim

2011-07-06T12:18:00.001-03:00

“Ô cês três aí. Tava pensando em fazer uns rocks, me ajudam?”. Foi assim que Maysa chegou em Raul Seixas, Júlio Barroso e Cazuza. Eles estavam em uma mesa no Baixo Gávea. Claro que ninguém os via. Teve até um momento em que uma garota viva, já meio alta, passou pela mesa e comentou com a amiga: “parece que o Cazuza tá aqui, você não sente?”. Era 1993.

Os quatro continuavam iguais ao que eram quando vivo, apenas Cazuza resolveu ficar com a aparência de Billie Holiday. Era a voz e o jeitão de Cazuza na pele de Billie Holiday. Apenas uma brincadeira de Cazuza que durou pouco mais de um ano...

Após sua morte, Raul continuou fazendo seus shows, sempre lotados. Porém, durante os anos 1990 ele não compôs nenhuma música. Continuou cultuado, ora tocava só voz e violão, ora com banda. Seus shows são verdadeiras festas, pura diversão.

Cazuza continuou compondo, e agora no céu, podia tocar violão e piano. Muitas de suas músicas feitas após sua morte foram compostas e gravadas por diversos artistas vivos que, sem saber, foram intuídos. Sempre que isso acontecia todos diziam a amigos: “sentei para compor e em cinco minutos fiz a música”.

Júlio Barroso, depois de ajudar a Gang 90 a gravar mais dois discos – Rosas & Tigres e Pedra 90 – formou uma banda para fazer o repertório da própria Gang, só que pesado, mais puxado para o punk. Continuou a compor, mas as músicas novas eram tocadas só pela banda que formou no céu.

Poucos anos depois, no início de 1996, já sabendo das vindas próximas de Renato Russo e Chico Sciense, resolveram formar um super grupo para fazer um som parecido com Talking Heads e Ian Dury. Rock com soul e funk.

Sempre frequentando o Baixo Gávea e, de vez em quando, a Vila Madalena em São Paulo. Assim, a cada encontro foram formatando a nova banda, que foi pensada com duas guitarras, baixo, bateria, percussão, teclados, vocais com mais três backing vocais. A ideia é uma banda grande para botar tudo mundo pra dançar.

Por fim, com tantos compositores e letristas na formação, o nome foi escolhido: Sociedade dos Poetas Mortos, que mais tarde acabou se tornando mais que uma banda, um coletivo.

A banda se tornou uma espécie de Gang 90 que também não tinha uma formação certa, além dos quatro fundadores. Nela, Cazuza quis ficar nos teclados e piano. Maysa se tornou a baixista, sendo um dos destaques. Esse projeto durou até o início de 2002. Renato Russo e Chico Sciense participaram de diversos shows e até compuseram juntos. Renato acabou se tornando outro assíduo no Baixo Gávea. Porém o grupo acabou recebendo outro grande nome da MPB: Tim Maia. E dá-lhe Baixo Gávea! Só Chico Sciense não era tão assíduo, pois preferia passar a maior parte de seu tempo no Recife.

Naturalmente a banda foi terminando suas atividades, por causa de outros compromissos, trabalhos no plano espiritual, viagens de longo período, etc. Nunca houve brigas ou discussões.

A Sociedade dos Poetas Mortos continuou existindo e quando todos se encontram no BG acabam sempre declamando textos novos e, se há um violão ou outro instrumento, até rola um som improvisado.

Desde que a banda parou de tocar há diversos espíritos que pedem sua volta. Wander Taffo e Marcelo Fromer são dois que estão loucos para fazer parte. Conversas estão acontecendo e há boatos até de músicas novas já compostas. Quem sabe ainda esse ano acontece uma volta ao menos para alguns shows.

O Lado Esquerdo da Força!

2011-07-02T17:03:00.000-03:00

O canhoto vive em um universo paralelo (citando Lobão). Sim, nós canhotos somos minoria e sofremos preconceito, mesmo que velado. Você destro lembra em algum momento da vida que existem canhotos no mundo? Claro que não.

Tudo é pensado para o destro. Já viu catraca do metrô ao lado esquerdo? Caixa eletrônica com entrada de cartão na esquerda? Eis aí uma das vantagens de ser canhoto: somos obrigados a raciocinar e nos adaptar ao mundo dos destros. O mundo é dividido entre destros e canhotos e essa divisão não parte de nós esquerdistas.

Estamos já acostumados por sermos obrigados, mas é chato usar tesoura, abridor de lata, saca rolha, colher para neném, entre outras coisas. Tudo é desenhado para favorecer o destro. E instrumentos de sopro? Também somos obrigados a nos adaptar. Eu toco trombone de pisto e adoraria ter um especal para canhoto. Veja você a forma como Edgard Scandurra (ex-Ira!) e Mingau (baixista do Ultraje) tocam. São canhotos, invertem os instrumentos, mas não as cordas. Quando eu tocava violão era a mesma coisa, pois não podia mudar as cordas senão o destro dono do violão iria me xingar até a morte. Eu que adoro brincar na bateria até hoje nunca sentei em uma armada para canhoto.

A igreja católica da inquisição é uma das culpadas por isso, de interpretar ao seu modo algumas passagens da Bíblia dizendo mais ou menos “os bons ficam a minha direita e os ímpios a minha esquerda”. Por causa dessas e outras coisas meu avô paterno teve que ser obrigado a aprender a escrever com a direita para não ser rejeitado na escola.

Nós usamos mais o cérebro do que os destros. Lembro que na escola e na faculdade era uma chatice ter que ir atrás de carteiras para canhotos. Não havia. Acredito que de 100 carteiras 2 eram para canhoto, só que havia, sei lá, 15 canhotos. E aí? Como faz? Ao menos na hora da prova facilitava para colar, pois eu era obrigado a virar meu corpo para direita.

Mesmo sendo minoria que sofre preconceito gosto de viver nesse mundo paralelo. Me imagino sócio de um clube altamente privado. Deixo aqui um abraço ao amigo Alf (ex-Rumbora)!

Eis aqui alguns nomes desse seleto clube:

Albert Einstein
Alexandre, o Grande
Angelina Jolie
Ayrton Senna
Aristóteles
Bill Gates
Charlie Chaplin
Cole Porter
David Byrne
Gandhi
Isaac Newton
Joana D'arc
Leonardo Da Vinci
Ludwig van Beethoven
Machado de Assis
Messi
Michelangelo
Pablo Picasso
Joey Ramone (Ramones)
Jimmy Connors
John McEnroe
John Lydon (Johnny Rotten)
Pelé
Rafael Nadal
Robert De Niro
Robert Plant (Led Zeppelin)
Robert Redford

O Rock Está Morto! Vida Longa ao Rock!!!

2011-06-22T11:57:00.000-03:00

“Rock’n’Roll é imperfeição”. Conheço produtores e executivos brasileiros que tremeriam ao ler essa declaração de Dave Grohl. Declaração que se encaixa perfeitamente nos dias atuais (leia o post Liberdade Artística). Padronização: acha-se uma fórmula e nela se segue até ser esgotada. Isso sempre aconteceu, hoje o maior exemplo disso é o tal sertanejo universitário.

Atualmente o rock anda em baixa, muito em baixa. Ele sequer está nas paradas, ou dá pra dizer que o baby rock é um bom representante da classe? Se você achar que sim, então, ok, temos rock nas paradas. O rock imperfeito do qual Dave Grohl fala, não existe para o Brasil.

Aqui, há tempos não temos um nome de respeito (o imperfeito) nas paradas, nas rádios e capas de revistas e jornais. Na gringa é o contrário. Lá se vê nomes como Black Label Society, Arcade Fire, Strokes, TV On The Radio e até Elvis Presley e Janis Joplin, entre muitos outros. Ou seja, lá não há medo de se investir em novos nomes do rock (o imperfeito). Ter rock nas paradas é bom ou ruim? Há os dois lados...

Fica ruim porque assim fica difícil aparecer e sem aparecer nada acontece, nem shows, nem cachê e nem força para continuar. Claro que não me refiro a nomes já estabelecidos que vendem shows independente de estar ou não nas paradas ou até mesmo de ter lançado ou não um novo disco. Só fazendo shows que se recebe cachês, e só recebendo cachês que o artista pode pagar suas contas.

No mercado do rock no Brasil é aí que o bicho pega, porque não há o mínimo esforço de ninguém para que haja um mercado para artistas médios ou pequenos. Em todo o mundo há esse segmento. Há muito artista e banda média que vive de sua arte, paga suas contas e tem tranqüilidade para só pensar na música e na carreira para, aí sim, quem sabe, se tornar grande. Imagine, por exemplo, se um jogador de futebol do Flamengo tivesse que ter um segundo emprego. Será que ele um dia seria titular?

Sem estar nas paradas não há estímulo e muito menos renovação. Aliás, há quanto tempo se fala em renovação e ela não vem. E não virá! Não de modo aparente para o grande público.

Um bom exemplo de coragem é a MTV Brasil dos anos 1990, que encheu a bola de nomes como Pato Fú, Skank, O Rappa, Planet Hemp, Raimundos, Maskavo Roots. Era a Banda Sim. E deu certo!

A novela da Globo Insensato Coração desde o início usa riffs de rock (o imperfeito) como “Que País é Este?” da Legião Urbana, e “(I Can’t Get No) Satisfaction”, do Rolling Stones. É o rock imperfeito em um dos horários mais assistidos na televisão brasileira. Mas isso significa alguma coisa? Não. Os tempos são outros e produtores e executivos franguinhos não querem saber do rock imperfeito. “Que País é Este?” é um riff feito em 1978 em cima de “I Don’t Care” do Ramones, que é de 1977. “I Can’t Get No (Satisfaction)” é de 1966. Melhor ter os bons e velhos riffs do que não tê-los...

Hoje, em tempos de quebradeira de gravadoras, elas só pensam mesmo no que vai de fato vender. Apesar delas todas reclamarem dos downloads e mercado pirata, não abrem mão de gastar milhões de dólares em jabaculê. Uma contradição. Então que quebrem todas. Não é preciso gastar milhões de dólares para se gravar um disco, não é preciso gastar milhões de dólares para se fazer um videoclipe, não é preciso gastar milhões de dólares na arte do disco, não é preciso gastar milhões de dólares para se fazer uma boa divulgação. Hoje todo mundo sabe disso, pois temos todas as ferramentas nas mãos para fazer tudo isso com quase nada de dinheiro. A tecnologia desnudou a máquina das majors.

Há coisas muito boas acontecendo no mercado underground. Há ótimos artistas solos, ótimas bandas de rock e pop, ótimos intérpretes e ótimos compositores. No underground o rock continua vivo como sempre. Não é preciso colocar o rock no mainstream, mas apenas colocá-lo em um lugar suficiente para se ganhar dinheiro, para mostrar que há renovação.

Ter o underground é ótimo, pois é como nas artes cênicas que se tiram bons atores dos teatros, e assim se faz a renovação nas novelas e filmes que chegam ao grande público. O underground brasileiro há muito necessita se tornar alternativo (leia-se alternativo e não underground).

Sugiro aqui a criação de paradas para os artistas brasileiros médios e pequenos, podem até chamar de parada alternativa. As publicações especializadas, os cadernos culturais dos jornais, as rádios e sites precisam abrir mais as portas, assim como as gravadoras, se arriscar mais. Por que não dar capa para uma banda que pode ser promessa, dar matérias maiores para artistas novos? Pois não adianta ficar escrevendo notinhas pequenas ou reservar ¼ de página para uma minúscula reportagem sobre uma nova promessa.

Agora que as grandes corporações não têm coragem ou não querem mais ganhar dinheiro com o rock de respeito (o imperfeito), então preferem matá-lo, fazer de conta que não existe.

O rock está morto! Vida longa ao rock!

Greve Geral Já!

2011-06-14T21:22:00.001-03:00

Depois que vi o assassino confesso de um estudante da USP sair pela porta da frente de uma delegacia, livre leve e solto, resolvi escrever esse texto. Essa proposta de greve geral é séria! É uma luta solitária, já que não faço parte de qualquer organização política e nem ao menos avisei minha família e amigos. Sou eu comigo mesmo. E agora você...

Está mais do que na hora de fazermos algo para chamar a atenção dos líderes (afff!) desse país que cada vez mais se afunda num buraco sem fim. Precisamos mais do que nunca de uma reforma no poder judiciário, reforma tributária, reforma política e reforma trabalhista. Além, é claro, de dar a devida atenção a nossa educação e a saúde públicas. Quem aí viu um hospital público em Cuiabá, onde das pias saía água do esgoto, e isso bem na maternidade, ao lado de bebês recém nascidos.

Segundo um estudo divulgado no 2º semestre de 2010, a corrupção dá um prejuízo de 69 bilhões de reais ao ano. Acredito até que esse é, digamos, um número mínimo. O roubo é maior, porque há os que não são descobertos. Óbvio que esse dinheiro não resolveria os problemas do país, mas ia ajudar pacas!

Esse lance de usar a política para enxergar apenas o próprio umbigo e roubar, já deu. Chega. Todo mundo sabe quem rouba, todo mundo sabe quem tem segundas intenções, todo mundo sabe quem é que não liga para os problemas que precisam ser resolvidos, todo mundo sabe quem são os ladrões, mas nada se faz. Um dos motivos é exatamente o sistema judiciário brasileiro que apenas ajuda o ladrão. Pô, chega. Outro problema é que tanto a situação, quanto a oposição, tudo tem rabo preso, tudo tem sujeira. É o sujo falando do mal lavado.

Ver o assassino Pimenta Neves ficar solto por tanto tempo e agora o assassino da USP também, isso é uma afronta a minha pessoa, trabalhador honesto, pai de família que mata um leão por dia. Minha dificuldade é imensa, e mesmo assim me considero um privilegiado. Sou e serei honesto sempre. Não é justo comigo e com você. Esses assassinos e ladrões não merecem ser livres como nós.

Falar o quê dos altos impostos. É imposto para tudo, principalmente para o que nos é básico, como o alimento que compramos. Tudo é, no mínimo, o dobro do preço por causa de impostos. E onde vemos investimento? Vai tudo para Copa de 2014 e para o mensalão, enquanto em pia de hospital público sai água de esgoto?

Vergonha de ver o Brasil soltar o assassino italiano Cesare Battisti! E o ex-presidente, o admirador de ditadores, ainda diz que esse fato não irá abalar a relação Itália-Brasil. Chega, né? Me desculpe amigos da Itália!

O Palocci depois do vergonhoso episódio da mansão de Ribeirão em Brasília e a sacanagem que fez com um humilde caseiro, ainda apronta essa de morar em um apartamento em nome de laranjas e enriquecer como ninguém, exatamente em ano de eleição. O mensalão, os cartões corporativos, dinheiro em cueca, o caso Celso Daniel, a tentativa de omissão do impeachment de Collor no Senado, os velhinhos deitados no chão sujo de hospitais pelo Brasil afora, operação tapa buraco, milhões de reais para gastos de parlamentares, bombeiros sendo chamados de marginais. Pô, caceta! Tá na hora disso tudo acabar!

Os baixos salários de policiais, bombeiros, médicos e professores. Proponho uma inversão: que esses profissionais que citei passem a ganhar o salários de senadores, deputados, vereadores, secretários, ministros e toda a regalia que eles têm como passagens aéreas, auxílio moradia, carros, gasolina, auxilio alimentação e outros absurdos. Proponho mais ainda: que todos os políticos do Brasil e suas famílias sejam obrigados a unicamente usar o SUS. Que tal? Será que assim haverá candidatos?

Pode um político ser dono de meios de comunicação? Revistas, jornais, rádios, televisão, sites. Isso é ético? Meu Deus, em algum momento isso tem que acabar. Contamos nos dedos de uma mão os políticos de boa intenção.

Faz 511 anos que vivemos assim, num sistema de corrupção ajudada pela enorme burocracia que temos. Ainda vivemos nos tempos do “lá vai bosta”, mas agora a bosta é, também, outra.

Um pobre coitado de um humilde trabalhador, que acorda as 03h30 para chegar as 07h30 no trabalho, não tem nada, nem esperança de um dia melhorar de vida. Conversando com um promotor (quando eu fazia parte do júri no Fórum Criminal), ele disse que a maioria desses trabalhadores humildes, tem seu valor triplicado, porque todos os dias tem traficantes que oferecem por semana o que eles não ganhariam em um mês, com a facilidade de se trabalhar em casa e, mesmo assim, a pessoa se nega, preferindo ficar de 5 a 7 horas a mercê do transporte público para ter um trabalho honesto.

É preciso uma greve geral para que, de fato, alguma coisa a nosso favor seja feita. Que tal propor que candidatos só poderão se eleger em cargos públicos por uma única vez, seja qual for o cargo? Que tal propor metas para os parlamentares. Fazer o trabalho no congresso ser de 2ª a 6ª das oito da manhã às seis da tarde. Com relógio de ponto e sem regalias, apenas com os benefícios de um trabalhador comum como vale transporte, vale refeição, férias de 30 dias, 13º salário. E nada de sair de Brasília. Se quiser viajar terá que ser por conta própria e terá que estar no congresso na 2ª feira às oito da manhã. Terá apenas uma secretária e um assessor. E prestar contas de tudo o que foi gasto. Porque não? É assim que deve ser. Uma vez que a pessoa se candidata deve saber que terá que abrir mão de todas as outras coisas para se dedicar 100% ao cargo que fora eleito. É o óbvio!

Proponho uma greve geral para que possamos fazer esses líderes de meia tigela, covardes e corruptos, ser de uma vez enquadrados. Presidente, ministros, senadores, deputados federais e estaduais, vereadores e todos os outros cargos de secretários, assessores e mais outras tantas invenções, todas essas pessoas devem, de uma vez por todas, saber que estão ali para trabalhar para um bem maior, em prol da população.

A pessoa tem chance de entrar para a história de maneira digna, deixar uma bela herança de feitos que irão engrandecer para sempre seu nome e o nome da família, mas não, esses Collors, Malufs e Sarneys, tendo essa chance, preferem se afundar no esgoto.

Isso cansa. Sempre a mesma ladainha. Por isso greve geral já! Tá tudo errado e é tão fácil fazer tudo ser correto! Chega desse negócio de querer ganhar em cima da burocracia, da corrupção, da ignorância. Chega de lei de Gerson! A vantagem deve ser para todos! PQP!

Greve geral até vermos ser feito algo de concreto que beneficie o cidadão honesto. Greve geral até vermos parlamentares suspeitos de qualquer irregularidade ser proibidos de exercer qualquer cargo público seja por concurso, convite ou eleição. Greve geral por melhorias nos serviços públicos. Greve geral por uma vida mais digna! É preciso fazer o bem sem ver a quem, independente de partido ou posição política.

PS: Uma querida amiga de Brasília postou o seguinte texto no Facebook (numa campanha a favor dos bombeiros cariocas):
BOPE: R$ 2.260,00 para arriscar a vida;
Bombeiro: R$ 960,00 Para salvar vidas;
Professor: R$ 728,00 para preparar para a vida;
Médico: R$ 1.260,00 para manter a vida;
Deputado federal: R$ 26.700,00 (sem contar a verba de gabinete e as muitas regalias) para atrapalhar a vida dos outros!

Série Coisa Fina 6: The Hurting (Tears For Fears)

2011-06-09T00:24:00.000-03:00

Muita gente vira a cara para artistas pop, principalmente os da década de 1980, quando muita coisa nessa área, hoje, soa datada... há casos que até dá vergonha para quem escuta. Nesse universo pop de bandas com sintetizadores pouca coisa se salva. The Hurting, primeiro disco do Tears For Fears, não só se salva, como é um verdadeiro clássico.

Disco conceitual, de bom gosto na produção, nos timbres, as composições. Tudo é bem executado, difícil dar crédito individual. As frases do baixo tocado com palheta são maravilhosas, da mesma forma que os violões (com seus acordes cheios) e as guitarras - os efeitos e timbres casam perfeitamente com tudo. A bateria é um caso a parte já que ela não se repete nas faixas e tem a química perfeita entre a execução, o som tirado no estúdio e a mixagem (mesmo quando há elementos eletrônicos). Até os teclados são impecáveis, sem excessos e o mais importante: não soam datados. É um disco iluminado e inspirador.

As composições são de Roland Orzabal, que nas letras escreveu quase que uma biografia de sua difícil infância, além de se influenciar pela terapia do grito primal – coisa que John Lennon tentou quando era um ex-Beatle nos anos 1970.

E não é por ser um disco de banda pop que nele só há músicas para as FMs. Nada disso. Como disse, é um disco conceitual, e nele há suas esquisitices (no bom sentido) como “The Prisioner”, “Ideas as Opiates” e “Memories Fade”.

The Hurting foi lançado em março de 1983, chegou ao número 1 nas paradas inglesas, mas nos EUA o sucesso foi menor.
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Quase tudo do The Hurting que achei no You Tube é com a banda ao vivo, é muito bom também, mas sugiro baixar o disco para escutá-lo.

The Hurting

Mad World

Pale Shelter

Ideias as Opinates

Memories Fade

Suffer the Children

Watch Me Bleed

Change

The Prisoner

Start of the Breakdown

Série O Resgate da Memória: 21 - Desventuras do Rock Paulistano (Parte 2 de 2)

2011-06-02T12:20:00.000-03:00

Após a confusão causada pela reportagem de Pepe Escobar (com "ajuda" de Guilherme Isnard), o jornal Folha de São Paulo achou por bem procurar uma solução amigável para tamanho desentendimento. Dois dias depois da matéria "Desventuras do Rock Paulistano", a Folha voltou a dar destaque aos acontecimentos gerados pelo texto do jornalista. No fim das contas todo mundo sabe quem ficou para história e quem sumiu dela.

Rock Paulista Gera Polêmica e Futuro Debate na Folha

Folha de São Paulo

30 – outubro – 1884 (terça-feira)

Ilustrada

Reportagem local

Representantes de doze bandas de rock – entre elas “Garotas do Centro”, “Voluntários da Pátria”, “Ira”, “Inocentes” e “Metrópolis” – estiveram na redação da “FOLHA”, no final da tarde de ontem (29/10/1984), com o objetivo de manifestar seu desagrado aos artigos do jornalista Pepe Escobar na “Ilustrada”. Motivados pelo texto “Desventuras do rock paulistano” (Ilustrada, 28.10.84), solicitaram uma discussão mais ampla da questão, com a presença do jornalista, suspensa (sic), entretanto, devido a momentânea exaltação dos queixosos. Ânimo exaltado, o vocalista do “Ira”, Marcos Valadão (o ‘Nazi’), tentou partir para a agressão física, contida pelos seus companheiros. Assim que começou o tumulto, agentes de segurança do jornal se aproximaram mas não foi necessária sua intervenção.

Os artistas sentem-se atingidos em sua profissão, considerando que Pepe Escobar “não se interessa em entrevistar e ver de perto o trabalho das bandas, escrevendo de ‘orelhada’ e incitando fofocas no meio, conforme disse Miguel Barella, da “Voluntários da Pátria”. Por isso, enquanto profissionais, “viemos em conjunto desautorizar o Pepe Escobar a escrever sobre elas. Não estamos contra a Folha e sim contra um crítico incompetente”, sintetizou Marcos Mocef, produtor da Mundo Moderno, responsável pelo projeto (em andamento) de apresentação dos grupos no bar “Val Improviso”.

Convidados a colocarem suas reclamações com tranqüilidade, um grupo de sete pessoas (das bandas “Mercenárias”, “25 Segundos Depois”, “Smack” e “Voluntários da Pátria”, e do Mundo Moderno) esclareceu que o descontentamento, quanto às críticas, vem da postura do jornalista: “Ele louva as bandas estrangeiras, independentes como nós, e impede que a semente brasileira cresça. Se Pepe é crítico de rock estrangeiro deve se limitar a isso; ou então que vá conhecer o trabalho desenvolvido aqui para depois falar”, disse Miguel. Segundo Neusa Vidolini, da “25 Segundos Depois”, o jornal pode falar o que quiser, bem ou mal, “desde que se tenha conhecimento de causa. Senão o conjunto das pessoas focadas desautorizam o trabalho, mesmo que a Folha continue apoiando essa pessoa”.

Ainda segundo esses representantes, Pepe agiu mal quando utilizou trechos da carta do vocalista do “Zero”, Guilherme Isnard (onde discutia a mecânica de programação do rock na cidade) no texto publicado no domingo último. “Ele quis incitar polêmica e fofoca no meio”, disse Miguel. O crítico afirmou que simplesmente tomou parte do texto enviado à Folha para denunciar “um estados de coisas”. Quanto às denúncias afirmou já ter ouvido a maioria das bandas ao vivo, constatando que a maioria, musicalmente, é muito ruim.

“Já citei uma série de grupos, que inclusive não vieram aqui Magazine, Ultraje à Rigor, Voluntários da Pátria, Zero, RPM, todos paulistas, em vários textos. Quando a produção é boa, sai publicado. O critério é óbvio. Mas se o trabalho é primitivo, isso tem que ser levado a público. Esse episódio é lamentável: fruto da posição fechada de um grupo que não aceita crítica e parte para agressão, ao invés de argumentar. Nos países civilizados, a imprensa não precisa andar armada para se defender dos criticados. Aqui pelo visto ainda impera a dialética do ??? (palavra apagada no texto original). Quanto a sugestão de que “escrevesse apenas sobre rock inglês”, disse que não exerce na “Ilustrada” a função de crítico de rock brasileiro e sim escreve sobre vários assuntos.

Atendendo a ansiedade dos músicos, a Folha se dispôs a organizar (em data a ser marcada nos próximos dias) um debate em seu auditório, ao qual compareceriam tanto representantes das bandas, quanto críticos e especialistas convidados, público, e também o jornalista Pepe Escobar. O assunto deverá ser a produção musical do gênero, suas dificuldades e o papel da crítica. Pepe acha essa decisão algo positiva. “Quero discutir a competência artística, e não a paranóia de membros dos grupos”.

Série O Resgate da Memória: 20 - Desventuras do Rock Paulistano 1984 (Parte 1 de 2)

2011-05-26T16:36:00.000-03:00

Da mesma forma como a internet, após seu surgimento e popularização, gerou empregos diretos e indiretos, o boom do rock brasileiro nos anos 1980 também gerou empregos diretos e indiretos, afinal não havia qualquer tipo de profissionalização nessa área. Produtores, executivos, engenheiros de som, empresários, estúdios, veículos de comunicação, casas noturnas, todo mundo teve que aprender a lidar com esse novo mercado.

Jornalistas também tiveram que aprender a conviver com essa nova cena no Brasil. Porém muitos viravam a cara para o que era feito aqui. Para 98% deles a única coisa que prestava era o rock feito, principalmente, nos EUA e Inglaterra. Inclusive muitos desses jornalistas e críticos também tinham suas bandas, a maioria era ruim de doer. Fora isso, também havia o fato de não existir equipamentos de qualidade e estúdios preparados para gravar rock, e também como já falei, nada de produtores que entendiam do assunto. Gravar um disco de rock nos anos 1980 ainda era uma verdadeira aventura. Poucos conseguiram se sobressair.

Dentro desse contexto, jornalistas e críticos não poupavam artistas com seus textos que muitas vezes chegavam a ridicularizar certos trabalhos. Críticos que se diziam especialistas, mas que não levavam em conta toda a dificuldade que se tinha para chegar a uma gravadora e tentar a muito custo gravar um disco de qualidade. Porém muitas vezes a culpa não era do artista e sim da gravadora que não entendia o que estava fazendo e não fazia questão de ouvir quem entendia do negócio.

Muitos jornalistas, frustrados com uma série de coisas na vida pessoal, espezinhavam os artistas, os colocavam para baixo e chegavam até a prejudicar as vendas dos discos. Sei de casos que eram de pura inveja e frustração. Um desses críticos maldosos era Pepe Escobar, que não media palavras para desqualificar o rock feito no Brasil.

Uma mostra dessa "briga" entre jornalistas/críticos e músicos é essa discussão que aconteceu em 1984 entre Pepe Escobar e alguns nomes do rock paulistano, nessa época ainda underground. A coisa foi tão feia que esses músicos invadiram a redação do jornal Folha de São Paulo para uma discussão mais ríspida com o jornalista. Nasi (então conhecido como Nazi), que na época era vocalista do Ira! e Voluntários da Pátria, chegou a partir para vias de fato, mas foi contido. Lembro também que parte dessa discussão foi gerada pelo ex-vocalista do Zero Guilherme Isnard.

Esse fato ficou marcado, até porque esses músicos acabaram desautorizando Pepe Escobar a escrever sobre eles, o que a Folha acatou. A partir de então, algumas coisas mudaram na cena paulistana.

Posto aqui no Sete Doses de Cachaça a reportagem de Pepe Escobar que gerou tamanha confusão e, em um segundo post, parte do resultado dessa bagunça.

Desventuras do Rock Paulistano

Folha de São Paulo

28 – outubro – 1984 (domingo)

Por Pepe Escobar

Tudo agora gira em torno do Rock in Rio. As gravadoras produzem volumosos press-books divulgando os feitos das estrelas que vão aterrissar nestes trópicos. A garotada voa atrás dos ingressos. Heavy por heavy, na Europa e EUA só se ouve heavy. Aqui, no verão, a fritura de cabeças e corpos, será em escala nunca vista. Por acaso, no meio do caldeirão, temos uma eleição (?) para presidente. No dia 16 de janeiro, algo terá mudado – ou não – e poucos irão saber. Por que, no dia anterior, a TV só terá dado o incêndio de watts do AC/DC ou outra luminária heavy. A Globo irá cobrir o Rock in Rio com um esquema mais complexo do que o utilizado nas Olimpíadas. No Rio e em São Paulo, em diversos círculos ligados ou não à indústria da música, este é um assunto vital no momento. Muita gente está preocupada. Enquanto o circo pega fogo...

Os fatos continuam se avolumando. Não há nenhuma banda paulista incluída na programação do Rock in Rio. Será no mínimo ridídulo – inclusive para os próprios grupos. Imaginem Kid Girimum e Suas Lagartixas Amestradas abrindo um show para as Go-Go’s. E Ivan Lins? O que este cavalheiro está fazendo num festival de rock?

Problema básico: o rock paulista debate-se em guetos, e neles permanece. Seu espaço na mídia é limitado. Há boas possibilidades em ascensão, como o RPM e o Voluntários da Pátria. O RPM deveria ser imediatamente contratado por uma grande gravadora. Os Voluntários lançaram seu primeiro LP independente, e se passarem por cima de suas letras PT, vão longe. O Zero está com uma ótima fita gravada em estúdio. O resto é de lascar.

Esta semana recebemos uma carta do vocalista do Zero, Guilherme Isnard, comentando o estado de coisas. Ele se refere a programação atual do Val Improviso, com vários grupos de rock paulista: “Quero denunciar a programação nesse pulgueiro que é o Val Improviso (neonazis ride again), que no final é uma armação para alimentar “algumas bocas”, isso porque de onze ou doze grupos, sete são da maçonaria do rock, uma cooperativa (?) musical inter-grupos, que excluem novos instrumentistas que se inibem diante da presença dos egos multi-instrumentistas. A seguir Guilherme traça o mapa da máfia do rock paulistano, que qualifica de “genealogia dos neonazi”, em homenagem ao cidadão Nazi, vocalista do Ira e também dos Voluntários. Guilherme termina defendendo seu ponto de vista: “Não é recalque não, é só indignação de ver pseudo-colegas fechando a nova música nos “mesmos e coligados”, no final é o mesmo fascismo das danceterias, só que autofágico”.

Adjetivos à parte, o raciocínio é correto. Gueto só serve para a Inglaterra, onde há mercado – e locais de encontro – para todos. Aqui, não adianta algum grupinho tentar monopolizar a “vanguarda”. Não existe “vanguarda”. Existe uma tendência explorada pelos donos do mercado que precisa ser revertida.

Por Onde Anda a Liberdade Artística?

2011-05-19T00:47:00.001-03:00

Dia desses assisti ao belíssimo documentário sobre Dzi Croquettes. Feito por Tatiana Issa e Raphael Alvarez, o doc conta a história desse grupo formado por 13 gays que revolucionaram o teatro, a dança, a comédia e a performance. Fiquei maluco. Que história! Quando acabou fiquei de queixo caído.

Era formado por dançarinos, atores, coreógrafos, figurinistas, transformistas e cantores, acrescidos de amigos que trabalhavam com eles e que ajudaram a compor esse universo. Eles literalmente abalaram Paris. Eram 13 cabeças pensantes.

Depois de assisti-lo resolvi escrever esse texto sobre liberdade artística, coisa que já vinha matutando desde quando iniciei uma nova fase de pesquisas das efemérides do rock brasileiro, no início desse ano, quando também mexi com material antigo. Ao mesmo tempo li as bios de Lobão e Keith Richards, um pouco antes a de Lennon, o debate do rock brasileiro da Bizz que postei aqui, e também o texto sobre Ney Matogrosso.

Com tudo isso comecei a questionar algumas coisas. Uma delas era o fato de hoje termos muito mais facilidade de comunicação, mais meios para se divulgar, cercados de reality shows, tudo quanto é tipo de música, filme, festivais (literários, musicais, teatrais...), internet, e mesmo assim a liberdade artística não mais está em nada disso.

Moleque nos anos 1970, lembro como tudo era bem mais divertido. As pessoas se arriscavam mais. Provocavam e eram provocadas. Loro (ex-Capital) exemplificou, na conversa que tivemos para meu livro e que lá deixei registrada, do costume de se dizer de esquerda quando a pessoa era de direita, e se dizer de direita quando a pessoa era de esquerda. Era isso: desafio.

Tudo era proibido, tudo pecado. “Onde está o pudor dessa juventude”, diziam os mais velhos. Um cabelo mais comprido, um short mais curto, um batom mais chamativo já eram motivo de comentários negativos. A censura e a enorme lista de proibições e negações suscitavam a criatividade. O proibido costuma ser mais gostoso!

Naquela época nenhuma grande corporação sabia como ganhar dinheiro com arte (digo aqui no Brasil), coisa que começou a acontecer só nos anos 1980. Então, muito mais do que em gerações posteriores, tudo era feito por prazer, de coração, por amor de fato. Não havia nada a perder, era colocar em prática qualquer idéia maluca.

Um bom exemplo é o filme hippie Geração Bendita, com trilha sonora da banda Spectrum. Tudo feito na raça, na unha. Ao colocar uma idéia em prática ninguém ficava preocupado com o que os outros iriam achar. Era uma coisa do tipo “vamos nos divertir e divertir nossos amigos”.

Outro exemplo de maluquice é o Festival Express, também de 1970, aquela coisa de colocar um monte de artistas em um trem e viajar pelo Canadá para três shows. Deu tudo errado, dinheiro foi perdido, mas seguiram em frente e se divertiram pacas.

Exemplo recente é o Pânico na TV que chegou sem nenhuma pretensão, sem formato fechado e que aos poucos foi criando, já no ar, uma linguagem nova, condução, edição que hoje até a Globo copia. O programa deu um chacoalão na linguagem televisiva exatamente porque não devia nada a ninguém. A mesma coisa aconteceu com a MTV no início dos anos 1990.

Hoje tudo envolve dinheiro, então é claro que dessa forma idéias malucas sejam analisadas com cuidado, e assim acabam, muitas vezes, perdendo a naturalidade.

A criatividade da nova geração está cada vez mais tolhida, presa a formatos preestabelecidos, exatamente porque as grandes corporações querem o lucro e todos querem ter idéias para vendê-las às grandes corporações. Quantas milhões de pessoas postam videos no You Tube a fim de se tornarem conhecidas? E assim o fazem porque, lá no início, meia dúzia já fez isso e se deu bem.

Bem, a liberdade artística se foi e a verdade é essa: hoje se tem muito mais espaço para divulgar idéias, mas todo mundo executa a sua preso ao que já existe e deu certo, no desejo da fama, do dinheiro e do bafafá que irá causar. Nada mais é feito com naturalidade, por prazer, amor e diversão. Adeus loucuras espontâneas. Nunca mais teremos Dzi Croquettes ou Secos & Molhados, os tempos são outros...

Ira! - Psicoacústica

2011-05-11T13:37:00.000-03:00

Hoje o mundo lembra dos 30 anos da morte do pai do reggae Bob Marley. Nada mais justo. Adoro BM, aliás, reggae pra mim é só Bob Marley.

Mas aqui lembro dos 23 anos de lançamento do maravilhoso, estupendo, inacreditável e importanticississiwissímo Psicoacústica, terceiro disco do Ira! , lançado exatamente em 11 de maio de 1988.

Psicoacústica é daqueles discos que serão eternamente atuais. Até a capa é em 3D!!!!! Eu sou bastante suspeito para falar desse disco que é cheio de detalhes curiosos e que é um dos responsáveis pela mudança de comportamento (!!!) no cenário musical da época. Há até uma ligação com o post anterior, pois se não me engano CSNZ chegou a tocar “Manhãs de Domingo” em alguns shows.

Infelizmente o Ira! acabou, porque Psicoacústica poderia muito bem ser homenageado em um show com o disco inteiro sendo executado...

Para entender um pouco do contexto da época de seu lançamento, leia também o post Quando Tudo Mudou: http://setedoses.blogspot.com/2010/02/quando-tudo-mudou.html

Nessa singela homenagem publico duas críticas: uma da revista Veja e outra da Folha de São Paulo de pré-lançamento. Sugiro também ler a reportagem e crítica escrita por Thales da Menezes na Folha de São Paulo, caderno Ilustrada, do dia 11-05-1988. É só acessar o acervo digital da FSP.

Músicas
1 – Rubro Zorro
2 – Manhãs de Domingo
3 – Poder, Sorriso, Fama
4 – Receita Para Se Fazer Um Herói
5 – Pegue Essa Arma
6 – Farto do Rock’n’Roll
7 – Advogado do Diabo
8 – Mesmo Distante

PS: Nesse mesmo 11 de maio de 1988 foi lançado Trashland (EMI), segundo disco da Mercenárias, produzido por Edgard Scandurra.

Revista Veja – 25/05/1988 (edição 1029, página 127)

Caixa de Música
Bons LPs de Maria Bethânia, Cazuza e Ira!

Psicoacústica, Ira! – Em seu terceiro LP, o quarteto paulista Ira! Consegue a proeza de se manter original no rock brasileiro. O segredo do grupo, além da atuação competente dos instrumentistas, é buscar referências num escaninho da história da música pop hoje esquecido por todos os grupos – o rock inglês do comecinho dos anos 60, anterior a explosão dos Beatles, dos cabelos longos e do psicodelismo. Esse rock era executado pelos mods, rapazes até certo ponto bem-comportados, que se vestiam no rigor da moda e carregavam suas músicas de ironia. Em Psicoacústica, o clima das letras e pesado – os versos falam de crimes, tiros pelas costas, castigo, farsas e perigo. Em contrapartida, a maioria das canções tem melodia fáceis e alegres. Esse contraste empresta as faixas Poder, Sorriso, Fama e Receita Para Se Fazer Um Herói um clima de dubiedade e de sarcasmo que dá ao grupo a sua marca. Psisicoacústica, de maneira coerente com as influências do grupo, recupera também um brincadeira típica do final dos anos 50 – o dos óculos em 3D. Cada disco vem acompanhado de um par deles, necessário para se decifrar o desenho tridimensional da capa e do selo do LP.

Folha de São Paulo, caderno Ilustrada, 04/11/1988
Da reportagem local

Psicoacústica é uma coisa sutil: trata-se de aproveitar um disparo no começo da fita ou um resto de canção que ficou registrado em baixo da versão final. Pode ser um acidente, um canal que não foi usado e saiu na mixagem final, ou “a rodada de lâmpada acidental”. A partir das próximas semanas, “Psicoacústica” vai ser mesmo o nome do terceiro LP do grupo Ira! Que, segundo o guitarrista Edgar (sic) Scandurra, está pronto sem “ nenhuma faixa com apelo pop muito forte”.
O repertório total é composto por oito canções. “Pegue essa arma” já está tocando nas FMs alternativas. Edgar (sic), 26, explica que “Psicoacústica” foi uma palavra inventada pelos quatro integrantes do grupo depois das gravações. “A gente colocou detalhes que não iriam sair nos arranjos iniciais e quase todos eram incidentais”.
Como a introdução de “Fato do Rock’n’Roll” (sic): o som de um ricochete é na verdade o ruído da fita quando alguém apertou o botão “play”. Ou então o final de “Manhãs de Domingo”: a música acaba utilizando um trecho da primeira gravação que fizemos. A gente tinha gravado a versão final em cima da anterior e, quando fomos ouvir, tinha um trecho final ainda registrado e ele era legal. Então unimos”, explicou Scandurra.
Esses detalhes “tão pequenos” de “Psicoacústica” deixam Edgar (sic) ansioso com o novo trabalho. É o primeiro produzido só pela banda, sem os toques de Peninha Schmidt ou Peninha. “Ficamos mais livres”, disse os guitarrista. Ele disse que perdeu a fita com o registro final e garante estar “com saudade de ouvir de novo”. (LB)

Rubro Zorro

Manhãs de Domingo

Poder, Sorriso, Fama

Receita Para Se Fazer Um Herói

Pegue Essa Arma

Farto do Rock’nRoll

Advogado do Diabo

Mesmo Distante

Ingressos e Crachás: 2 - Chico Science e Nação Zumbi no Tom Brasil

2011-05-06T11:05:00.000-03:00

Esta segunda postagem da série Ingressos e Crachás homenageia também o disco Afrociberdelia, um dos grandes clássicos dos anos 1990. Mais uma vez o Sete Doses de Cachaça sai na frente e cutuca: será que algum veículo de comunicação irá lembrar desse fato tão importante para a cultura pop brasileira? Se esquecem de Cazuza, Raul Seixas e outros grandes nomes e discos, então não será difícil ver passar em branco os 15 anos do segundo lançamento de Chico Science e Nação Zumbi. Aqui, além de meu pequeno relato, publico também uma mini entrevista de Chico realizada pela Folha de São Paulo na época do lançamento, dentro de uma boa reportagem assinada por Pedro Alexandre Sanches.
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Afrociberdelia, segundo disco de Chico Science e Nação Zumbi, foi lançado na segunda quinzena de maio de 1996. Período em que computadores e internet ainda não faziam parte da nossa rotina, e até mesmo o CD ainda não era unanimidade em todas as casas. Ah! E nada de celular.

Lembro que foi um disco bastante esperado e muito bem recebido pela crítica e público. Como diz o próprio site oficial da banda "(um disco) menos furioso, mais groovy e psicodélico, tem uma produção mais detalhista”. Apesar de ter 20 faixas, é um disco cheio de clássicos e com uma bela surpresa, pelo menos pra mim, que é a regravação de “Criança de Domingo” de Fellini (gravada originalmente em 1989).
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Vi alguns shows de Chico Science e Nação Zumbi em São Paulo e Rio de Janeiro. O primeiro deles foi o do lançamento de Da Lama ao Caos. Lugar cheio, praticamente ninguém sabia o que iria ouvir, porque CSNZ ao vivo ninguém em SP ainda conhecia. A minha curiosidade era ouvir os tambores com a guitarra distorcida. Foi um grande impacto. A produção do 1º disco não soube traduzir em estúdio a força da sonoridade banda.

Conheci CSNZ nos corredores da MTV, não sou amigo de nenhum integrante, mas nos vimos muito durante os anos 1990. No lançamento de Afrociberdelia, não consigo lembrar se era um show fechado ou não, mas nessa primeira apresentação no Tom Brasil, numa quinta-feira, só vi jornalistas: gente da própria MTV, da Folha, do Estadão, da Bizz, da 89FM, ou seja, não estava nada cheio. Como todos se conheciam, o ambiente ficou intimista.

Esse show, devido a esse ambiente, acabou se tornando favorável à banda. A platéia toda ficou perto do palco, mas sem apertação. O clima parecia um ensaio aberto, com todo mundo descontraído, bebendo, coisa e tal... tranquilamente. A cada fim de música uma festa, e como a banda conhecia parte da platéia, então rolava uma interação legal entre palco e público.

Acho que na época o Tom Brasil tinha acabado de abrir, lembro que para chegar lá entrei numa rua ainda sem asfalto. Vaga lembrança.

Também acho que foi a primeira vez que vi Chico Science vestido com a roupa psicodélica do maracatu. Perto do palco, lembro bem do forte impacto de Chico dançando com o figurino.

Sem dúvida foi o melhor show que vi de Chico Science e Nação Zumbi.
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Folha de São Paulo - 22/05/1996
Chico Science Busca Maracatu Psicodélico
Banda que lançou o movimento Mangue Beat chega ao segundo disco, “Afrociberdelia”

Por Pedro Alexandre Sanches

A geração Mangue Beat chega a segunda rodada. Chico Science e Nação Zumbi lançam “Afrociberdelia”, e Mundo Livre S/A publicou na semana passada “Guentando a Óia”.
Dão sequência assim ao movimento que começou em Recife (PE) e trazido a público em 1994, data de estréia das duas bandas em disco.
O conceito continua o mesmo: fusão de ritmos populares do Nordeste ao universalismo do pop e do rock, fusão antropofágica da miséria do mangue à sofisticação tecnológica das antenas parabólicas.
“Afrociberdelia” tem as participações de Gilberto Gil, Marcelo D2 (do Planet Hemp) e Fred Zero Quatro (do Mundo Livre).
Leia a seguir trechos da entrevista de Chico Science à Folha.

Folha – “Afrociberdelia” é uma continuação do movimento Mangue Beat ou vai para outra direção?
Science – O movimento Mangue Beat sempre será. Foi um marco, o pontapé inicial, e é o que a gente continua trabalhando. O núcleo que formamos com o Mundo Livre S/A ficou meio arquivado, corremos cada qual para seu lado, partimos para as missões.

Folha – Quais as semelhanças entre o Mangue Beat e o movimento tropicalista em 1968?
Science – Acho que é a atitude, de lançar seu próprio satélite, buscar a raiz, segurar os braços da cultura quando ela está afundando.

Folha – Este disco é mais raivoso que o primeiro, não é?
Science – Acho que porque o som agora saiu. A afrociberdelia é o mote; o afro da África, a cibernética da tecnologia, do acesso que o pobre pode ter à ela, e a psicodelia das nossas cores.

Folha – O computador está sempre presente no seu cotidiano?
Science – Não faz muito parte do meu cotidiano. Já naveguei uma vez pela internet. Entrei, fucei, olhei... Estamos em breve abrindo nossa home Page. Falamos dessas coisas mais pela necessidade de que elas estejam no nosso dia-a-dia. Nós também temos direito de acesso à tecnologia. Isso não é facilitado pela incapacidade política do Brasil.

Folha – O maracatu foi o ritmo eleito dessa vez?
Science – O maracatu é o berço do samba, é samba também. Nós temos o samba então vamos trabalhar com ele. Afrociberdelia é a atitude de mostrar o maracatu, o som do Brasil, de uma forma mais moderna, mais inteligente, que consiga ecoar em outros cantos pelo mundo, para que o samba seja real e não virtual.

PS: Tentei postar aqui reportagem na revista Showbizz de 1996 e da Veja, porém não obtive sucesso. Deixo então a dica para ler a reportagem na Veja, através de seu acervo digital, edição 1448, 12/06/1996, página 122 (no local de busca é só preencher com Afrociberdelia e clicar em "no acervo"). http://veja.abril.com.br/acervodigital/home.aspx

Ramones no Palace 1987 - Revista Poster (Somtrês)

2011-04-29T00:03:00.000-03:00

Da primeira passagem do Ramones no Brasil, mais especificamente no Palace (SP), quase não há registro, principalmente de áudio e vídeo.

Felizmente a boa e velha editora SomTrês fez uma revista poster com algumas fotos dessa histórica passagem pelo Brasil. Remexendo meu velho baú a encontrei quase que intacta. Aliás tenho uma edição fechada no pacote, mas essa não achei.

Aqui vai mais uma homenagem a essa banda que desde sempre mora no meu coração. Não poderia deixar de repartir esse belo documento com o resto dos fãs.

Em algum lugar desse blog há diversos textos onde relato todas as passagens da banda por aqui, inclusive esse grande show no Palace - sem dúvida o melhor de todos que tiveram aqui!

De quebra uma reportagem sobre as apresentações publicada na Folha de São Paulo em 02/02/1987. Os shows aconteceram em 31/01 e 01/02.

Sem Carro. Percepção Ampliada.

2011-04-22T13:58:00.000-03:00

Não sou ecochato. Pelamor! Esse texto nada tem a ver com a poluição ou emissão de gases venenosos. Aqui falo de liberdade e socialização. Seria ótimo se em São Paulo houvesse muuuito menos carro na rua. Todo mundo ganharia com isso. Mas a culpa desse trânsito infernal é de quem? Do cidadão trabalhador que passa a vida praticamente pagando impostos? Claro que não! A culpa é do governo corrupto e incompetente.

Em 2001 vendi meu Golzinho 87 porque ele ficava parado na garagem. Eu era obrigado a ligá-lo só para fazer o motor funcionar um pouco. Pagava estacionamento, seguro, impostos e manutenção para não usá-lo. Vendi.

Ao contrário de muita gente, nunca vi problema em usar transporte público e andar a pé. Pelo contrário. É muito melhor. Ainda mais hoje que ter carro é uma dor de cabeça, por todos esses motivos que citei, somados ao trânsito e a revisão obrigatória. Aqui em SP nem vaga na rua tem mais. Na região da Av. Berrini, um lugar moderno, cheio de empresas, não há metrô e linhas de ônibus suficientes para a demanda. Tem muita gente que trabalha lá, que entra às 9h da manhã, mas que chega de carro as 6h só para esperar uma vaga na rua. A pessoa fica até três horas dentro do carro estacionado só esperando uma vaga. Ela dorme, lê jornal, ouve música, livro. Um horror!

No carro você é um individuo isolado, vivendo em um mundo a parte. Usando transporte público você tem a percepção ampliada, está junto do coletivo, percebe melhor o movimento da cidade, consegue ver coisas que não enxerga de dentro de um carro. Nota melhor os detalhes, a arquitetura, a rotina e o dia-a-dia das pessoas. É mais vida.

Claro que, mesmo sendo melhor que há 10 anos, o transporte público paulistano continua sendo um verdadeiro lixo. Porém agora que a água bateu na bunda – no Brasil é sempre assim – as autoridades (in)competentes já pensam com mais carinho nessa questão. É mais do que urgente tirar carros da rua. Pra mim os corredores de ônibus deveriam ter, no mínimo, duas faixas. Danem-se os carros, eles que se espremam em uma faixa única andando a 3 km/h (e a tendência é essa).

O porteiro lavando a calçada do prédio, o carteiro andando pra lá e pra cá, um grupo atravessando a rua, um casal olhando a vitrine, os botecos movimentados, as pessoas conversando, o tiozinho na janela, e até mesmo o trânsito visto de fora é um atrativo. Dessa forma você está dentro do contexto, consegue ouvir a música ou a rádio que as pessoas escutam, ouve também as conversas, alguns perdidos te param para pedir indicação de caminho, você cumprimenta o jornaleiro, o balconista da padaria. Consegue perceber tudo o que acontece em sua volta.

Tem gente que não consegue se ver em um ponto de ônibus, ou entrando no metrô. Tem gente que diz ter preguiça de andar até o ponto, ou de ter que pegar dois ônibus. Tudo é uma questão de costume, de prática e disciplina. Qual o problema de sair meia hora mais cedo? Dependendo para onde for, pode ser até mais rápido pegar busão.

Eu mesmo, dependendo de onde estou trabalhando, volto para casa a pé para fazer exercício. Aqui em São Paulo qualquer chuvinha faz a cidade parar e não estar de carro me dá inclusive a opção de sair do ônibus e fazer o caminho a pé em caso de muito trânsito. Foi assim no dia do PCC, com a cidade toda parada e eu a pé vendo toda aquela bagunça. Parava na padaria e comprava um sorvete, depois uma água, e assim cheguei em casa numa boa.

Há muito deixei de ficar nervoso dentro de um carro. Tem gente que já chega estressado no trabalho as 8h da manhã só por causa do trânsito. Aí vai embora pra casa e chega nervoso também por causa do trânsito. Será que vale a pena estragar a saúde física e mental por causa de trânsito?

Pode ser que seja impossível para você deixar o carro de lado, porque vai do trabalho para a faculdade, ou mora muito longe de tudo, ou leva e traz o filho, enfim, cada um com seus problemas. Não tô aqui querendo levantar bandeira alguma, nem conheço a fundo o trânsito de todas as grandes cidades brasileiras, mas tenha certeza de que o dia muda para melhor não estando de carro num lugar como São Paulo.

RegistroPessoal.doc

2011-04-15T02:44:00.000-03:00

Esta fase pela qual passo me lembra muito o início de 1991, quando um namoro com uma amiga de infância, paixão platônica, terminou depois de 10 meses. Foi quando me fechei, resolvi voltar a estudar, me matriculei em um cursinho e fui tentar vestibular para jornalismo. Eu ia e voltava muitas vezes a pé do cursinho, com meu walkman, escutando Pixies e Beatles no máximo. Passei a selecionar as baladas, por isso, saia muito pouco. Fiquei pensando mais em mim e assim fiquei por um ano. Foi maravilhoso! Descobri muita coisa.

Agora estou assim novamente, bastante parecido com aquela imagem fictícia do avestruz com a cabeça no buraco. Eu estou com a cabeça no buraco.

Clichê (e fato): Basta uma fração de segundo para sua vida mudar para todo o sempre. Algumas vezes vivi isso na pele. Há casos muito, mas muito piores que o meu, mas este é um registro pessoal.

Perdi meu pai quando eu ainda tinha 18 anos. Ele tinha apenas 50. A vida da família mudou. Tudo mudou. E foi bem na época em que "Marvin" (versão do disco Go Back) tocava nas rádios sem parar (Agora é só você / A vida é pra valer...).

Dois anos antes, em 1987, minha mudança repentina de Brasília para São Paulo virou minha vida de ponta cabeça. Nos anos 1990 um sério problema de saúde de minha mãe também deu mais um chacoalhão na minha vida.

Essas mudanças repentinas, que acabam nos levando para onde não queremos ir, só quem já viveu sabe das dificuldades para se refazer. Recomeçar do zero novamente. Mais uma vez recomeço do zero. Já recomecei.

Dessa vez em plena vida adulta, verei como é não ter mais 17, 18 ou 23 anos, mas sim 41. Se me assusto ao olhar pra frente e tentar ver o muito que tenho a percorrer? Não, de forma alguma. Há muito aprendi que não devemos nos preocupar. Ou seja, nos pré-ocupar. É difícil sim, mas não impossível. Aí também vai da fé de cada um. Outra coisa que aprendi cedo foi que a paciência é uma das maiores virtudes do homem. Como diz o ditado: nada melhor do que um dia após o outro.

Se algo saiu errado e você não tem culpa alguma, pelo contrário, tem a consciência limpa do dever cumprido, então é mais fácil lidar com a mudança.

Mesmo assim, como toda mudança repentina, veio o baque inicial. Como tomar um soco de 120 quilos do Mike Tyson. É coma na certa. Aí começa um exercício de paciência: corre o risco de perder a vida, sofre intervenção cirúrgica, semanas a fio em CTI e UTI, mais operações, milhares de exames, tempos depois um quarto no hospital, reabilitação, remédios, vai pra casa, mais exames, acompanhamento e depois de um ou dois anos, vida normal.

Comparando-me a essa situação, diria que há poucas horas sai da UTI e toda a equipe médica está cheia de esperança. É assim que me sinto agora.

Nada como a força da família e dos amigos que são muuuito poucos, porém verdadeiros irmãos. É lição de vida. Mais experiência para minha bagagem. Sinto-me ainda fraco, mas agora a fraqueza é o ponto zero. De agora em diante é sair dele e caminhar para o 10.

Vi o copo com metade de água e cheguei a pensar que ele estivesse metade vazio. Mas logo vi que ele, na verdade, está metade cheio. A vida continua. Os problemas nunca irão acabar. Eles surgem como muriçoca, que você mata uma e logo aparece outra. Mas o que seria da vida sem problemas?

Não nasci para fazer mal a ninguém. Não nasci para me encostar em ninguém. Não nasci para puxar o saco de ninguém. Estou no mundo para vencer de forma honesta. Não me arrependo de nada do que fiz até hoje (ou do que não fiz). Tenho um orgulho sadio de minhas conquistas, e como já disse aqui uma vez, não tenho e nunca tive pistolão. Sou homem com H e nunca fugi de minhas responsabilidades, pelo contrário, sempre as encarei com serenidade e seriedade.

Não é muito o que eu peço só um pouco de paz. Quero dias normais, uma vida simples, ficar com a família e os amigos, trabalho honesto e amor verdadeiro.

Agora é cabeça erguida, humildade, muito trabalho, fé e esperança, equilíbrio, saúde física, mental e espiritual.

É isso!

PS: Família e amigos: vocês são o máximo!

Bandas do Céu 2 - Uma História Sem Fim

2011-04-08T13:04:00.001-03:00

Lee Brilleaux

Lee Brilleaux (Dr. Feelgood) – voz e gaita
John Bonham (Led Zeppelin) – bateria
John Entwistle (The Who) – baixo
Marc Bolan (T. Rex) – guitarra

Hoje as coisas no céu estão um pouco mais organizadas. Depois daquele início com Buddy Guy e Ritchie Valens, ouve um período bastante conturbado apesar do início organizado. Mas era de se esperar já que existem, digamos, espíritos que gostam do que acontece na terra e continuam com hábitos antigos. Mas tudo tem um propósito e quem somos nós para questionar?

No caso dos rockers, o prestígio é o mesmo que se tinha na terra, mas aos olhos de espíritos não muito adiantados, pois os mais elevados viam tudo aquilo como brincadeira de criança. Alguns se incomodam e querem acabar com tudo isso, mas há quem veja que há propósito em tudo. Enfim...

A banda acima causa furor inclusive entre outros grandes nomes. Esse timaço inglês resolveu se juntar para fazer um pub rock de respeito, mas a diferença é que ao blues e rock’n’roll juntou-se o hard rock dos 1970, e até o grunge dos 1990. Sim, grunge, já que Brilleaux morreu dois dias após Kurt Cobain. Os dois se encontraram em um hospital (tipo Nosso Lar) e lá ficaram amigos. Fã de carteirinha, Cobain ficava babando em Brilleaux, enchendo-o para fazer um som.

Tempos depois cada um seguiu para colônias diferentes, mas Cobain sempre que pode faz participação nos shows. Um rock seco, direto, ótimos riffs de guitarra, belas linhas de baixo e com Bonham mais contido, mas não menos poderoso.

Os primeiros shows chegaram a causar preocupação, já que quem assistia acabava entrando em estado de êxtase. Uma doidêra! A coisa toda foi tomando um rumo que só Deus para dar uma freada. ELE chamou a banda inteira para uma conversa e resolvido ficou que quem quisessem assistir ao show teria que tomar um passe para se acalmar.

Parece que já está prometido que os quatro irão reencarnar juntos para formar a mesma banda aqui na terra, mas isso só vai acontecer entre 2115 e 2120. E se eles se comportarem...
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Bob Tyner (MC5) – vocal
Dimebag Darrell (Pantera) – guitarra
Cliff Burton (Metallica) – baixo
Eric Carr (Kiss) – bateria

Cliff Burton

Dimebag morreu estupidamente em 8 de dezembro de 2004. Antes disso os outros três integrantes já tocavam juntos desde o final de 2003. Experimentaram alguns guitarristas, mas que não davam certo. Até que um dia, inusitadamente, Gene Vincent apareceu se dizendo interessado em tocar com eles. Todos ficaram honrados, mas reticentes, afinal imaginar Gene Vincent tocando metal era impossível.

Conversaram bastante, Gene insistiu muito e seu argumento era de que queria aprender a tocar diferente, que gostava de algumas coisas de metal, incluindo Pantera e Metallica, era fã de Motorhead, blá blá blá...

Pela insistência os três toparam. Isso foi no final de agosto. Em meados de setembro Burton ficou sabendo do que aconteceria com Dimebag e contou para Eric e Bob. Gene Vincent até não tocava mal, mas era limitado para o que queriam fazer: algo entre Discipline (King Crimson), Master of Puppets (Metallica) e Nothingface (Voivod).

Naquele momento o que faziam era tocar versões poderosas de clássicos do metal e hard rock dos 1970 e 1980. Gostavam disso, mas sentiam que já estavam prontos para fazer algo autoral. A idéia foi tocar com Gene até eles conseguirem Dimebag, o que aconteceu logo no início de 2005. Foi difícil falar com Gene Vincent, ele saiu, mas continuou no pé enchendo o saco até que resolveram fazer uma apresentação por mês tocando os clássicos e com Gene na guitarra. Assim puderam seguir em paz com, Dimebag na guitarra. É a banda de metal mais respeitada do céu.

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Johnny Thunders

Syd Barret (Pink Floyd) – vocal e efeitos

Kurt Cobain (Nirvana) – guitarra e backing

Johnny Thunders (New York Dolls) – guitarra solo

Sid Vicious (Sex Pistols) – baixo

Serge Gainsbourg – teclado e backing

James Honeyman-Scott (The Pretenders) – bateria

Se você acha impossível uma banda de doidões no céu, então você está enganado. Essa é apenas uma delas... e uma das melhores. Seus shows são os mais cheios. Mas por incrível que pareça, apesar do som viajandão, ninguém da banda consome drogas (???). É difícil descrever o som, mas a base é blues, um blues mais pesado, hard. Para se ter uma idéia, ora Sid Vicious toca com baixo distorcido (a La Stranglers), ora com baixo de pau. Nos shows há três sets: o elétrico pesado, o elétrico de raiz e o acústico. Não tem um que não fique de queixo caído, ainda mais vendo o quanto Sid Vicious toca. Serge Gainsbourg, claro, é um show a parte. Outra coisa que ajuda a diferenciar o som da banda são os efeitos que Syd Barret faz com um teclado maluco que montou.

Um momento bastante cultuado dos shows é quando Serge fica sozinho no palco. A coisa toda começa mais lenta, intimista, com canções francesas obscuras. Depois passa para músicas autorais pouco conhecidas, aí sim toca alguns de seus clássicos. Sid entra eles fazem duas com baixo de pau e piano, depois vem Barret, mas só fazendo seus ruídos estranhos que encaixam perfeitamente nas músicas e no clima; Cobain reaparece, depois Johnny Thunders com uma espécie de Ebow, sustentando suas notas por longo tempo; por fim, entra James devolvendo ao show a dinâmica inicial.

É incrível. Parecem dois shows: a parte inicial com oito músicas com a banda inteira já no palco e depois todas as músicas tocadas a partir do momento solo de Gainsbourg. Sem consumir nada é um show que você sai quase que hipnotizado.

Série O Resgate da Memória: 19 - O Lançamento de Tropicália ou Panis et Circensis

2011-04-01T11:02:00.000-03:00

Nesta reportagem histórica que descreve a noite de lançamento de um dos discos mais importantes da música brasileira, o que mais chama a atenção é a riqueza de detalhes. Uma verdadeira viagem no tempo.

Folha de São Paulo
14 – agosto – 1968 (quarta-feira)
Acervo Digital Folha

Uma Noite Tropicalista
Adones de Oliveira

Às 11 da noite de anteontem o Avenida Danças já estava repleto. Tudo funcionava regularmente. Como nos dias normais as mulheres chegavam, sentavam-se nas cadeiras que rodeiam o enorme salão e ficavam esperando que os cavalheiros as viessem tirar para dançar. Cada um tinha recebido seu cartão numerado na entrada, que seria picotado e devolvido na saída, para o devido acerto de contas. Às 11 da noite de anteontem no Avenida Danças, Ipiranga, 1120, já era grande o número de pessoas que chegavam para assistir ao lançamento de “Tropicália” e viver o maior acontecimento tropicalista já havido, desde que o tropicalismo foi inventado.

Primeiro chegaram Gilberto Gil, Gal Costa, Os Mutantes, Nara Leão, Tom Zé e o empresário Guilherme Araújo, produtor da festa, Caetano chegou mais tarde e quando entrou foi recebido com palmas e gritos. O salão tinha sido dividido. Num lado continuava-se dançando, os “habitues” nem davam bola para o que acontecia na outra metade, cheia de mesas, que não chegavam para o número de pessoas presentes. Gil, numa mesa grande, com Nara Leão e as bailarinas da Rhodia, apertava uma buzina e gritava “Tereziiiiinha”.

Chegaram os componentes do “New Vaudeville Band”, sete ingleses vestido com moda de 1920. Os “Beat Boys” barbudos e de boina, à “Che” Guevara, também transitavam no meio da multidão de manecas, bailarinas, artistas, jornalistas, desconhecidos, fotógrafos, etc. Caetano usava um casaco comprado em Londres e um boa cor-de-rosa, espécie de estola, enrolada no pescoço. Ele e Gil ficavam andando de um lado para outro, cumprimentando uns e outros.

À uma hora os apresentadores oficiais do Avenida Danças, impecavelmente vestidos, anunciaram o show. Ninguém conseguia ouvir direito o que diziam, o barulho era enorme, todo mundo gritava “Terezinha”. Um grupo ficou chamando o poeta Décio Pignatari, afastado um pouco da turba. Um fotógrafo quis brigar com um rapaz, que o impedia de trabalhar direito. Guardas, com a indelicadeza costumeira, exigiam a saída dos que se sentavam na passarela, à falta de lugares melhores. O pano se abriu, começaram a gritar “senta, senta!”, Gilberto Gil iniciou o espetáculo com “Miserere Nobis”. Houve um pouco de silencio quando Caetano cantou “Coração Materno”. Nas outras o público acompanhava e batia palmas. No palco estavam Nara, Gil, Caetano, Gal Costa, Os Mutantes, Tom Zé. Saíram, uma a uma, todas as músicas do disco. “Miserere Nobis”, “Coração Materno”, “Parque Industrial”, “Panis ET Circenses”, “Hino do Senhor do Bomfim da Bahia”, “Baby”, “Lindonéia”, “Três Caravelas”, “Batmacumba”, etc.

Na vez do hino o ator Antonio Pitanga ficou dando vivo ao Nosso Senhor do Bomfim, como nas procissões. O auge do entusiasmo deu-se em “Batmacumba”, cantado por todos. A orquestra, muito boa por sinal, era da casa e Rogério Duprat a regeu. Terminado o show apareceu Jorge Bem, que também subiu ao palco. Todo mundo cantava e dançava.

Lenie Dale subiu na passarela e ficou se exibindo. Nas mesas as moças da Rhodia dançavam e davam gritos. Outros artistas também aplaudiam: Claudete Soares, Da Kalafe, Walmor Chagas, Rejane Medeiros e outros. Gil e Caetano desceram do palco, ficaram abraçando as pessoas. Algumas pessoas saíram, mas a confusão continuou. A orquestra voltou a tocar os boleros, recomeçaram a dança. Os homens que saiam tinham que devolver os cartões, picotados ou não. O Avenida Danças viveu uma noite “social” das mais movimentadas, mas o faturamento não foi grande. Muitos fregueses deixaram de dançar para ver de perto uma noite tropicalista.

Ney Matogrosso

2011-03-25T12:50:00.000-03:00

(O autor adverte: esta é uma postagem baba ovo)

Se alguém me perguntar qual é o artista mais completo da música brasileira eu falaria sem pensar e nem pestanejar: Ney Matogrosso.

Agora ele está em divulgação do DVD do disco Beijo Bandido e estou me deliciando com as mil entrevistas que tem saído em revistas, jornais, internet e televisão.

Ney Matogrosso é, no mínimo, o nosso David Bowie. Ney Matogrosso mata a cobra e mostra o pau (ops!). Qualquer coisa que tenha o nome Ney Matogrosso é sinônimo de qualidade. Sim, até porque ele não faz nada por fazer. Tudo na arte dele é bem pensado e bem executado.

Não é exagero dizer que a MPB até Ney aparecer era uma e depois dele se tornou outra. Suas interpretações e suas atuações são referência até para quem tem mais tempo de carreira do que ele.

Em 1992 foi lançada uma biografia chamada Um Cara Meio Estranho, escrita por Denise Pires Vaz (Rio Fundo Editora). O livro é maravilhoso. Boa narrativa, boas histórias, bem editado, ótimo título e ainda adoro a capa (está fora de catálogo, mas é encontrado em sites como o http://www.estantevirtual.com.br/).

Estou com ele em minhas mãos, folheando, vendo as fotos e tentando achar bons causos. Um deles (não achei, mas me lembro) é do período em que Ney vivia na rua como um hippie que vendia seu artesanato e a noite dormia na praia. Ele tinha vários amigos e um deles costumava recebê-lo para jantar (por vezes sua única refeição do dia) e um desses dias, após a refeição, seu amigo disse que ia a uma cartomante e convidou Ney para acompanhá-lo. Depois de ler as cartas do amigo, a cartomante perguntou se Ney Matogrosso também não queria tirá-las. Mesmo descrente tirou as cartas e em determinado momento ela lhe disse que sua vida iria mudar completamente depois dos 30 anos. Claro que ele riu daquilo, afinal tinha 29 anos e dormia na rua, então como isso poderia acontecer? Dito e feito. Com 31 anos Ney Matogrosso estava em São Paulo já como vocalista do Secos & Molhados.

A banda de João Ricardo virou a banda de Ney Matogrosso, tanto que, por mais que tentasse ressuscitar, o Secos & Molhados verdadeiramente acabou com a saída de Ney (e de Gerson Conrad) em agosto de 1974, dias antes do lançamento do 2º álbum. Essa saída aconteceu porque João Ricardo queria que Ney e Gerson assinassem um documento se dizendo funcionários da marca Secos & Molhados.

(Tem até a história de um show da banda onde tiveram que fazer por três vezes o bis de “Rosa de Hiroshima”, o que deixou João irritadíssimo a ponto de quebrar o camarim, apenas porque a música não era dele)

Ney revolucionou a MPB nos anos 1970 e até inspirou o Kiss com suas maquiagens. Seu rebolado e suas provocações sempre foram inteligentes e deixaram de cabelo em pé o Brasil conservador dos militares. Ele pensa no todo: repertório, cenário, direção, roteiro, iluminação, concepção visual do disco e DVD (Ney antes da fama também trabalhou em teatro como ator e iluminador).

Ney Matogrosso é rocker. Começou como vocalista de uma banda de rock. Revolucionou até mesmo o show business do rock brasileiro dos anos 1980 ao dirigir o show de RPM. Foi ele que mostrou para essa geração 80 a importância de se ter uma boa aparelhagem de som, uma boa iluminação, figurino e postura de palco. Depois que RPM fez o que ele criou, a era das danceterias acabou e tudo mudou. Ney Matogrosso colocou o rock brasileiro para tocar em teatros e a história conta o resto. Antes do RPM deu enorme força ao João Penca (“Telma Eu Não Sou Gay”) e ao Barão Vermelho. Ele foi um dos primeiros a ver o talento de Cazuza.

O show da turnê do disco Vivo (1999) foi incrível. Com quase 60 anos parecia o Ney do Secos & Molhados. Hoje prestes há completar 70 anos parece ter 40 e está mais lúcido do que a maioria dos artistas da velha guarda ou da nova geração. Ele é um cara discreto, apesar de toda a revolução que já causou. Não fica aí aparecendo em revistas de fofocas, ninguém sabe de sua vida pessoal, não mama nas tetas do governo com projetos de incentivo, não se encosta em ninguém para se dar bem, não entra numas de gravar axé porque a onda é axé ou gravar bolero porque a onda é bolero. Ney Matogrosso é independente em todos os sentidos. Não se repete. É um artista seguro, que tem equilíbrio, conteúdo, sabedoria e elegância.

Escrevi esta postagem sem pesquisa, mais de coração, como um fã. Como falei, Ney não se repete, por isso mesmo é difícil indicar discos específicos, mas vale, no mínimo, conhecer sua discografia do 1º solo de 1975 até ao menos o Pescador de Pérolas, de 1987. Há também uma ótima coletânea dupla lançada em 1996 chamada Vinte e Cinco.

Longa vida ao Ney!

Divulgação e os Direitos Autorais

2011-03-18T11:50:00.003-03:00

Este é um assunto delicado, eu sei. Também não sou nenhum expert deste tema, mas convivo com isso. Assunto que mexe com o bolso, mas não me preocupa o bolso dos intermediários e sim o do autor da obra. Essa é uma área cheia de contradições e que eu não consigo entendê-la 100%.

É sabido (e óbvio) que existem mídias diferentes: rádio, televisão, internet, celular. Para cada uma delas há um tratamento diferenciado. Mas uma das coisas que me deixam embasbacado é o fato de você não poder usar um videoclipe sem autorização e dependendo para o que for, a autorização não é dada.

Na minha cabeça isso não é cabível, uma vez que a função do videoclipe é a divulgação. Assim como para um filme há o trailer, o álbum de músicas tem o videoclipe. Se é um produto feito para divulgação, então porque cobrar ou proibir seu uso? (a mesma colocação serve para as tais fotos de divulgação).

Deveria haver uma política diferenciada para a chamada música de trabalho, porque as gravadoras que pagam jabaculê para executá-las, deveriam ser obrigadas de alguma forma a liberá-las. É engraçado a gravadora preparar um produto, escolher algumas músicas que ajudarão nas vendas, pagar para as mídias trabalharem tanto a música, quanto o álbum e o artista, mas jogar a responsabilidade de pagar pela sua execução ao veículo em questão. Oras! Se já paga uma verdadeira fortuna para a música ser tocada, então porque não pagar a sua execução? Pior ainda se não há dinheiro na negociação e sim troca de favores.

Nós profissionais da área de entretenimento sofremos com esse tipo de burocracia que não faz o menor sentido. É estranho o fato de eu não poder usar a imagem da capa de um álbum cujo próprio artista cita-o numa entrevista. É estranho não poder usar a imagem de um clipe, uma foto ou qualquer outra imagem de arquivo que possa servir de ilustração para uma entrevista. Se eu entrevisto o Paralamas e a banda fala de Selvagem? é tão burocrático para colocar a capa para ilustrar esse momento que os envolvidos acabam desistindo de tentar sua liberação sem ao menos tentar. É preciso da autorização de todos os envolvidos na realização da capa. Complicado... mas por que se a gravadora pagou para ela ser feita? Portanto a capa não é da gravadora e da banda? Pra quê então pegar autorização de todos os envolvidos? Não entendo...

Essa discussão é esquisita, mas acredito que isso deveria estar bem claro nos contratos assinados entre artistas e gravadoras. O que não pode é deixar de pagar o AUTOR pelo uso de sua obra, e também prejudicar o consumidor. Esse assunto deveria ser discutido entre artistas, gravadoras, editoras e órgãos como ECAD, até por respeito ao consumidor. Ou então que se esclareça tanto para profissionais, quanto para o público, o que pode e o que não pode.

Sei que como é, esta errado. Pior é que o consumidor, o público nem sabe que sai perdendo com isso...